Pisares

Afinal há quem consiga pegar em fórmulas aparentemente gastas e renová-las completamente, conferindo-lhes uma espécie de lufada de ar fresco. E essa capacidade neste caso veio da Suécia. Tomas Alfredson tem neste seu Deixa-me Entrar uma perspectiva indie muito forte, ao recuperar a temática dos vampiros e extrair daí uma história que aborda a sua mitologia de uma forma bastante original.

Existe nas personagens principais do filme uma noção comum de alienação, solidão e inadaptação que conferem os primeiros passos de terror onde o filme se consegue diferenciar. Existe uma discriminação comum às duas crianças, em patamares diferentes, mas que servem de união e que criam a imagem de um dos mais bonitos e negros romances da história do Cinema. E é precisamente na história deste romance diferente e complexo entre duas crianças que se cria um cenário elegante para uma história visualmente terrífica, longe dos clichés habituais do género.

Com uma temática que provoca muitas comparações a Twilight (2008), Let the Right One In é infimamente superior em qualidade artística e argumentativa. No que diz respeito à fotografia, este é um bom exemplo de um visual perturbadoramente tranquilo e ao mesmo tempo frio e cru. Longos e estáticos planos são frequentes no filme que conferem um grande realismo poético a toda a trama. E este andamento da câmara por vezes demasiado estático serve para contrabalançar algumas das cenas fortes do filme que transmitem um novo significado ao horror.


Esta plasticidade visual do filme conjuga-se com o argumento rico, consistente e inovador. As personagens são ricamente construídas, dando espaço de manobra ao espectador para interpretações secundárias daquilo que nos é apresentado a cada cena. E estas personagens são cimentadas pelas excelentes interpretações de dois jovens actores, que se marcam como promissores no cinema nórdico.

Em Deixa-me Entrar prosperam nuances do cinema noir francês, do cinema gore muito em voge, mas subtilmente romântico e poético, num argumento amplo e espontâneo aberto a significados inteligentes, numa rara consistência no mundo cinematográfico. É longe dos clichés comuns e perto da beleza incomum das paisagens nórdicas que Tomas Alfredson vai beber a sua influência. Inova o tema dos vampiros, mas recupera alguma da sua veia gótica, para gáudio dos fãs que julgavam o género adormecido.

É certamente um dos melhores filmes do ano, que pode perder apenas pela sua narrativa extremamente lenta, adepta de alguma estagnação visual e argumentativa, mas que recupera brilhantemente desses momentos que lhe poderiam causar o declínio. É uma nova abordagem com conceitos novos, com uma estética negra que curiosamente se torna bonita.


Deixa-me Entrar é um apelo à renovação do cinema actual, que não poderemos deixar passar ao lado.

O terror que se publicita ao longo de Eden Lake, mais que visual, é sobretudo psicológico. O filme assenta todo numa base coerente, realista e lógica, levando o espectador a temer mais que uma entidade abstracta, como é usual nos filmes do género.

E o interessante é que no filme não existem heróis nem vilões. A dada altura, acabamos por compreender as acções de ambas as facções e apesar de não as desculparmos, percebemos porque as fazem. Em Eden Lake, não heroísmo, há sobretudo um instinto selvagem de sobrevivência, que desde logo os primeiros minutos do filme vem sido inteligentemente despertado.

O jogo de sobrevivência que o novato James Watkins cria é competente, levando a uma noção claustrofóbica, com violência brutal e crua. O filme torna-se bastante gore, mas não gratuitamente (apesar de usar cenas cliché do género), acabando por revelar uma dimensão pedagógica imensa. Além de assistirmos à evolução da narrativa e das personagens, desde os primeiros comentários que passam na rádio, passando pela noção da professora com vocação, a mulher cobarde e a sobrevivente lutadora, indo até à convicção orgulhosa e amoral de um jovem líder.


