Pisares

A Libertação de Nancy

2009-09-09T17:26:00.001+01:00

As decisões das distribuidoras portuguesas são, por vezes (se não a maioria), difíceis de engolir para um qualquer cinéfilo mais atento. Sob uma famigerada temática algo mais negra e perturbante que o habitual, a Zon Lusomundo decide remeter Donwloading Nancy, do realizador novato Johan Renck, directamente para DVD.

O filme que em português recebeu o título A Libertação de Nancy é um verdadeiro "murro no estômago", que pode ser confundido com uma total imprudência por parte do realizador. Centrado numa única personagem com um passado problemático, o filme aborda temáticas como a rotina do casamento, o sado-masoquismo ou a auto-mutilação.

Apesar de o título original, Downloading Nancy, poder indiciar isso, este filme é muito mais do que um mero aviso aos perigos da Internet. Aqui repensa-se a vida e a morte, numa trama extremamente densa e complexa. Nancy sente a vida como que está preso no sítio errado e procura a saída. A saída, para ela, encontra-se em cada corte infligido a si própria, na falta de oxigénio, na tortura física, na morte. Tudo é melhor que a dor interior, que a falta de sentido da vida e do seu eu interior.

A dor da personagem principal cria uma interessante metáfora em favor da própria vida. Apesar de poder constar o contrário, Nancy acaba por ser a personagem mais viva e honesta de toda a trama e talvez quem deseja mais a vida. O seu marido acaba por viver uma vida que na realidade não existe, enquanto que Louis vive preso ao passado. Enquanto que estes dois se prendem a algo fictício, é Nancy que se revela uma pessoa extremamente humana que, na verdade, procura sobreviver.

Na verdade quem mais se destaca é Maria Bello, numa prestação profunda que exigiu muito de si enquanto actriz. É o seu desempenho que eleva o filme a um patamar mais superior do que realmente é. Pena que a actriz participe apenas em filmes independentes menos populares que não lhe garantem os merecidos créditos.

O excelente trabalho de fotografia de Christopher Doyle dá também outro significado à narrativa. O cinematógrafo que foi responsável pelo trabalho de fotografia em Paranoid Park (2007) ou do recente The Limits of Control (2009), cria uma paleta de cores depressivas, com uma iluminação propositadamente monótona, ao ponto de quase conseguir inflingir no espectador, a mesma dor da protagonista.

A Libertação de Nancy é o drama de uma mulher à beira do abismo que garante momentos doentios, de profunda inquietação e que nos deixa completamente desgastados. É um murro no estômago profundo, um ensaio bizarro e estranho que só deverá ser visto por pessoas menos sensíveis.

Ausência

2009-06-11T17:52:00.002+01:00

Só para quem estranhe a ausência. Em Cinema, ando por aqui: http://splitscreen-blog.blogspot.com/

Deixa-me Entrar

2009-06-11T17:50:00.000+01:00

Afinal há quem consiga pegar em fórmulas aparentemente gastas e renová-las completamente, conferindo-lhes uma espécie de lufada de ar fresco. E essa capacidade neste caso veio da Suécia. Tomas Alfredson tem neste seu Deixa-me Entrar uma perspectiva indie muito forte, ao recuperar a temática dos vampiros e extrair daí uma história que aborda a sua mitologia de uma forma bastante original.

Existe nas personagens principais do filme uma noção comum de alienação, solidão e inadaptação que conferem os primeiros passos de terror onde o filme se consegue diferenciar. Existe uma discriminação comum às duas crianças, em patamares diferentes, mas que servem de união e que criam a imagem de um dos mais bonitos e negros romances da história do Cinema. E é precisamente na história deste romance diferente e complexo entre duas crianças que se cria um cenário elegante para uma história visualmente terrífica, longe dos clichés habituais do género.

Com uma temática que provoca muitas comparações a Twilight (2008), Let the Right One In é infimamente superior em qualidade artística e argumentativa. No que diz respeito à fotografia, este é um bom exemplo de um visual perturbadoramente tranquilo e ao mesmo tempo frio e cru. Longos e estáticos planos são frequentes no filme que conferem um grande realismo poético a toda a trama. E este andamento da câmara por vezes demasiado estático serve para contrabalançar algumas das cenas fortes do filme que transmitem um novo significado ao horror.

Esta plasticidade visual do filme conjuga-se com o argumento rico, consistente e inovador. As personagens são ricamente construídas, dando espaço de manobra ao espectador para interpretações secundárias daquilo que nos é apresentado a cada cena. E estas personagens são cimentadas pelas excelentes interpretações de dois jovens actores, que se marcam como promissores no cinema nórdico.

Em Deixa-me Entrar prosperam nuances do cinema noir francês, do cinema gore muito em voge, mas subtilmente romântico e poético, num argumento amplo e espontâneo aberto a significados inteligentes, numa rara consistência no mundo cinematográfico. É longe dos clichés comuns e perto da beleza incomum das paisagens nórdicas que Tomas Alfredson vai beber a sua influência. Inova o tema dos vampiros, mas recupera alguma da sua veia gótica, para gáudio dos fãs que julgavam o género adormecido.

É certamente um dos melhores filmes do ano, que pode perder apenas pela sua narrativa extremamente lenta, adepta de alguma estagnação visual e argumentativa, mas que recupera brilhantemente desses momentos que lhe poderiam causar o declínio. É uma nova abordagem com conceitos novos, com uma estética negra que curiosamente se torna bonita.

Deixa-me Entrar é um apelo à renovação do cinema actual, que não poderemos deixar passar ao lado.

O Lago Perfeito

2009-05-12T21:51:00.001+01:00

O terror que se publicita ao longo de Eden Lake, mais que visual, é sobretudo psicológico. O filme assenta todo numa base coerente, realista e lógica, levando o espectador a temer mais que uma entidade abstracta, como é usual nos filmes do género.

E o interessante é que no filme não existem heróis nem vilões. A dada altura, acabamos por compreender as acções de ambas as facções e apesar de não as desculparmos, percebemos porque as fazem. Em Eden Lake, não heroísmo, há sobretudo um instinto selvagem de sobrevivência, que desde logo os primeiros minutos do filme vem sido inteligentemente despertado.

O jogo de sobrevivência que o novato James Watkins cria é competente, levando a uma noção claustrofóbica, com violência brutal e crua. O filme torna-se bastante gore, mas não gratuitamente (apesar de usar cenas cliché do género), acabando por revelar uma dimensão pedagógica imensa. Além de assistirmos à evolução da narrativa e das personagens, desde os primeiros comentários que passam na rádio, passando pela noção da professora com vocação, a mulher cobarde e a sobrevivente lutadora, indo até à convicção orgulhosa e amoral de um jovem líder.

Kelly Reilly tem uma excelente estreia no género horror movie, revelando uma capacidade de adaptação bastante positiva e uma enorme competência a nível de desempenho. Michael Fassbender, que de início não encontra o seu espaço, mas finalmente consegue revelar a degradação psicológica por que passam as personagens do filme.

Contudo, é o elenco mais jovem que merece grande parte dos louros, principalmente Jack O'Connell que nos oferece uma visão distinta, mas convergente, da vítima e do predador. E é sobretudo o olhar do jovem que causa ao espectador uma sensação sufocante, que nos apoquenta logo desde o início, que mais do que apenas uma vítima dos actos passados, revela-se um ser calculista e vingativo, que faz-nos temer as gerações mais jovens.

Geração Youtube, frutos de uma educação inconsistente, negligente e irresponsável por parte dos próprios pais que se justificam com um "são apenas crianças", Eden Lake conduz-nos a uma perturbante reflexão sobre os valores que transmitimos aos nossos descendentes. E tal como acontece muitas vezes com as personagens, o que passa para nós enquanto espectadores, é a mesma sensação enojada, próxima do vómito, ao perceber a impunidade com que muitas gerações jovens acabam por triunfar. E aquele olhar calculista de um jovem, por detrás de uns Ray Ban Aviators.

Star Trek

2009-05-09T17:52:00.001+01:00

De Star Trek pouco conhecia. Não sendo seguidor nem fã do franchise, foi a curiosidade em relação ao hype que se gerou na comunidade cibernauta e também os nomes do realizador e argumentistas que me fizeram ir ver este filme.

O exercício do reboot tem sido utilizado recentemente como forma de combater a crise e renovar aquilo que em tempos já foi a galinha dos ovos de ouro e deixou de ser. E a expectativa de J. J. Abrams dar um novo fôlego à saga conduziu a toda uma série de grandes motivações, especialmente depois de sucessos como Alias, Lost, Cloverfield ou o mais recente Fringe.

E a primeira desilusão é mesmo essa. Star Trek não sobrevive a todo esse buzz que se gerou pela blogosfera, provocando-me uma certeza estranheza perante a aclamação mundial da obra. Na tentativa de tornar a obra acessível a não conhecedores da saga (como eu), o filme deu um tiro no próprio pé, reduzindo-o a um mero blockbuster no início da época estival.

O filme é ritmado, intenso, tecnicamente irrepreensível e fascinante, capaz de deixar colados ao ecrã os olhos do espectador, mas acaba por se tornar inquientantemente inconsistente, sem uma definição no argumento, mas um enorme conjunto de cenas distintas. E especialmente ao tentar agradar a gregos e troianos, ou melhor a trekkies e não-trekkies, este reboot de Star Trek caiu no erro de adoptar um tom demasiado ligeiro e fácil, que acabou por levar algumas outros franchises à ruína.

Mas nem tudo é negro. Aliás, este futuro de Star Trek é brilhante e cheio de referências agradáveis à cultura pop, com uma valorizável realização de J. J. Abrams, cenários fantásticos e sobretudo os efeitos-especiais e visuais que abrilhantam todo o filme. A sonoplastia é outro factor que não podemos descurar, recuperando alguns dos sons originais da saga, mas também a banda sonora que mais uma vez revela o trabalho do talentoso Michael Giachinno, que habitualmente trabalha em conjunto com o realizador/produtor.

A nível do elenco, destaque para a química entre Chris Pine e Zachary Quinto, tendo especialmente este último um desempenho absolutamente notável ao longo do filme. O piscar de olho a outra obra de J.J. Abrams, mas também para os mais puristas de Star Trek é a presença de Leonard Nimoy, o Mr. Spock original da série.

Contudo, todos estes pontos positivos não são suficientes para superar a imagem inconsequente de blockbuster ligeiro que trouxeram a Star Trek. Um filme que teria muito mais para dar, se não fosse este tom que lhe dá um sabor semelhante a cinema fast-food, que não perdurá nas nossas memórias.

Dupla Sedução

2009-05-06T22:44:00.000+01:00

Existe um enorme conflito de interesses em Dupla Sedução. Se o nome de Tony Gilroy, conhecido por Michael Clayton - Uma Questão de Consciência, bem como da dupla Julia Roberts e Clive Owen, estimula o espectador, há qualquer coisa entre a complexidade do argumento que não resulta bem.

Seria de esperar uma determinada leveza de Duplicity que acaba por não se revelar. A longa dimensão filme (cerca de duas horas) acaba por se tornar demasiado entediante e superficial, especialmente na primeira hora da película. Contudo, a realização de Tony Gilroy é dinâmica, com recurso a planos rápidos, a split screens constantes, misturados com flashbacks e uma banda sonora intensa, criada por James Newton Howard.

Apesar de tentar surpreender os espectadores com várias reviravoltas, Dupla Sedução acaba por se engolir a si próprio, revelando demasiado cedo o golpe preparado pela dupla de espiões. Isto acaba por fazer com que o restante filme se torne demasiado prevísivel apesar das pretensões do realizador.

O ponto alto do filme é a química resultante da dupla de actores Julia Roberts e Clive Owen, que já se tinha revelado elevada no filme Closer, em 2004. E é essa provocação e charme constantes que culminam no auge da interacção entre ambos, mas que se torna muito curta. Não devemos desconsiderar, no entanto, o mérito dos papéis secundários, essencialmente Tom Wilkinson e Paul Giamatti, enquanto CEOs de empresas concorrentes, que imprimem energia e divertimento à trama e a complementam.

Dupla Sedução é um produto de entretenimento, que girando em volta de um eterno bluff das personagens, provoca essa mesma sensação no espectador, tornando-se demasiado prevísivel.

Ele Não Está Assim Tão Interessado

2009-04-18T23:13:00.000+01:00

Na (des)construção de fantasias as mulheres são quase profissionais. Mas no que toca a interpretar os sinais deixados pelo sexo oposto, as mulheres diferem em muito dos homens. E se ele não me ligar? E se ele não quiser dormir comigo? E se ele não quiser casar? Bem, talvez ele não esteja assim tão interessado. Ou talvez até esteja. Em suma: serei a excepção ou a regra?

Elaborado na forma de um manual, o filme de Ken Kwapis é baseado no livro homónimo de Greg Behrendt e Liz Tucillo (argumentistas de alguns episódios de Sex and the City). Ele Não Está Assim Tão Interessado acaba por ser uma paródia aos relacionamentos actuais.

Certamente o público feminino irá soltar algumas gargalhadas ao reconhecer-se em muitas das mais variadas situações do filme, bem como as motivações e acções masculinas acabam por ser descortinadas em alguns momentos. Estereótipos não faltam no argumento: a solteirona desesperada para encontrar namorado, a rapariga que partilha casa há vários anos, mas que só pensa em casar, a esposa feliz que acaba por ser traída, a rapariga que se envolve com o homem casado, a rapariga que vive relações pela internet, o amigo que desvenda os truques do sexo masculino e as muitas amigas com comentários do género "Ele não é homem para ti.", "Isso é porque ele tinha medo da tua maturidade emocional"...

Não é uma obra-prima, não é inovador, mas é um puro produto de bom entretenimento, que consegue levar o espectador a reconhecer-se em cada instante do filme. Seja como excepção ou regra. O tom documental que a longa-metragem assume em algumas partes do filme, garante alguns gags bastante divertidos.

O problema contudo é o excesso de estrelas no elenco, que acaba por ofuscar algumas delas, dando-lhes desempenhos completamente aquém do esperado. É uma trama de relações cruzadas, onde todos os personagens acabam por se conhecer ou envolver de alguma forma. Uma espécie de manta de retalhos de estrelas de Hollywood que peca por esse mesmo excesso. Contudo a grande surpresa do argumento foi o talento e química de Justin Long e Ginnifer Goodwin, que garante um dos pares mais interessantes do filme. Por outro lado, existe talento subaproveitado como o de Jennifer Connely, Jennifer Aniston e sobretudo, Ben Affleck, que tem um dos piores desempenhos de sempre.

O argumento é cliché, estereotipado e com mais momentos light do que se desejaria. A realização é banal, já muito vista em cinema do género. Porém, na minha opinião, vale a pena, é divertido, não promete mais do que devia. Afinal, é uma simples paródia, uma comédia. Afinal os relacionamentos humanos não são feitos de clichés? Todos nós vamos nos conseguir reconhecer no filme ou pelo menos, alguém conhecido.

Gran Torino

2009-03-19T16:28:00.001Z

Clint Eastwood é Mr. Kowalski. Clint Eastwood é aquele homem pertencente à velha guarda dos costumes. Do Cinema. Do verdadeiro Cinema que já pouco se faz por Hollywood. Inegavelmente, o realizador e actor é dos poucos capazes de criar um clássico moderno, como ninguém.

Gran Torino é desses clássicos modernos. Nunca fui grande seguidor do realizador, apesar de reconhecer o seu bom trabalho na área do Cinema. Mas este filme, é uma pequena obra-prima, que não se compreende como foi afastada dos Óscares deste ano.

A fórmula de Eastwood mantém-se a mesma. A austeridade, a simplicidade, as temáticas dramáticas, os dramas humanos, os contrastes sociais, a crítica às grandes instituições. E sempre a figura central, de contornos inconfundíveis, postura firme, visão semicerrada tal como a personagem Christine Collins, em Changeling. Gran Torino é mais que uma reflexão sobre a velhice. É o retrato de uma raiva incontida, de um senso de humor despretensioso, do significado da vida e da morte. O filme vive à base dos enquadramentos simples, da exibição perfeccionista dos pormenores onde nada surge por acaso.

Além do argumento e dos diálogos com a temática do revivalismo do passado da Guerra na Coreia, dos sentimentos racistas e xenófobos, Gran Torino vive com um soberbo trabalho fotográfico, com um excelente jogo de luz e sombra (evidenciado pelos posters do filme) corrosivo e marcante.

A história respira Clint Eastwood. Atrás e à frente da câmara, com a cartilha de normas rígidas a que já nos habituou. Sobretudo é uma história de uma amizade improvável entre duas personagens opostas e que, aparentemente, seriam inconciliáveis. Mesmo quando Mr. Kowalski rosna a quem odeia, mesmo quando abomina a decadência da juventude actual, nota-se que redescobre o significado da vida e da tolerância.

Pecado seria também não falar da banda sonora do filme, que apesar de ser reduzida ao máximo, como é habitual nos filmes do realizador, surge em momentos chave de Gran Torino, contribuindo para exponenciar a beleza da película. Destaque ainda para a sequência final, onde Clint Eastwood nos brinda como uma composição escrita e cantada por ele.

A interpretação de Clint Eastwood não vale um Óscar, mas é denotadora de como um actor deve trabalhar uma personagem. Mas o maior defeito de Gran Torino e que lhe impossibilita atingir um estatuto maior tem que ver com o erro de casting. O elenco secundário tem más interpretações ou abaixo do desejado. Bee Vang, enquanto Thao tem um péssimo desempenho: inconsistente, incoerente e inexpressivo. Já Ahney Her tem uma personagem interessante e mordaz, mas cuja interpretação poderia ser muito melhor.

Apesar desse pequeno erro, Gran Torino é um clássico contemporâneo, que merece acima de tudo um reconhecimento maior, que não chegou a obter.

O Visitante

2009-03-11T21:44:00.000Z

Solidão. Um homem que vive solitariamente e sem objectivo na vida, uma figura austera e sem sentido, que vive a vida num fingimento absoluto. É este o ponto de partida para O Visitante, um filme dito independente, com um baixo orçamento, mas que não foi por isso que a Academia se coibiu de o trazer à ribalta, ou pelo menos ao seu actor principal.

Richard Jenkins tem uma currículo extenso. Nos últimos 20 anos, participou em pelo menos 60 filmes, mas muitos deles em papéis secundários ou sem grande impacto no argumento dos mesmos. Da figura patriarcal de Six Feet Under, Richard Jenkins parte para a história de um homem que reaprende a viver. Richard Jenkins é duplamente um visitante. É quase um visitante na sua própria casa, mas também no sentido mais altruísta da palavra. O actor tem aqui uma bela interpretação, um papel que lhe coube que nem uma luva, uma prestação simples, mas poderosa.

Também Haaz Sleiman além de genuinidade estampada no rosto e em cada cena em que entra, dá ao espectador um desempenho caloroso e fresco, mesmo nas cenas mais dramáticos. Mas o destaque cai principalmente sobre Hiam Abbass, pois em todas as cenas que a actriz surge causa impacto. O seu olhar é poderoso, a postura com que interpreta as suas cenas e falas é extasiante.

Sem grandes pretensões, Tom McCarthy (The Station Agent) conduz o filme e todas as cenas competentemente, guiando o espectador através de um argumento simples, mas com um conceito importante. O Visitante transmite uma mensagem de tolerância e humildade, um conceito humanitário em vias de extinção nos nossos dias, despertando para a temática da imigração pós 11 de Setembro. Mais que ficção é uma crítica ao nosso complexo sistema burocrático e que tantas vidas deixa suspensas.

O Visitante é despretensioso, simplista e básico. Mas ao mesmo tempo apresenta um argumento consistente e coerente, a um ritmo agradável, à base de temáticas ricas, interessantes e introspectivas, num ensaio sobre o melting pot e o drama da imigração.

Frost/Nixon

2009-03-10T21:40:00.000Z

Não é o filme do ano e dificilmente o melhor dos candidatos ao Óscar deste ano, mas não podemos descurar Frost/Nixon como o grande filme-confronto da história do cinema. O que à partida poderia afastar muitas pessoas da salas de cinema, devido à temática política que francamente exibe, não deve ser reduzida a essa forma limitada. O filme de Ron Howard (A Beautiful Mind) é um excelente produto cinematográfico, dotada de boas interpretações e de uma montagem exímia.

O célebre caso de Watergate e do impeachment do Presidente dos Estados Unidos, Richard Nixon fez correr muita tinta na época, mas a polémica ressurgiu anos mais tarde quando um artista do entretenimento televisivo David Frost (na altura quase desconhecido) liderou a mais importante e popular entrevista política da era moderna.

O argumento de Frost/Nixon basea-se numa peça de teatro da autoria de Peter Morgan e tal como foi notoriamente aclamado na altura em que estreou nas salas de teatro, o mesmo se passou perante a versão cinematográfica. Muito desse reconhecimento da crítica advém da realização limpa de Ron Howard, mas também do lado humano que consegue imprimir nas personagens, com especial destaque para algumas das cenas mais marcantes da entrevista.

O trabalho de montagem a cargo de Daniel P. Hanley e Mike Hill é certamente um dos melhores dos oscarizáveis deste ano. O excelente trabalho desta dupla é conhecido desde A Beautiful Mind, Cinderella Man e The Da Vinci Code. Em termos físicos e visuais todo o panorama global resulta e muito bem naquele que se tornou um dos mais interessantes e inquietantes thrillers políticos. Da mesma forma Susan Benjamin está de parabéns por todo o set, especialmente a nível da decoração do local onde as entrevistas foram feitas, estando altamente fiéis ao sítio original.

O filme de Ron Howard segue o conceito de abordar o escândalo, mas não de forma tablóide ou abusiva, à semelhança do que o argumentista Peter Morgan fez com The Queen. Não assistimos a um rol de visões manipuláveis, como poderíamos esperar, mas as cenas em que adopta a técnica da versão documental, é uma forma de fazer o espectador acreditar naquilo que vê.

O filme brilha tanbém pela excelente interpretação de Frank Langella no papel de Richard Nixon, incorporando os maneirismos e a pose dramática do ex-presidente dos Estados Unidos. A sua voz portentosa e a sua atitude austera transmitem uma grande carga dramática a todo o filme. A sua personagem é exímia no controlo político e na manipulação dos seus ideais.

Infelizmente, apesar da importância da personagem de David Frost, Michael Sheen ficou um pouco aquém do que se poderia esperar, sem uma presença relevante, longe do seu desempenho no papel de Tony Blair em The Queen.