Kelly Reilly tem uma excelente estreia no género horror movie, revelando uma capacidade de adaptação bastante positiva e uma enorme competência a nível de desempenho. Michael Fassbender, que de início não encontra o seu espaço, mas finalmente consegue revelar a degradação psicológica por que passam as personagens do filme.

Contudo, é o elenco mais jovem que merece grande parte dos louros, principalmente Jack O'Connell que nos oferece uma visão distinta, mas convergente, da vítima e do predador. E é sobretudo o olhar do jovem que causa ao espectador uma sensação sufocante, que nos apoquenta logo desde o início, que mais do que apenas uma vítima dos actos passados, revela-se um ser calculista e vingativo, que faz-nos temer as gerações mais jovens.


Geração Youtube, frutos de uma educação inconsistente, negligente e irresponsável por parte dos próprios pais que se justificam com um "são apenas crianças", Eden Lake conduz-nos a uma perturbante reflexão sobre os valores que transmitimos aos nossos descendentes. E tal como acontece muitas vezes com as personagens, o que passa para nós enquanto espectadores, é a mesma sensação enojada, próxima do vómito, ao perceber a impunidade com que muitas gerações jovens acabam por triunfar. E aquele olhar calculista de um jovem, por detrás de uns Ray Ban Aviators.

O exercício do reboot tem sido utilizado recentemente como forma de combater a crise e renovar aquilo que em tempos já foi a galinha dos ovos de ouro e deixou de ser. E a expectativa de J. J. Abrams dar um novo fôlego à saga conduziu a toda uma série de grandes motivações, especialmente depois de sucessos como Alias, Lost, Cloverfield ou o mais recente Fringe.

E a primeira desilusão é mesmo essa. Star Trek não sobrevive a todo esse buzz que se gerou pela blogosfera, provocando-me uma certeza estranheza perante a aclamação mundial da obra. Na tentativa de tornar a obra acessível a não conhecedores da saga (como eu), o filme deu um tiro no próprio pé, reduzindo-o a um mero blockbuster no início da época estival.


O filme é ritmado, intenso, tecnicamente irrepreensível e fascinante, capaz de deixar colados ao ecrã os olhos do espectador, mas acaba por se tornar inquientantemente inconsistente, sem uma definição no argumento, mas um enorme conjunto de cenas distintas. E especialmente ao tentar agradar a gregos e troianos, ou melhor a trekkies e não-trekkies, este reboot de Star Trek caiu no erro de adoptar um tom demasiado ligeiro e fácil, que acabou por levar algumas outros franchises à ruína.

Mas nem tudo é negro. Aliás, este futuro de Star Trek é brilhante e cheio de referências agradáveis à cultura pop, com uma valorizável realização de J. J. Abrams, cenários fantásticos e sobretudo os efeitos-especiais e visuais que abrilhantam todo o filme. A sonoplastia é outro factor que não podemos descurar, recuperando alguns dos sons originais da saga, mas também a banda sonora que mais uma vez revela o trabalho do talentoso Michael Giachinno, que habitualmente trabalha em conjunto com o realizador/produtor.


A nível do elenco, destaque para a química entre Chris Pine e Zachary Quinto, tendo especialmente este último um desempenho absolutamente notável ao longo do filme. O piscar de olho a outra obra de J.J. Abrams, mas também para os mais puristas de Star Trek é a presença de Leonard Nimoy, o Mr. Spock original da série.

Contudo, todos estes pontos positivos não são suficientes para superar a imagem inconsequente de blockbuster ligeiro que trouxeram a Star Trek. Um filme que teria muito mais para dar, se não fosse este tom que lhe dá um sabor semelhante a cinema fast-food, que não perdurá nas nossas memórias.

Existe um enorme conflito de interesses em Dupla Sedução. Se o nome de Tony Gilroy, conhecido por Michael Clayton - Uma Questão de Consciência, bem como da dupla Julia Roberts e Clive Owen, estimula o espectador, há qualquer coisa entre a complexidade do argumento que não resulta bem.