A grande maioria do elenco secundário está também muito bem representado por nomes como Sam Rockwell, Matthew Macfadyen, Kevin Bacon, Oliver Platt e Rebecca Hall. Tendo esta última tido um papel pouco relevante na trama e que mereceria ter sido mais aprofundada.

Em Frost/Nixon assistimos a um grande confronto de actores, com especial destaque para o brilhante desempenho de Frank Langella e para a edição do filme. Este é um excelente trabalho de realização que merece o estatuto de grande obra cinematográfica, peca simplesmente por nos parecer que o maior ponto de impacto se resume à célebre expressão "I'm saying that when the President does it, that means it's not illegal!"

Noite de Óscares

2009-02-22T14:41:00.005Z

Hoje é noite de Óscares! TVI, 1h-5h.

Aqui está a lista dos nomeados:

Melhor filme

'The Curious Case of Benjamin Button'

'Frost/Nixon'

'Milk'

'The Reader'

'Slumdog Millionaire'

Melhor realizador

Danny Boyle - 'Slumdog Millionaire'

Stephen Daldry - 'The Reader'

David Fincher - 'The Curious Case of Benjamin Button'

Ron Howard - 'Frost/Nixon'

Gus Van Sant - 'Milk'

Melhor actor

Richard Jenkins - ‘The Visitor’

Frank Langella - ‘Frost/Nixon’Sean Penn - ‘Milk’

Brad Pitt - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Mickey Rourke - ‘The Wrestler’

Melhor actriz

Anne Hathaway - ‘Rachel Getting Married’

Angelina Jolie - ‘Changeling’

Melissa Leo - ‘Frozen River’

Meryl Streep - ‘Doubt’

Kate Winslet - ‘The Reader’

Melhor actor secundário

Josh Brolin - ‘Milk’

Robert Downey Jr. - ‘Tropic Thunder’

Philip Seymour Hoffman - ‘Doubt’

Heath Ledger - ‘The Dark Knight’

Michael Shannon - ‘ Revolutionary Road’

Melhor actriz secundária

Amy Adams – ‘Doubt’

Penélope Cruz – ‘Vicky Cristina Barcelona’

Viola Davis – ‘Doubt’

Marisa Tomei – ‘The Wrestler’

Taraji P. Henson – ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Melhor filme de animação

Bolt

Kung Fu Panda

Wall-E

Melhor filme estrangeiro

‘The Baader Meinhof Complex’ (Alemanha)

‘The Class’ (França)

‘Departures’(Japão)

‘Revanche’ (Áustria)

‘Waltz With Bashir’ (Israel)

Melhor argumento original

Dustin Lance Black - ‘Milk’

Courtney Hunt - ‘Frozen River’

Mike Leigh - ‘Happy-Go-Lucky’

Martin McDonagh - ‘In Bruges’

Andrew Stanton, Jim Reardon, Pete Docter - ‘WALL-E’

Melhor argumento adaptado

Eric Roth, Robin Swicord - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

John Patrick Shanley - ‘Doubt’

Peter Morgan - ‘Frost/Nixon’

David Hare - ‘The Reader’

Simon Beaufoy - ‘Slumdog Millionaire’

Melhor documentário

The Betrayal

Encounters at the End of the World

The GardenMan on Wire

Trouble the Water

Melhor banda sonora

The Curious Case of Benjamin Button

Defiance

Milk

Slumdog Millionaire

WALL-E

Melhor música original

‘Down to Earth - ‘ WALL-E

‘Jai Ho’ - ‘Slumdog Millionaire’

‘O Saya’ - ‘Slumdog Millionaire’

Melhor edição de fime

Kirk Baxter, Angus Wall - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Lee Smith - ‘The Dark Knight’

Mike Hill, Dan Hanley - ‘Frost/Nixon’

Elliot Graham - ‘Milk’

Chris Dickens, ‘Slumdog Millionaire’

Melhor documentário curto

The Conscience of Nhem En

The Final Inch

Smile Pinki

The Witness - From the Balcony of Room 306

Melhor fotografia

Tom Stern - ‘Changeling’

Claudio Miranda - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Wally Pfister - ‘The Dark Knight’

Chris Menges, Roger Deakins - ‘The Reader’

Anthony Dod Mantle – ‘Slumdog Millionaire’

Melhor guarda-roupa

Catherine Martin - ‘Australia’

Jacqueline West - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Michael O’Connor - ‘The Duchess’

Danny Glicker - ‘Milk’

Albert Wolsky - ‘Revolutionary Road’

Melhor mistura de som/efeitos de som

David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce, Mark Weingarten - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Lora Hirschberg, Gary Rizzo, Ed Novick - ‘The Dark Knight’

Ian Tapp, Richard Pryke, Resul Pookutty - ‘Slumdog Millionaire’

Tom Myers, Michael Semanick, Ben Burtt - ‘WALL-E’

Chris Jenkins, Frank A. Montaño, Petr Forejt - ‘Wanted’

Melhor edição de som

Richard King - ‘The Dark Knight’

Frank Eulner, Christopher Boye - ‘Iron Man’

Tom Sayers - ‘Slumdog Millionaire’

Ben Burtt, Matthew Wood - ‘WALL-E’

Wylie Stateman - ‘Wanted’

Melhor curta-metragem

Auf der Strecke (On the Line)

Manon on the Asphalt

New Boy

The Pig

Spielzeugland (Toyland)

Melhor curta-metragem de animação

La Maison de Petits

Lavatory - Lovestory

Oktapodi

Presto

This Way Up

Melhor caracterização

Greg Cannom - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

John Caglione, Jr., Conor O’Sullivan - ‘The Dark Knight’

Mike Elizalde, Thom Flout - ‘Hellboy II: The Golden Army’

Melhor direcção de arte

James J. Murakami, Gary Fettis - ‘Changeling’

Donald Graham Burt, Victor J. Zolfo - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Nathan Crowley, Peter Lando - ‘The Dark Knight’

Michael Carlin, Rebecca Alleway - ‘The Duchess’

Kristi Zea, Debra Schutt - ‘Revolutionary Road’

Melhores efeitos especiais

Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton, Craig Barron - ‘The Curious Case of Benjamin Button’

Nick Davis, Chris Corbould, Tim Webber, Paul Franklin - ‘The Dark Knight’

John Nelson, Ben Snow, Dan Sudick, Shane Mahan - ‘Iron Man’

Para conhecer os vencedores, clique AQUI e para perceber um pouco melhor a cerimónia leia AQUI.

Milk

2009-02-09T22:08:00.001Z

Mais que um hino aos direitos homossexuais, Milk é activismo pelos direitos civis da sociedade em geral. Está encontrada, provavelmente, a biopic do ano! Parece muito precipitado de o dizer ainda mal o ano começou, mas não nos parece que Milk vá desiludir nesse campo.

De início, Milk pareceu-me propaganda e activismo puro. Afinal surgiu tanto a propósito da chamada Prop 8 americana, que iria permitir o casamento legal entre indíviduos do mesmo sexo, pedido que foi negado por Obama. Não entrando em questões políticas actuais, o filme de Gus Van Sant é um excelente registo documental e biográfico de um fascinante homem, que lutou pelos direitos iguais para os homossexuais e que era praticamente desconhecido do grande público. Good Will Hunting e Paranoid Park já nos tinham sido trazidos pelo realizador que chegou mesmo a ganhar a Palma de Ouro em Cannes, entre outros prémios importantes.

Harvey Milk, mais que activista pelos direitos gay, foi uma personalidade fascinante que, infelizmente, sucumbiu como tantos outros que tentaram ser diferentes. O meu nome é Harvey Milk e estou aqui para recrutar-vos. Começava assim os seus discursos e como era possível reagir a uma militância e activismo tão grande, se não com um afirmação positiva e directa? Homossexual assumido, Harvey Milk conseguiu singrar onde poucos chegaram. O argumento de Dustin Lance Black é exímio no perscrutar contínuo da vida pessoal e política do personagem que largou um emprego enfadonho, para se dedicar a uma via mais livre e focada nos prazeres pessoais, como a fotografia. Mas rapidamente, Harvey Milk se tornou um ícone da política, em São Francisco, na década de 70.

Não tenho dúvidas que o Óscar de Melhor Argumento Original deva caber a Dustin Lance Black. Em nenhuma altura do filme encontramos filosofias baratas ou momentos enfadonhos. Tudo no argumento é interessante e entusiasmante. A realização de Gus Van Sant, por sua vez é brilhante, optando pelo registo documental e experimental, com uso de película que transmite o efeito antigo, tal como a utilização de imagens reais da vida de Harvey Milk e dos seus companheiros e oponentes. Até os próprios figurinos e cenários estão perfeitos, tendo o realizador optado por rodar o filme nos ambientes verdadeiros, numa recriação perfeita da loja que possuía na Rua Castro.

O elenco é, igualmente, soberbo. Comecemos pelos secundários, de onde Josh Brolin se sobressai como o oponente Dan White, que escondia mais do que mostrava e que se revelava afligido por fantasmas morais e pessoais, bem como James Franco, que apesar de a sua personagem ter uma amplitude mais pessoal e íntima da vida de Harvey Milk, estava bem executada. Por outro lado, Sean Penn tem aqui um dos seus melhores desempenhos. Tudo nele é realista, inclusive os maneirismos, a atitude e expressão corporal. Sean Penn convence-nos enquanto personificação de Harvey Milk, inclusivamente contrariando a sua habitual atitude algo tímida, mas que consegue uma prestação contagiante.

Nomeado para oito Óscares, Milk é uma das mais fortíssimas biopic já visionadas. Cada minuto da película vale a pena, nem que seja por ter aberto caminho não só para os direitos gay, mas para os Direitos Humanos. Harvey Milk disse que chegou aos quarenta anos e que ainda não tinha feito nada de útil. Os restantes anos até à sua vitória e morte foram servidos para colmatar essa lacuna. Pena que não tenha chegado aos 50, como infelizmente havia previsto. Mas nada disto lhe tira o mérito de ser uma figura incontornável do século XX.

Doubt

2009-02-07T21:11:00.001Z

Um filme de actores. E grandes actores.

Como lidar com um enorme ponto de interrogação? É a pergunta que se impõe ao primeiro visionamento de Dúvida. E todo é um filme gira à roda dessa mesma interrogação, com assaltos constantes ao coração e à mente do espectador, provocando-lhe essa mesma dúvida.

John Patrick Shanley adaptou o seu grande êxito do teatro para o cinema, com resultados óbvios. Os maneirismos da peça estão lá todos: o mesmo dramatismo e voz firme, a mesma pausa entre diálogos, quase como que existe uma marcação, que exige que o público sustenha a respiração a cada frase. Tudo isso proporcionado por um cenário assustadoramente perfeito e minuciosamente detalhado, com o peso e rigidez de um colégio católico, das salas de aula e gabinetes austeros.

O filme é recheado de incertezas, nunca existem constatações ou factos, tudo sucumbe à dúvida da Irmã Aloysius, uma freira rígida e disciplinadora. A irmã Aloysius é um dos lados do braço de ferro que se opõe ao Padre Brendan Flynn. É o conservadorismo da Igreja Católica contra a percepção da necessidade de uma mudança e da tolerância. Todo o filme acarreta mensagens subliminares, creiamos nós em teorias da conspiração ou não, há muito de crítica no argumento de John Patrick Shanley. Desde a altura da peça, que venceu o prémio Pulitzer e Tony, a dimensão social descrita faz parte de um objectivo maior de instalar a dúvida, ilusão transmitida pelo espaço histórico do argumento: em 1964, após o assassinato de John F. Kennedy.

O filme é assente em actores. É e não nos cansamos de repetir um filme de actores. E isso podia ter resultado mal. Faz-nos pensar que se não fosse o fabuloso elenco do filme, o desastre que o filme poderia ter sido. Contudo, Dúvida é deliciosamente recheada de detalhes, assentes em dilemas morais que perturbam o mais incauto dos espectadores, com pormenores como lâmpadas que fundem constantemente, gatas que apanham ratos, vendavais e trovões, como que num género de aviso que vai soando ao longo do argumento.

Meryl Streep, arriscamo-nos a dizer, tem aqui uma das prestações mais bem conseguidas de sempre e uma das melhores do Cinema. Um dos raros casos em que um desempenho encarna a personagem, com contornos assustadoramente reais, em que o actor se sobrepõe à personagem. Meryl Streep é o braço rígido, a conformista freira que aparentemente beneficia a disciplina à tolerância e ao amor. O seu desempenho é digno de um Óscar, mas quando pensamos que a Academia está em débito com Kate Winslet há tantos anos, ficamos numa eterna dúvida. Curiosamente, a personagem da irmã Aloysius é mais do que a rigidez que aparenta, há nela uma enorme consciência social, a consciência da pedofilia, a inclusão do primeiro aluno negro num rígido colégio católico, a preocupação com uma freira envelhecida e um humor curioso, mordaz até. Já Philip Seymour Hoffman opõe-se. Um padre moderno, que gosta de usar as unhas compridas, que gosta de açúcar e do Snowman. E é esse um dos grandes suportes do argumento, o confronto, o duelo de titãs, a mensagem de tolerância e confluência de laicismo e secularismo, mistura de religioso e pagão, no sentido de uma modernização da Igreja Católica.

No plano secundário, mas igualmente brilhante, surgem Amy Adams e Viola Davis. A primeira tem uma personagem carinhosa e doce, numa grande personificação de dúvida e insegurança. A segunda provou que não são precisos mais de dez minutos, para se ser nomeada para um Óscar. Ambas dão consistência ao filme, que tende a dar atenção excessiva às personagens da Irmã Aloysius e do Padre Flynn. Ambas são o contrapeso da dúvida e da certeza, da insegurança e da resignação, dos ideais e da esperança.

Só assim se explica o facto de todo o elenco principal de Dúvida estar nomeado para os Óscares. É um grande filme de actores e para actores, como se viu quando Meryl Streep ganhou o SAG de Melhor Actriz. É a união perfeita de actores e personagens distintos, mas que espalham a dúvida, a incerteza no espectador, o preconceito e o perdão, a misericórdia e a culpa. É o argumento que espelha tudo isso, que invade o espectador e que se torna maior que o dilema moral.

Já os planos enviezados e oblíquos, parecem excessivamente desnecessários, numa alusão ao realizador Carol Reed, que venceu o Óscar em 1968 pelo musical Oliver!. Parece-nos que se contrapõe demasiado à rigidez e aos planos obtusos. Obtuso a nível mental, claro está. Ficamos na incerteza se o argumento vale o Óscar, mas reconhecemos a perfeita recriação de época e o dramatismo dos cenários. E o final, por exemplo, é a conclusão daquilo que o filme vai remetendo ao longo da acção: a dúvida. Absolutamente perfeito.

Dúvida é um grande filme que, mais que um dilema moral, é suportado por grandes actores e excelentes interpretações. Uma das maiores convergências de talento que já conhecemos.

Superhero Movie

2009-02-06T20:49:00.002Z

Nada de novo no universo dos filmes-sátira.

Um Estrondo de Filme!. E que estrondo! Desde o terceiro filme do franchise Scary Movie que Craig Mazin lhe tomou as rédeas e, não fosse esse género de filmes suficiente, resolveu realizar também uma paródia aos filmes de super-heróis, os eternos blockbusters que garantem muitos espectadores. Os spoof movies, apesar da qualidade duvidosa constatada por muitos, é um subgénero que ainda atrai um público específico.

Desta vez vou inverter o sentido da crítica e dar logo a avaliação final. Sim, Superhero Movie é um filme a evitar, um filme que não traz nada de novo (se bem que nunca ninguém julgou que pudesse vir a trazer), mas não tão mau como Disaster Movie, por exemplo. O filme de Craig Mazin repete as mesmas piadas de sempre, os mesmos gags constantes, alguns de mau gosto, outros polémicos (veja-se o ataque a Dalai Lama), mas satirizando sobretudo o primeiro filme de Homem-Aranha. Curiosamente, a comparação até nem está mal feita, a história está relativamente bem adaptada. O problema é se o objectivo era satirizar, andamos a chegar ao limite do divertido e adequado, quase caindo para o inconveniente, despropositado. E se o filme não consegue libertar gargalhadas é porque não cumpriu o objectivo proposto.

Confesso. Superhero Movie - Um Estrondo de Filme! fez-me rir algumas vezes, tanto que o motivo pelo qual me levou a ver o filme foi precisamente o trailer longo, que não era mau de todo. Pena que alguns gags não tenham resultado, como o da inclusão à força de algumas personagens dos X-Men. O conceito é sempre igual, independentemente do spoof movie, mas há uns que saem ao lado. Este aconteceu-lhe o mesmo, mas houve alturas em que acertou na mouche. Principalmente no elenco. É claro que houve os típicos maus actores, que só de os ver, dá vontade de fugir durante alguns minutos, mas este contou com a presença de Christopher McDonald e do eterno Leslie Nielsen, que ainda conseguem converter alguns espectadores à sua piada, nem que seja pela convicção e expressão com que o fazem.

Superhero Movie é um filme a dispensar, mas se o decidirmos ver temos o consolo (se é que vale a pena) que não é o pior filme do género que já foi feito.

Música e Letra

2009-02-06T20:49:00.001Z

Uma comédia romântica com um argumento original (finalmente!).

É o género de filme que não nos leva a esperar muito. E isso é bom, não criar expectativas demasiado elevadas, porque no fim podemos surpreender-nos de uma forma muito mais positiva que o usual. Música e Letra não é, com toda a franqueza, um clássico, nem tampouco do melhor que já se fez. É antes de mais, um bom filme para ver num Domingo chuvoso, à tarde. É carinhoso, light e divertido. E isso já é bom.

Do autor de Miss Detective (Marc Lawrence), o filme prima pela não repetição dos mesmo conceitos básicos para os quais nos arrastam a maioria das comédias românticas. O argumento remete-nos para a nostalgia dos anos 80 e o pop contagiante que se fazia ouvir na altura. E PoP! Goes My Heart, música inicial da história e que nos contextualiza para o filme é uma recriação quase perfeita, das músicas pop e dos videoclips dos 80's. Curiosamente, deixa o espectador com o "tique da perna" e com a música no ouvido, forçando-nos a cantarolá-la.

Hugh Grant tem aqui uma prestação interessante, como já não via desde About a Boy e Love Actually. Coerente, divertida e convincente, dá-nos a conhecer um ultrapassado membro de uma banda, que teve outrora os seus momentos áureos, o que dá origem a divertidas peripécias. Já Drew Barrymore também tem um desempenho aceitável, no papel de uma jardineira de ocasião, hipocondríaca e que descobre que tem aptidão para fazer rimas e compor canções. O elenco conta também com a participação de Haley Bennett, principiante e que poderemos ver no novo filme Marley e Eu, no papel de uma cantora pop, muito semelhante em popularidade e aparência à Britney Spears de outrora. O seu papel, sem grandes diálogos ou importância primordial, acaba por ser divertido.

Não esperem muito do filme, mas a surpresa acaba por ser grande. É original (e isso é raro em nos actuais tempos de Hollywood) e contagiante. Dá para rir (ou sorrir apenas), toca no coração, nem que seja pela nostalgia dos anos 80.

Son Of Rambow

2009-02-02T15:24:00.000Z

Um verdadeiro tributo aos anos 80 e ao VHS.

Quando começamos a ver Son of Rambow imediatamente percebemos que já fazia falta um filme e salta-nos da boca, quase sem querer, o adjectivo: despretensioso. O filme do amador Garth Jennings é uma viagem nostálgica ao universo das nossas infâncias (pelo menos a minha) e da adolescência de muitos, é um retrato carinhoso de uma época onde o VHS vingava nos leitores domésticos e se consolidavam clássicos, como First Blood, o primeiro filme de Rambo. Rambo este que serve de mote a todo o argumento.

Rapidamente somos conduzidos por uma louca viagem ao universo de duas crianças com uma imaginação fértil e propensas a problemas, mas ao mesmo tempo com uma tremenda sensibilidade artística e cinematográfica. Filho de Rambow - Um Novo Herói é o nascimento de um alter-ego de uma criança, a quem as convicções da família não lhe permitem integrar-se na sociedade, tal como as outras crianças. O argumento é também uma reflexão ao modo como o cinema nasce e cresce dentro de um cinéfilo.

Felizmente o realizador e argumentista não teve medo de infantilizar a sua obra e não caiu no estigma de intelectualizar o conceito por detrás do filme. As sequências animadas, fruto da mente do ingénuo Will, são um regalo para os olhos. O filme é repleto de personagens-tipo, que reflectem a sociedade dos anos 80, como os rufias, os adolescentes alucinados que se encontram na fase de experimentação e as meninas populares da escola.

As interpretações infantis são a mais valia do filme, com especial referência para Will Poulter cuja personagem Lee Carter, forneceu-nos dos momentos mais caricatos e emocionantes da película e o jovem Bill Milner, que transmite toda a inocência e ingenuidade necessárias. Curioso foi também o desempenho de Jules Sitruk, jovem francês que surge na trama através de um intercâmbio entre escolas de Inglaterra e França, e que proporciona divertidos momentos.

Surpreendentemente é um filme completo, uma comédia familiar simplista como há muito não se via em cinema, pena que não surjam obras destas mais vezes e que acabe por passar despercebido entre a vasta distribuição de blockbusters e filmes sem conteúdo.

Happy-Go-Lucky

2009-02-02T02:44:00.001Z

Um modo optimista de ver o Mundo, num argumento e interpretações sobrevalorizados.

O título do novo filme de Mike Leigh, Happy-Go-Lucky, é uma expressão inglesa que define o género de pessoas que passam pela vida sem grande preocupações e genuinamente felizes. Assim se retrata Poppy, uma jovem professora da primária, para quem os lados menos bons da vida não lhe causam grandes preocupações, de espírito colorido e visão optimista. Este é o mote para o argumento de Mike Leigh, que surpreendentemente tem vindo a arrecadar vários prémios nos últimos meses e com direito a uma nomeação para os Óscares da Academia.

A película representa uma nova abordagem do trabalho do realizador que já recebeu seis nomeações para o Óscar e que nos trouxe filmes como o aclamado Vera Drake. Apesar dos holofotes a que tem sido submetido é, para mim, mais uma obra sobrevalorizada, devido ao nome sonante do realizador que carrega. Happy-Go-Lucky é uma comédia despreocupada, incoerente e irracional. O filme é um ensaio sobre a educação e a aprendizagem e de como o mesmo ensino, pode libertar ou prender uma pessoa. Por outro lado, contraria a miséria e a depressão presente em outros filmes do realizador, num retrato colorido dos despreocupados e livres. E se o argumento apresenta algo de bom é unicamente essa noção que podemos passar por uma vida de stress, mas com uma perspectiva optimista e divertida do futuro.