Na (des)construção de fantasias as mulheres são quase profissionais. Mas no que toca a interpretar os sinais deixados pelo sexo oposto, as mulheres diferem em muito dos homens. E se ele não me ligar? E se ele não quiser dormir comigo? E se ele não quiser casar? Bem, talvez ele não esteja assim tão interessado. Ou talvez até esteja. Em suma: serei a excepção ou a regra?

Elaborado na forma de um manual, o filme de Ken Kwapis é baseado no livro homónimo de Greg Behrendt e Liz Tucillo (argumentistas de alguns episódios de Sex and the City). Ele Não Está Assim Tão Interessado acaba por ser uma paródia aos relacionamentos actuais.

Certamente o público feminino irá soltar algumas gargalhadas ao reconhecer-se em muitas das mais variadas situações do filme, bem como as motivações e acções masculinas acabam por ser descortinadas em alguns momentos. Estereótipos não faltam no argumento: a solteirona desesperada para encontrar namorado, a rapariga que partilha casa há vários anos, mas que só pensa em casar, a esposa feliz que acaba por ser traída, a rapariga que se envolve com o homem casado, a rapariga que vive relações pela internet, o amigo que desvenda os truques do sexo masculino e as muitas amigas com comentários do género "Ele não é homem para ti.", "Isso é porque ele tinha medo da tua maturidade emocional"...


Não é uma obra-prima, não é inovador, mas é um puro produto de bom entretenimento, que consegue levar o espectador a reconhecer-se em cada instante do filme. Seja como excepção ou regra. O tom documental que a longa-metragem assume em algumas partes do filme, garante alguns gags bastante divertidos.

O problema contudo é o excesso de estrelas no elenco, que acaba por ofuscar algumas delas, dando-lhes desempenhos completamente aquém do esperado. É uma trama de relações cruzadas, onde todos os personagens acabam por se conhecer ou envolver de alguma forma. Uma espécie de manta de retalhos de estrelas de Hollywood que peca por esse mesmo excesso. Contudo a grande surpresa do argumento foi o talento e química de Justin Long e Ginnifer Goodwin, que garante um dos pares mais interessantes do filme. Por outro lado, existe talento subaproveitado como o de Jennifer Connely, Jennifer Aniston e sobretudo, Ben Affleck, que tem um dos piores desempenhos de sempre.


O argumento é cliché, estereotipado e com mais momentos light do que se desejaria. A realização é banal, já muito vista em cinema do género. Porém, na minha opinião, vale a pena, é divertido, não promete mais do que devia. Afinal, é uma simples paródia, uma comédia. Afinal os relacionamentos humanos não são feitos de clichés? Todos nós vamos nos conseguir reconhecer no filme ou pelo menos, alguém conhecido.

Clint Eastwood é Mr. Kowalski. Clint Eastwood é aquele homem pertencente à velha guarda dos costumes. Do Cinema. Do verdadeiro Cinema que já pouco se faz por Hollywood. Inegavelmente, o realizador e actor é dos poucos capazes de criar um clássico moderno, como ninguém.


Gran Torino é desses clássicos modernos. Nunca fui grande seguidor do realizador, apesar de reconhecer o seu bom trabalho na área do Cinema. Mas este filme, é uma pequena obra-prima, que não se compreende como foi afastada dos Óscares deste ano.

A fórmula de Eastwood mantém-se a mesma. A austeridade, a simplicidade, as temáticas dramáticas, os dramas humanos, os contrastes sociais, a crítica às grandes instituições. E sempre a figura central, de contornos inconfundíveis, postura firme, visão semicerrada tal como a personagem Christine Collins, em Changeling. Gran Torino é mais que uma reflexão sobre a velhice. É o retrato de uma raiva incontida, de um senso de humor despretensioso, do significado da vida e da morte. O filme vive à base dos enquadramentos simples, da exibição perfeccionista dos pormenores onde nada surge por acaso.