Um Dia de Cada Vez cansa logo de imediato. Tenta fazer valer-se do conhecido humor non-sense britânico, mas ridiculariza-se demasiado a si próprio, com diálogos repentinos que perturbam o espectador devido à sua noção ilógica e de pouco interesse narrativo. Aliás, o filme não apresenta um encadeamento narrativo de evolução, aparentando formar-se apenas de gags descontraídos e irracionais.

A personagem de Sally Hawkins apresenta um vazio ingénuo, que se degladia constantemente com a sua competência e profissionalismo. O seu desempenho já lhe valeu inúmeros prémios mundiais, incluindo o Globo de Ouro para Melhor Actriz de Comédia, o Leão de Prata em Berlim e dezenas de outros prémios. A actriz encarna bem a tarefa que tem à sua frente, pena que a sua personagem não mereça sinceramente o esforço. A personagem leva o espectador à exasperação constante e se era isto que o realizador pretendia, conseguiu. Por outro lado, o actor que a meu ver merece algum destaque será Eddie Marsan, que ganhou os British Independent Film Awards para Melhor Actor Secundário em 2004, por Vera Drake e agora por Happy-Go-Lucky. Os únicos momentos em que o filme finalmente me conseguiu arrancar algum sorriso (ou esgar, pelo menos) foram aqueles em assistimos ao seu caótico método de ensino En-Ra-Ha e às suas disputas com Poppy; pena que facilmente nos conduzam à exaustão.

Happy-Go-Lucky é, a meu ver, constantemente sobrevalorizado. Não pretendiamos uma comédia americana e comercial, mas também não é agradável o seu contínuo despropósito desconcertante. Vale pela sua moral de aprendizagem. Porque ser feliz e encarar o mundo de forma optimista pode ser aprendido.

A Troca

2009-02-02T01:07:00.001Z

Uma perturbante história de coragem de uma única mulher contra todo um sistema corrupto.

Basta ouvir falar em Clint Eastwood que os ouvidos de um cinéfilo mais atento, imediatamente disparam um aviso. Eastwood tem esse efeito nas pessoas, quer seja como actor ou como realizador, devido ao facto de ter imortalizado obras distintas em qualidade, como Cartas de Iwo Jima, Million Dollar Baby, Mystic River ou Unforgiven.

Há muito que não via uma obra de Clint Eastwood que dividisse assim tanto o público e a crítica em geral, apelidando o novo Changeling ora como uma obra-prima, ora como um filme menor. Muito culpa da diversidade e pluralidade que espreita em cada esquina do argumento e da prestação de Angelina Jolie, que alguns afirmam como uma escolha errada.

A Troca dividiu-me logo de imediato. A primeira meia hora de filme é a dada altura decepcionante, sem grande impacto, mesmo quando o filho da protagonista desaparece. A prestação da actriz parece incompleta e, por vezes, se quisermos ir a extremos, vazia. No entanto, algures a meio do argumento dá-se uma reviravolta em energia, em dramatismo e o espectador vê-se perdido nos loucos anos 20, num sistema altamente corrupto, manipulador de massas e perverso.

Clint Eastwood cria um filme activista, que ilude o espectador e que faz confundir realidade e ficção, tamanha é a fusão entre ambos. O argumento de J. Michael Straczynski (Babylon 5) é coerentemente inteligente, onde nada fica a despropósito, nada surge como acessório, mas como peças preponderantes para uma correcta percepção da história. A mesma história que é crua e fria na reconstituição da época e que conflui numa luta contra o sistema político corrupto e que tenta ocultar tudo o que surge contra a fachada de competência que enverga.

O filme é estonteantemente perfeito na recriação da época, quer seja nos ambientes cénicos, quer nos guarda-roupas. A música, por outro lado, ficou a cargo de Clint Eastwood, que na altura se dividia entre a composição da banda sonora e a realização do filme, bem como o seu desempenho no filme Gran Torino. A banda sonora que é um crime não ter sido nomeada para os Óscares, tamanha é a sua envolvência no argumento e profundidade musical.

O ponto mais delicado do filme é a prestação de Angelina Jolie. Habituados a vê-la em filmes de qualidade mais duvidosa e no género de acção, de início parece-nos megalómana a tarefa da actriz em interpretar a corajosa Christine Collins. Aliás, comentei logo a meio do filme, que me parecia que à sua prestação faltava-lhe substância. Contudo, houve uma cena do filme, em tribunal, cuja acusação contra Christine Collins foi a de ser uma mulher aparentemente indiferente, sem grande reacção dramática incontrolável. Ora, aqui percebi que a máxima "não é defeito, mas feitio" se aplicava como uma luva ao seu desempenho. Angelina Jolie cumpriu plenamente o propósito que Straczynski e Eastwood propuseram para a sua personagem e terá ido ainda mais além. O chapéu que lhe provoca um olhar semicerrado, faz de Christine Collins, uma das grandes personagens do ano, com uma energia e força incontestáveis, uma única mulher contra um sistema que sempre foi determinante na eliminação dos inconvenientes. Uma mulher contida e politicamente correcta, mas ao mesmo tempo com uma coragem invejável. Uma mulher que, apesar de tudo o que passou, nunca perdeu a esperança e nunca parou de lutar. Uma mulher que acredita na justiça, mesmo que tenha de a enfrentar. Uma prestação de Angelina Jolie que a coloca ao lado de mulheres como Kate Winslet e Meryl Streep e que não a deixa em desvantagem perante elas.

O maior problema do filme será sobretudo a focagem única na protagonista, deixando o resto como cenário, salvo algumas das cenas em que entra John Malkovich, que merecia mais algum destaque, nem que fosse num único argumento. Changeling é perturbador e forte, desconcertante até, como um murro no estômago e que nos deixa sem palavras. É uma história que concebemos ser possível acontecer a qualquer um, mas que nos faz temer essa mera possibilidade. É um filme diferente de Clint Eastwood, mas que merece um visionamento atento e que se dê uma oportunidade ao brilhante desempenho de Angelina Jolie.

Slumdog Millionaire

2009-02-01T21:26:00.001Z

O filme indie do ano, numa comovente história de persistência e humildade.

A esta altura, Slumdog Millionaire será um dos filmes mais aclamados e premiados do ano. Entre prémios e nomeações, o filme do realizador Danny Boyle (Trainspotting) e da co-realizadora indiana Loveleen Tandan, já fez um brilharete em tudo o que são galardões importantes a nível mundial, levou para casa quatro Globos de Ouro e teve 11 nomeações nos prémios BAFTA e 10 nomeações para os Óscares da Academia.

Percebe-se de imediato o porquê. Slumdog Millionaire (esqueçamos o "portuguesismo" do título Quem Quer Ser Bilionário?) é o feel good movie do ano, conseguindo simultaneamente contrabalançar vários géneros cinematográficos, como a comédia, o drama e o romance, isto se quisermos rotular alguns. O filme de Danny Boyle tem uma vantagem que o coloca à frente de outros candidatos para o Óscar deste ano: é considerado um filme independente. Aquilo que outrora poderia ser visto como um impedimento para o reconhecimento mundial e para o mais alto prestígio é, hoje em dia, uma alpondra para o sucesso. Não escondamos: após anos de críticas ao conservadorismo e elitismo dos prémios da Academia, ficou sempre bem, nos últimos anos, as nomeações e atribuições de estatuetas douradas ao cinema indie. Foi o caso de Juno e, por exemplo, no surgimento de Frozen River entre o rol de candidatos deste ano.

Slumdog Millionaire é uma verdadeira explosão de energia positivas, mesmo deixando o espectador exposto ao terceiro-mundismo numa Índia industrializada. Danny Boyle soube aproveitar uma época de mudanças para promover o seu filme, uma das questões já mencionei acima, quando a Academia tem nomeado sempre a sua quota de filmes indie nos últimos anos e quando o mundo começa a entrar na dita era Obama, de expectativas positivas para o futuro.

O filme liberta sorrisos até ao menos espontâneo espectador, com uma versão indiana do american dream, mas que poderia existir em qualquer país, especialmente nos massificados pelos media. Quem Quer Ser Milionário é um programa televisivo de êxito estrondoso na Índia. O argumento da película, baseado no original de Vikas Swarup, usa o conceito do programa para divulgar a ideia de massificação e de como o dinheiro, ou a sua expectativa, pode mudar uma vida. O espectador vai assistindo aos mais importantes acontecimentos da vida de Jamal, um jovem indiano de 18 anos, dos subúrbios de Bombaim, à medida que vai respondendo às 12 perguntas que, curiosamente, remontam a períodos específicos da sua vida.

O filme é montado com mestria invejável, logo desde o início em que os slumdog, os indesejáveis da sociedade indiana, procuram sobreviver entre lixeiras e bairros de lata, onde o imperialismo e o oportunismo reinam. Os registos documental, biográfico, cómico, dramático e romanceado confluem todos, à medida que vamos assistindo à evolução do filme e da vida do seu protagonismo.

A fotografia e montagem do filme são poderosas. Somos obrigados a engolir o terceiro-mundismo da Índia, que não passa apenas pela pobreza, mas pelo abuso de uma sociedade superior, inclusive dos media, tal e qual como poderia suceder (e sucede frequentemente) no nosso país ou num perto de nós. A banda sonora é um dos maiores argumentos promocionais ao filme, da autoria de A.R. Rahman, que recebeu três nomeações para o Óscar de Melhor Banda Sonora e Canção Original.

O elenco é inexperiente, mais desconhecido do grande público, mas resultou muito bem num argumento onde o documentalismo e o experimentalismo se conjugam muito bem. Do elenco destacamos Dev Patel, a jovem revelação do ano, que era conhecido apenas pela sua participação na série britânica Skins, mas sobretudo a descoberta de Freida Pinto, única pela sua beleza e exotismo e pela qualidade do seu desempenho.

Slumdog Millionaire comoveu-me e surpreendeu-me, mas não me desarmou. É um dos mais surpreendentes filmes do ano, mas não consegue atingir o apanágio do melhor. Há qualquer coisa que lhe falta, ao mesmo tempo que nos parece completo. É o dilema entre o experimental e o standard, que acaba por criar a apoteose do consumismo e do telelixo, ao mesmo tempo que luta contra isso. É independente e oportunista ao mesmo tempo, deixando-nos na expectativa de um empurrãozinho.

Vicky Cristina Barcelona

2009-02-01T13:32:00.000Z

Um argumento fresco e pitoresco, repleto de boas interpretações.

Fresco e airoso, acabado de colher. É o que nos apetece comentar após ver Vicky Cristina Barcelona. Só o nome de Woody Allen, incontestavelmente um dos realizadores e argumentistas mais completos de sempre, pode trazer desde logo a ideia de filme de qualidade. Ainda para mais quando este é complementado com um punhado de bons actores e excelentes desempenhos à frente das câmaras.

É o caso do último filme de Woody Allen. Quase um filme de encomenda, intitulado inicialmente de O Projecto Espanhol de Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona foi escrito para se adaptar à cidade catalã e a todo o seu exotismo. Se julgávamos o autor preso à sua cidade, este tornar-se-á facilmente o seu filme mais europeu. Não é, claramente, o seu melhor filme, mas é o seu filme mais fresco. E como isso nos sabe bem.

Não é uma comédia como nos querem vender, não é também um grande drama ou um romance de faca e alguidar. Vicky Cristina Barcelona é antes um rol de multiculturalismo, com a cidade que dá nome ao filme como pano de fundo, para um cruzamento de diferentes personagens. Pena que a perspectiva fornecida por Woody Allen sobre a cidade, não é mais que a perspectiva turística. Todos os pontos turísticos de interesse estão lá, sem fazer com que a cidade se torne uma personagem, por si só, ao exemplo de como o realizador habilmente faz com Manhattan. A cor, o exotismo, a sensualidade, o espírito citadino e boémio de Barcelona estão ali completamente bem retratados.

O cunho de Woody Allen vislumbra-se perfeitamente na abordagem das relações humanas e as mulheres, mas como uma componente libertina e sexual muito mais arrojada que habitualmente. O amor trágico, o pessimismo, inconformismo, as fantasias sexuais, o adultério e o suicídio vagueiam pelo argumento. O argumento é completo, com personagens e diálogos pormenorizados, uma obra competente, que cheira a frescura por todos os poros.

No elenco, a qualidade é aquilo que veementemente mais salta à vista. Um Javier Bardem, cujo papel, ao contrário do que dizem por aí, exige muito de si, pela sensualidade e ousadia, à semelhança de um eterno macho latino. Uma Scarlett Johansson igual a si própria, divertida, estouvada, inconformada, insegura. Uma Rebecca Hall que se tornou uma das melhores surpresas do argumento, tendo a seu cargo a componente dramática e que merecia, seguramente, o Globo de Ouro pela sua prestação, mesmo que não se enquadrasse no rótulo de comédia. E por fim, uma Penélope Cruz, renovada e como há muito não a viamos: explosiva, determinada, com 'pêlo na venta' se assim me permitem a expressão. A sua nomeação para o Óscar de Melhor Actriz Secundária parece-nos justa, apesar de provavelmente não conseguir a estatueta. De qualquer modo, a actriz tem aqui uma grande parte do divertimento do filme: a agressividade, o génio e as calorosas discussões, com muito castelhano e palavrões à mistura, como uma verdadeira mulher mediterrânea. Já lhe fazia falta um desempenho assim.

Woody Allen está aqui mais sensual que nunca, sem pudores e com arrojo, entrega-nos de bandeja não um dos seus melhores filmes, mas um dos mais arrojados e quentes filmes dos últimos tempos. Um traço light, ligeiramente desorganizado, quase a roçar a desarrumação completa, mas que liberta o espectador de todas as tensões a que se poderia limitar.

Noiserv – FNAC Santa Catarina, Porto

2009-01-31T15:46:00.000Z

Foi meramente por acaso que ouvi o trabalho de David Santos, mais conhecido nas lides musicais por Noiserv. No dia 24 de Janeiro de 2009, o artista deu um showcase na FNAC Santa Catarina, do Porto.

One Hundred Miles From Thoughtlessness é um nome complexo para um álbum de canções. A sonoridade remete-nos para isso mesmo. São cantigas criadas num ambiente sombrio e intimista, que exige auto-reflexão. Noiserv é alternativo e acústico, com uma vertente indie, a que consigo rapidamente assemelhar ao experimentalismo de David Fonseca.

David não tem uma presença segura, mas abstrai-se à medida que disseca cada som e cada expressão das suas canções em bonitos momentos melodiosos. No seu trabalho, Noiserv faz-se valer de caixas de música, pequenos ruídos mundanos, sintetizadores e xilofones, que exibem a cada nova canção o retrato do seu autor. Nota-se a honestidade com que o cantor revela todo seu âmago, com uma conotação lúgubre, que faz com que seja difícil o público não se emocionar.

David Santos é apenas um rapaz e é isso que traz a novidade e o divertimento da sua música. A espontaneidade e inocência estao lá, o talento também. Vale a pena estar atento a Noiserv.

http://www.noiserv.net/

http://www.myspace.com/noiserv

http://www.lastfm.com.br/music/Noiserv

August Rush - O Som do Coração

2009-01-31T15:22:00.001Z

Um filme bonito, que nos reaviva a memória de Oliver Twist, de Charles Dickens.

"Bonito" é um adjectivo que os críticos não costumam usar quando se referem a um filme. "Bonito" é usualmente associado a uma menor qualidade do argumento, quase um guilty pleasure. Porém, August Rush - O Som do Coração é um desses filmes bonitos, não necessariamente menores, mas que nos garantem uma boa dose de emoção.

Esta é uma história de amor entre um um vocalista pop rock e uma violoncelista de renome, uma paixão intensa mas fugaz que deixa um rebento, que é posteriormente abandonado num orfanato, pelo avô severo, sem a mãe saber. A partir deste mote surge um filme que vive da música ou pelo menos dos fortes elos que daí advêm.

Em dada altura, o filme faz-nos lembrar Oliver Twist, de Charles Dickens, com uma diferença: o grupo de crianças é usado, não para roubar, mas para tocar, como meio de ganhar dinheiro para Wizard (Robin Williams). Ao mesmo tempo que August Rush revela o seu talento inato para a música, tornando-se uma inegável versão contemporânea de Mozart, o produto do seu trabalho musical conduz a uma sucessiva aproximação dos seus progenitores e de si próprio.

August Rush - O Som do Coração não é perfeito, pelo contrário, é um filme mediano, onde o argumento poderia ter ido mais longe e não se tornado mais que um mero romance a cair para o lamechas. Contudo, conforme já referido é um filme bonito que cativa, pelo menos, a emoção e a fantasia. A banda sonora, no entanto, está muito bem construída e torna-se a base de todo o filme, com a canção Raise It Up, de Jamal Joseph e Charles Mack, a ser nomeada para a categoria de Melhor Canção Original, nos Óscares de 2008.

Se falarmos a nível interpretativo, temos aqui pelo menos uma mão cheia de bons motivos para elogiar o argumento. Terrence Howard (Crash), Jonathan Rhys Meyers (The Tudors) e Keri Russel (Felicity) têm aqui boas prestações, mas o grande destaque vai para Robin Williams (Insomnia), num papel que se enquadra perfeitamente nele e claro está, para o jovem Freddie Highmore (Charlie e a Fábrica de Chocolate) que cria uma excelente relação de empatia com as câmaras.

Pouco mais que um guilty pleasure, que sabe bem ver num serão, mas que acaba por ser uma lição de vida, de persistência e amor, num bonito filme.

A Casa das Coelhinhas

2009-01-31T15:20:00.001Z

Uma típica comédia americana, sem graça e que continua a perseguir Anna Faris com o estereótipo da "loura burra".

O conceito inicial de A Casa das Coelhinhas é a comum silly comedy. A Mansão da Playboy faz parte do imaginário do mundo masculino e talvez este tinha sido um pretexto para fazer um filme que levasse muitas pessoas ao cinema, com uma ideia politicamente incorrecta.

A Casa das Coelhinhas é, em parte, muito semelhante ao filme Legalmente Loura (2001) ou não tivesse sido escrito pela mesma argumentista: Karen McCullah Lutz. Ambos retratam duas jovens que são afastadas do seu ambiente natural e que acabam por ser obrigadas a adaptar-se a uma nova realidade. Ambas são ingénuas e com uma visão simplista do mundo, mas lá no fundo têm uma vontade verdadeira de ajudar o próximo e deixar a sua marca.

Anna Faris vê-se mais uma vez remetida para uma típica comédia americana, capaz de nos deixar a pensar se a actriz nunca se conseguirá distanciar deste género de filmes. Tanto que ficou conhecida pelas suas participações em Scary Movie. Anna Faris não tem aqui uma má interpretação, pena que acabe por ser condenada ao eterno estereótipo de loura burra, com direito a diálogos menos inteligentes e as constantes quedas.

A Casa das Coelhinhas não é necessariamente um mau filme. Acaba por fazer-nos soltar algumas gargalhadas, com as eternas disputas entre fraternidades e repúblicas de estudantes. O curioso no filme de Fred Wolf é sobretudo a vertente moral de entreajuda, mesmo que seja menos correcto a nível dos típicos valores morais associadas à sociedade norte-americana, acabando por ser uma comédia com uma vertente mais familiar.

De destacar a presença de Hugh M. Hefner e Beverly D'Angelo, no elenco do filme, pena que não lhes tenha sido dado muito espaço de manobra no sentido interpretativo, pela pouca profundidade das suas personagens. Por seu lado, a jovem Kat Dennings demonstra que, a ser dada oportunidade, se tornará cada vez mais uma excelente actriz e em diversos géneros cinematográficos.

A Casa das Coelhinhas é uma comédia clássica, pena que caia no erro dos estereótipos e que a uma certa altura começam a cansar.

Revolutionary Road

2009-01-31T14:23:00.000Z

Um intenso drama suburbano, com excelentes interpretações.

Foi provavelmente a maior das surpresas na nomeação para os Óscares deste ano. Revolutionary Road, contra todas as expectativas, apenas recebeu três nomeações, duas delas em categorias técnicas, mesmo depois de quatro nomeações importantes tanto nos Globos de Ouro como nos BAFTA, tendo ganho o Globo de Ouro para Melhor Actriz, pela interpretação de Kate Winslet. Revolutionary Road foi trocado, em preferências, por The Reader, outro filme que conta com o protagonismo de Kate Winslet. Enquanto The Reader não chegar ao nosso país, nunca saberemos o porquê, mas Revolutionary Road será das melhores adaptações dramáticas dos últimos anos.

Baseado no romance homónimo de Richard Yates, Revolutionary Road, realizado por Sam Mendes (Beleza Americana) revela uma intensa carga dramática como há muitos anos não se via no grande ecrã. Um jovem casal atingido pelo conformismo dos subúrbios de Connecticut, durante os anos 50, tenta superar os seus problemas familiares, enquanto tentam criar os filhos de uma forma digna, ao mesmo tempo que tentam fugir das convenções típicas da sociedade da época.

Revolutionary Road será dos argumentos mais sombrios escritos acerca do casamento e juntar o eterno par romântico Leonardo DiCaprio e Kate Winslet no mesmo filme, aparentemente provocaria um suicídio cinematográfico. Surpreendentemente não foi isso que aconteceu. O filme é capaz, simultaneamente, de nos fazer sorrir, como de nos revoltar as partes interiores. Balança entre o inconformismo e a fantasia, passando pelo adultério e pelo o aborto, com tal componente dramática bastante activa.

A realização, os planos estáticos de algumas cenas, tudo isso contribui para transmitir respeito pelo filme. Sam Mendes, depois do grande sucesso de Beleza Americana e Road to Perdition, arrisca-se a criar um novo fenómeno de culto, desta vez das mentes mais literatas. O argumento não é claramente inovador, mas tratando-se de uma adaptação fiel ao original, era impossível que isso acontecesse, portanto coube aos protagonistas dar um grande impulso ao mesmo.

É impossível dizer qual dos dois esteve melhor: se Kate Winslet, se Leonardo DiCaprio. Kate Winslet tem aqui uma das suas melhores interpretações de sempre e se, foi nomeada pela sua interpretação não por Revolutionary Road, mas sim por The Reader, leva-nos a crer que o seu papel romperá os limites da perfeição. Winslet demonstra um tremendo à-vontade em grande maioria das cenas (desculpem-me os anti-tabagistas, mas as cenas em que a protagonista fuma um cigarro são de extrema sensualidade). O dramatismo que consegue imprimir a April Wheeler confirma Kate Winslet como uma das mais versáteis actrizes da actualidade.