Além do argumento e dos diálogos com a temática do revivalismo do passado da Guerra na Coreia, dos sentimentos racistas e xenófobos, Gran Torino vive com um soberbo trabalho fotográfico, com um excelente jogo de luz e sombra (evidenciado pelos posters do filme) corrosivo e marcante.


A história respira Clint Eastwood. Atrás e à frente da câmara, com a cartilha de normas rígidas a que já nos habituou. Sobretudo é uma história de uma amizade improvável entre duas personagens opostas e que, aparentemente, seriam inconciliáveis. Mesmo quando Mr. Kowalski rosna a quem odeia, mesmo quando abomina a decadência da juventude actual, nota-se que redescobre o significado da vida e da tolerância.

Pecado seria também não falar da banda sonora do filme, que apesar de ser reduzida ao máximo, como é habitual nos filmes do realizador, surge em momentos chave de Gran Torino, contribuindo para exponenciar a beleza da película. Destaque ainda para a sequência final, onde Clint Eastwood nos brinda como uma composição escrita e cantada por ele.

A interpretação de Clint Eastwood não vale um Óscar, mas é denotadora de como um actor deve trabalhar uma personagem. Mas o maior defeito de Gran Torino e que lhe impossibilita atingir um estatuto maior tem que ver com o erro de casting. O elenco secundário tem más interpretações ou abaixo do desejado. Bee Vang, enquanto Thao tem um péssimo desempenho: inconsistente, incoerente e inexpressivo. Já Ahney Her tem uma personagem interessante e mordaz, mas cuja interpretação poderia ser muito melhor.


Apesar desse pequeno erro, Gran Torino é um clássico contemporâneo, que merece acima de tudo um reconhecimento maior, que não chegou a obter.

Richard Jenkins tem uma currículo extenso. Nos últimos 20 anos, participou em pelo menos 60 filmes, mas muitos deles em papéis secundários ou sem grande impacto no argumento dos mesmos. Da figura patriarcal de Six Feet Under, Richard Jenkins parte para a história de um homem que reaprende a viver. Richard Jenkins é duplamente um visitante. É quase um visitante na sua própria casa, mas também no sentido mais altruísta da palavra. O actor tem aqui uma bela interpretação, um papel que lhe coube que nem uma luva, uma prestação simples, mas poderosa.

Também Haaz Sleiman além de genuinidade estampada no rosto e em cada cena em que entra, dá ao espectador um desempenho caloroso e fresco, mesmo nas cenas mais dramáticos. Mas o destaque cai principalmente sobre Hiam Abbass, pois em todas as cenas que a actriz surge causa impacto. O seu olhar é poderoso, a postura com que interpreta as suas cenas e falas é extasiante.

Sem grandes pretensões, Tom McCarthy (The Station Agent) conduz o filme e todas as cenas competentemente, guiando o espectador através de um argumento simples, mas com um conceito importante. O Visitante transmite uma mensagem de tolerância e humildade, um conceito humanitário em vias de extinção nos nossos dias, despertando para a temática da imigração pós 11 de Setembro. Mais que ficção é uma crítica ao nosso complexo sistema burocrático e que tantas vidas deixa suspensas.


O Visitante é despretensioso, simplista e básico. Mas ao mesmo tempo apresenta um argumento consistente e coerente, a um ritmo agradável, à base de temáticas ricas, interessantes e introspectivas, num ensaio sobre o melting pot e o drama da imigração.

Não é o filme do ano e dificilmente o melhor dos candidatos ao Óscar deste ano, mas não podemos descurar Frost/Nixon como o grande filme-confronto da história do cinema. O que à partida poderia afastar muitas pessoas da salas de cinema, devido à temática política que francamente exibe, não deve ser reduzida a essa forma limitada. O filme de Ron Howard (A Beautiful Mind) é um excelente produto cinematográfico, dotada de boas interpretações e de uma montagem exímia.