Por sua vez, Leonardo DiCaprio consegue, a dada altura, roubar o protagonismo de Kate, revelando a sua maturidade e crescimento a nível profissional. A sua personagem Frank Wheeler é burocrática, complexa, rodeada entre o inconformismo e o conformismo e merecia mais a nomeação que Brad Pitt. Ao mesmo tempo, a grande surpresa surge do lado de Michael Shannon, com uma personagem alienada da sociedade, vítima de aparente insanidade, mas que revela uma sabedoria incomum, tornando-se uma figura emblemática do filme e que lhe valeu a nomeação para o Óscar de Melhor Actor Secundário.

A banda sonora de Thomas Newman, foi infelizmente afastada dos Óscares, mas consegue despoletar o intenso descoforto que é assistir ao filme. Não de uma forma negativa, mas conforme já mencionado, o filme consegue a proeza de nos revolver as entranhas e isso é de elogiar numa longa-metragem.

Revolutionary Road não é um filme que se veja todos os dias, é necessário reunir uma enorme quantidade de pré-condições visuais para se conseguir avaliar todo o conjunto. Vê-se uma vez, deixa-nos revoltados com tremendo dramatismo e deixa-nos a admirá-lo ao longo dos anos.

A Duquesa

2009-01-18T13:30:00.001Z

Um drama histórico surpreendentemente bom.

Nunca gostei de filmes históricos. Sempre questionei que Keira Knightley tivesse começado quase a especializar-se em filmes históricos. À partida, A Duquesa seria um filme que não me daria ao trabalho de ver, mas o trailer do mesmo provocou-me interesse na película.

Georgiana Spencer, Duquesa de Devonshire é a mulher do momento. Estamos no século XVIII e Georgiana tornou-se das mulheres mais influentes da época, num mundo que na altura lhes estava vedado. E daqui temos o ponto de partida para uma bela história dramática, uma biografia romanceada da Duquesa de Devonshire, ascendente da Princesa Diana. Obviamente que esse rótulo que as produtoras lhe tentaram impôr, devido ao sensacionalismo da história contemporânea, é redutor e não é por esse motivo que o filme deve ser visionado.

A Duquesa é um filme rico em vários sentidos. Os cenários são soberbos, bem como a maquilhagem, a fotografia e o guarda-roupa. Os ambientes de época são sempre interessantes em pormenores e este não é excepção. A Duquesa gira em torno da moda dos filmes históricos se centrarem, não nos grandes factos da História, mas sim da vida íntima das cortes. Isso aconteceu em filmes como Marie Antoinette e Elizabeth - A Era de Ouro, entre outros.

Georgiana Spencer é uma mulher ao mesmo tempo ingénua e rebelde, mas também de firmes convicções. E é aqui que o argumento surpreende: na biografia da Duquesa de Devonshire. O filme é baseado na biografia escrita por Amanda Foreman e que aborda a vida da duquesa, que viveu no período de 1757 e 1806. À medida que o seu casamento desmoronava, Georgiana ia crescendo em popularidade, conquistando o povo inglês pela sua forte influência política, gosto pelos jogos mundanos, simpatia e até tida como um ícone da moda, chegando mesmo a desenhar os seus próprios vestidos. Podemos considerar a Duquesa de Devonshire como uma das primeiras celebridades de todo o mundo, servindo de modelo para muitos súbditos, ao mesmo tempo que a indiferença do Duque ia aumentando, popularizando uma das grande expressões do filme: "Todos estão apaixonados pela duquesa, menos o seu marido".

Saul Dibb diferencia-se dos seus trabalhos anteriores, um documentário e um filme de acção, criando um excelente retrato da época, com abordagem maioritária da condição feminina da altura e os efeitos comportamentais consequentes de uma atitude que violassem os conceitos vigentes. O argumento de A Duquesa possui uma excelente construção de personagens, que deu grande facilidade aos actores. Não foi por acaso que Ralph Fiennes ficou nomeado para os Globos de Ouro, pela sua prestação enquanto actor secundário. Por seu lado, obviamente que a trajectória emocional e amorosa não ficou esquecida, com uma percepção ingénua do casamento, seguida de uma abordagem dos deveres matrimoniais, concluindo com a constatação da instabilidade emocional e condições humilhantes, sofridas por Georgiana.

A Duquesa não ficará esquecida pela Academia, pelo menos não nas categorias técnicas. O guarda-roupa de época e a direcção artística de filmes de época são sempre elogiados pelos membros da Academia e o argumento de Jeffrey Hatcher e Anders Thomas Jensen não comprometem tal efeito.

De elogiar também a prestação de Keira Knightley, que tem aqui uma prestação mais madura e consistente, mas que ainda não me surpreende totalmente. Contudo, existem determinadas sequências em que actriz está praticamente perfeita, sobretudo os de maior carga dramática, não caindo nos habituais vícios de reacções forçadas. Por sua vez, Ralph Fiennes tem aqui uma prestação mais contida em termos argumentativos, com uma personagem austera, complexa e repleta de conflitos internos e externos. Contudo, a surpresa surge no papel Dominic Cooper, que interpretou o jovem nubente Sky em Mamma Mia!. Enquanto que em Mamma Mia! a sua interpretação deu a conhecer um actor fraco, em A Duquesa, Cooper revelou que até não é mau actor, conseguindo contracenar de forma exímia com Keira Knightley.

Apesar de vacilar um pouco no romance adúltera de Georgiana, A Duquesa é um grande drama história que surpreende bastante e que cujo material original é instigante e garante qualidade ao argumento.

O Estranho Caso de Benjamin Button

2009-01-13T17:36:00.000Z

"Nasci sob circunstâncias pouco usuais". Este é o mote para a história de Benjamin Button, um homem que nasce com cerca de 80 anos e, à medida que os anos vão passando, começa a rejuvenescer. O Estranho Caso de Benjamin Button é tão pormenorizado, que tenho medo de não conseguir comentá-lo à altura.

O filme, adaptação de um clássico da década de 20, escrito por F. Scott Fitzgerald, é realizado por David Fincher: realizador que já nos habituou a grandes filmes como Fight Club, Se7en, Zodiac ou Panic Room. O Estranho Caso de Benjamin Button destaca-se desde já pelo burburinho que se gerou devido à temática curiosa do mesmo e foi num espírito de grande curiosidade que o vi avidamente.

O filme brilha desde logo pelos ambientes cénicos e pela caracterização. Se à partida parecia demasiado fantasioso imaginar algo semelhante, a verdade é que somos levados a acreditar que rejuvenescer, em vez de envelhecer, é verosímil. O processo de caracterização do actor Brad Pitt é pormenorizado e completo, salvo alguns erros menores. A história é contada a partir de Nova Orleães, no fim da I Guerra Mundial em 1918, passando pela II Guerra Mundial, Guerra Fria, até ao século XXI. David Fincher consegue realizar essa tarefa que, à partida, nos parecia megalómana, sendo fiel aos factos históricos, incluindo cenários, trajes, comportamentos...

O trabalho do realizador é intemporal, arriscando tornar-se um grande clássico da história do cinema. A construção do filme e do argumento de Eric Roth e Robin Swicord é feita de forma a que o mesmo se assemelhe a uma biografia, narrada pelo próprio, desde o nascimento até à morte. O interessante é que apesar de ser o filme mais completo que vi até ao momento e apesar das fascinantes personagens, histórias e acontecimentos paralelos, tudo se complementa e destaca o personagem principal.

O Estranho Caso de Benjamin Button é o mais bonito romance que já alguma vez vi. Eu confesso que bem tentei encontrar erros crassos, algo que deitasse por terra todo o destaque dado ao filme, mas não consegui. Está lá tudo e muito bem feito. Desde os cenários e caracterização (já mencionados), bem como a banda sonora, as interpretações, direcção artística e fotografia.

Os destaques vão, claro está, também para as interpretações. Todo o elenco é sublime. Brad Pitt tem aqui uma grande interpretação. Não é a interpretação masculina do ano, é verdade, mas não conseguia imaginar outro actor para desempenhar tal papel. Por sua vez, Cate Blanchett, que considero uma das actrizes mais completas da actualidade, tem uma interpretação que a início me parecia duvidosa, mas que a meio do argumento, revela toda a energia, dramatismo e plasticidade necessárias para interpretar o papel de Daisy.

Ao plano das interpretações secundárias, surge o brilhantismo de Taraji P. Henson. Queenie é a mãe adoptiva de Benjamin Button, se assim lhe quisermos chamar e que tem uma grande importância no argumento, à qual Taraji conseguiu imprimir todas as qualidades desejáveis. Por outro lado, a surpresa cai também em Tilda Swinton, vencedora do Óscar de Melhor Actriz Secundária em 2007, por Michael Clayton. O papel desempenhado pela actriz é portentoso, de uma mulher surpreendentemente interessante e que suportaria, por si, um único argumento a si dedicado. Uma nota também para Julia Ormond, cuja presença por si só já é de elogiar.

O Estranho Caso de Benjamin Button colmatou aquilo que já não se via há muitos anos na indústria do cinema. É um Filme, com maiúscula, completo e em pleno. De realçar, os diálogos majestosos e profundos, a subtileza das interpretações, a ironia e comédia subjacente em algumas cenas e que fazem lembrar, por momentos, Forrest Gump. Com uma diferença: Benjamin Button é ainda mais profundo e apesar de todas as épocas que passam pelo filme, a personagem não é deslocada, mas surge sempre em primeiro plano.

O único ponto que em princípio poderíamos negativizar seria a duração do filme, afinal são quase três horas de acontecimentos, histórias e épocas, que quase nos impedem de respirar, com medo de perdermos algum pormenor importante. Contudo, nem isso se torna negativo. Compreende-se logo que a duração assim o é porque não havia outra forma de o fazer sem diminuir a qualidade do argumento.

O Estranho Caso de Benjamin Button vale, nem que seja só pela curiosidade, uma ida ao cinema e é "aquele" filme que ninguém pode descurar em ver. Já não podemos cair em ilusões e esperar a atribuição dos Óscares deste ano para prestigiar o filme de David Fincher, ainda para mais depois desta cerimónia dos Globos de Ouro. Não fosse este ano um dos mais fortes dos últimos em termos de películas, o filme provavelmente seria um dos mais galardoados, tanto em categorias principais, como em categorias mais técnicas.

Não percam sobretudo as sequências finais, que são de extrema emoção, capazes de levar o espectador mais insensível às lágrimas.

Saw V - A Sucessão

2009-01-13T17:26:00.001Z

Uma sequela de um franchise que se estende para além do devido. No entanto, acaba por se tornar mais consistente que as anteriores.

Saw V tem tanto de bom, como de mau e pessoalmente, deixa-me dividido. A saga Saw tem sido uma forma garantida de ganhos anuais para os estúdios LionsGate. Se o primeiro Saw - Enigma Mortal gerou uma legião de fãs, na qual me incluía, verdade que a saga tornou-se um franchise que acaba por ser "esticado" mais do que devia. É verdade que não podemos esperar que uma sequela seja melhor que o original, porque isso quase nunca acontece e muito menos nos casos em que o primeiro é praticamente perfeito.

Saw nunca foi perfeito, nem lá perto. Mas sabia fazer uso do macabro e do doentio, como muito poucos, com armadilhas engenhosamente elaboradas e com twists finais vigorosamente concebidos. Todos os outros acabaram por ser quase imitações reles do verdeiro. Quando até Darren Lynn Bousman se aborrece do projecto, podemos pensar de que forma se consegue estender o projecto, ainda mais com a morte de Jigsaw desde Saw 3 - O Legado.

Apesar de Saw V - A Sucessão acabar por se tornar monótono, acaba por seguir um caminho menos gore que os anteriores, com menos armadilhas ousadas e consequentemente menos sangue. David Hackl, anterior produtor designer, acaba por tomar as rédeas ao quinto filme da saga e desenvolve um argumento mais consistente que os anteriores. Por consistente não podemos entender que seja um capítulo com mais qualidade que os anteriores, mas pelo menos não se faz valer de tanto sangue e gore para conseguir vender o filme, tornando-o, no mínimo, mais credível.

Em dadas alturas, o filme mais parece um tradicional policial, uma eterna investigação criminal, com vários envolvidos, entre os inspectores, os culpados, as vítimas e os equívocos. A realização está mais sóbria, mas ao mesmo tempo não tem o mesmo gosto da anterior glória de Saw.

Quanto a interpretações, a ausência de Tobin Bell ou a sua presença em apenas alguns flashbacks da história acabam por deixar as expectativas um pouco aquém do esperado. Se Tobin Bell era a estrela do filme em termos de elenco, os actuais actores deixam bastante a desejar a níveis interpretativas. Aquele que, a meu ver, apresenta mais erros crassos de interpretação e credibilidade é Costas Mandylor. O actor não é um discípulo à altura de Jigsaw ou até da anterior seguidora Amanda (Shawnee Smith).

Se Saw IV - A Revelação apresentava algo que poderia renovar a saga, Saw V deitou por terra essas expectativas e revelou-se não uma sequela, mas uma segunda parte da anterior. Saw V - A Sucessão é mais uma tentativa de prolongar um franchise que garante espectadores e consequentemente receita, sem atentar na qualidade do mesmo.

Australia

2009-01-08T22:04:00.003Z

Australia é, desde já, um filme grande e um grande filme.
Este conta a história de uma aristocrata inglesa, Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman), cujo marido, desesperado por arranjar dinheiro, foi para a Austrália, onde preparou a venda do seu último bem: uma quinta de gado, “Faraway Downs”. Suspeitando dos seus planos, Sarah vai para lá, com destino a Darwin.

No entanto, não é recebida pelo marido, mas por um vaqueiro interpretado por Hugh Jackman. Na viagem para "Faraway Downs" Sarah e o vaqueiro revelam uma profunda e mútua antipatia. No mesmo dia em que chega à quinta, Sarah é informada que o marido foi assassinado perto do rio. Após uma inesperada mudança nos acontecimentos, Nullah (Brandon Walters), uma criança aborígene encantadora, surge, de repente, na vida de Sarah. Nullah revela a Sarah que nem tudo é o que parece: o cruel responsável pela quinta, Neil Fletcher (David Wenham) tem uma parceria secreta com o maior proprietário de gado, King Carney (Bryan Brown), e juntos conspiram para ficar com suas terras. A partir daqui, desenrola-se uma história emocionante com um fim esplêndido.

O início da Segunda Guerra Mundial, os bombardeamentos, a instabilidade e os direitos dos aborígenes são apenas alguns temas que surgem com enorme força ao longo do filme. Australia é a mais cara produção cinematográfica do país e é, sem dúvida, um filme que marca. Não é apenas uma lindíssima história de amor; é também um grande pedaço de magia e de História e de direitos humanos. Vale mesmo a pena vê-lo!
Aqui fica o trailer:

O Orfanato

2009-01-08T19:53:00.000Z

O cinema espanhol está na moda. Se no ano anterior a sua qualidade atingiu o seu limiar na forma de O Labirinto de Fauno, este ano foi com O Orfanato.

Com O Orfanato depressa se chega à conclusão que não é necessário que a premissa de um filme seja surpreendentemente inovadora, para se conseguir uma forma de sucesso e qualidade.

O Orfanato é uma película com uma grande intensidade ficcional, que envolve um mundo fantástico, a que o produtor Guillermo del Toro já nos habituou, repleta de segredos, crianças e até terror. É um thriller enigmático, que envolve Laura (Belén Rueda), uma mãe que regressa a uma casa que em tempos serviu de orfanato e onde ela própria viveu parte da sua infância, com o objectivo de o reabrir como um lar para crianças deficientes. No entanto, o seu filho (Fernando Cayo), começa a ter amigos "imaginários". O que à partida poderia parecer uma brincadeira de crianças, depressa leva Laura para um mundo de enigmas, mistérios e que a vão conduzir a uma verdade extremamente cruel e assustadora.

Mais que um filme de terror, O Orfanato é um drama agudo, de uma mãe desesperada em procura da verdade e um retrato agonizante de uma terrível infância. Na realização, destacam-se sobretudo as câmaras, que envolvem o espectador e as personagens, dramatizando em pontos-chave a cena, tornando-a ainda mais realista.

O Orfanato segue a mesma temática de terror e fantasia, em que o cinema espanhol contemporâneo tem apostado, mas consegue ser, ainda assim, surpreendente e de qualidade. A componente sobrenatural, por exemplo, surge apenas como ponto de viragem do argumento e aí actua lindamente.

O Orfanato tem uma mensagem profunda de amor materno e a actriz espanhola Bélen Rueda monopoliza o argumento com uma mestria invejável e torna-se, assim a meu ver, o melhor desempenho do ano. O Orfanato venceu 30 prémios, de onde se destaca o Prémio do Fantasporto para Melhor Actriz e Melhor Realizador, inúmeros prémios Goya, entre outros.

Claramente um dos melhores filmes do ano.

The Duchess

2009-01-04T12:50:00.000Z

Duke of Devonshire: All of London is talking.
Georgiana, The Duchess of Devonshire: Oh, let them talk!

The Duchess (2008)

Alice

2009-01-03T13:35:00.000Z

Uma narrativa sem acção e pesada. Uma inegável obra-prima do cinema português.

Alice tem dois protagonistas: Nuno Lopes e Lisboa. Nuno Lopes tem inquestionavalmente das maiores interpretações de sempre do cinema português. Lisboa tem o retrato oculto mais correcto dos últimos anos. Ambos vivem em extrema solidão.

Marco Martins, nesta sua primeira longa-metragem, quase se arriscou a ficar sem filme. Afinal o realizador e argumentista, eliminou ao máximo todos os conceitos cénicos e dramatúrgicos, expondo-nos a um retrato nu e cru da solidão e da ausência. Alice baseou-se no desaparecimento do jovem português Rui Pedro e da eterna busca solitária e obsessiva da sua mãe, mas não deve ser reduzido a isso.

Alice é um filme negro e escuro, como é a ausência. O filme aborda o vazio, através do comportamento obsessivo de Mário (Nuno Lopes), que busca a sua filha, após o seu desaparecimento, seguindo todos os dias os mesmos passos aquando o desaparecimento de Alice. Nuno Lopes tem uma prestação singular e única, deprimente até, lidando de forma cruel com as emoções do espectador.

Interessante também são as temáticas abordadas por Marco Martins, que vão além do desaparecimento e busca de uma criança, explorando ao máximo a vertente humana das suas personagens. Alice explana o modo como várias personagens lidam com a solidão e a ausência, através de Mário. Todos eles vivem em solidão, servindo-se da agonia de um pai em busca de uma filha, para colmatar a ausência que eles mesmo sentem. A privacidade e o Big Brother, explorados por Orson Welles, são subtilmente abordadas no filme, sob a forma do sistema de vigilância com câmaras instaladas em pontos estratégicos de Lisboa, de forma a Mário conseguir vigiar as pessoas e notar qualquer pormenor que o conduza a Alice.

Lisboa é aqui descrita, longe do romantismo habitual, mas com uma descrição realista de uma cidade escura e fria, uma cidade que lhe levou a criança. A dada altura do argumento existe um choque enorme entre Mário e Lisboa e que atinge o seu auge a meio do filme.

Alice pode-se tornar um filme monotonamente constante, assente em flashbacks pouco narrativas, quase sem diálogos ou monólogos. Afinal, Alice é um filme sobre a ausência e que melhor metáfora para isso que o silêncio? Marco Martins aproximou-se dos limites daquilo que podemos considerar um filme e conseguiu-o com uma mestria invejável. Mais um ponto a favor será sobretudo a banda sonora de Bernardo Sassetti, que ajuda a aumentar a beleza do argumento.

Fascinante também é narrativa aberta com que o realizador nos brinda, forçando-nos a tomar uma decisão, levando o espectador a assumir múltiplos finais, para tranquilizar a sua mente.

Irina Palm

2009-01-03T13:34:00.001Z

Drama europeu pouco moralista.

Só pela temática poderia ferir susceptibilidades: afinal não é todos os dias que vemos filmes em que uma avó, por amor ao seu neto, se dispõe a adoptar um nome profissional (Irina Palm) e masturbar clientes através de um buraco na parede de um qualquer espaço de carácter duvidoso. Essa novidade cresce ainda mais se a actriz que interpreta essa personagem é Marianne Faithfull, uma actriz com um currículo pouco vasto, mas premiada nos European Film Awards de 2007.

Irina Palm, suscita curiosidade antes de mais, se bem que as expectativas saem frustradas após o visionamento. O filme não é necessariamente mau, mas tinha tudo para poder ser melhor.

Sam Garbarski tem como defeito apresentar um ponto de vista da câmara, demasiado voyeur, qual peep show, fixando-se maioritariamente nas aventuras pouco ortodoxas da personagem principal. O argumento é sobretudo caricato e até desconcertante, com montagens dotadas de amadorismo latente. Marianne Faithfull não tem aquela interpretação sublime que, à partida, poderíamos esperar, com tantas cenas e interpretações que se chegam a comparar a uma novela.

A comédia que foge ao carácter dramático da tela, acontece precisamente nas peripécias de Maggie (Mariane Faithfull), que tenta a todo o custo esconder a sua actividade das suas amigas de bridge, mas que acaba po ser revelada de uma forma completamente despudorada. Esta acaba por ser a melhor cena do argumento.

De relevo será a participação de Miki Manojlovic, que associamos imediatamente ao cinema de Kusturica e tambem o brilhante desempenho do britânico Kevin Bishop, que tem aqui a melhor interpretação do filme.

O filme vale acima de tudo pela curiosidade, mas acaba por se penalizar a si próprio pela simplicidade com que aborda a componente dramática do argumento.

Wall-E

2008-12-30T00:02:00.001Z

Um prodígio que reúne o classicismo da Disney e a inovação da Pixar, com pretensões morais e ambientalistas.

O que nos chama imediatamente à atenção quando pensamos em Wall-E será a originalidade da temática e personagens escolhidas, que à partida dificilmente se tornariam objectos de afeição por parte do grande público. Logo de início, o filme não esconde as suas ambições de funcionar como um alerta para uma maior e melhor política ambiental mundial, ao escolher uma personagem cujo nome Wall-E é um acrónimo para Waste Allocation Load Lifter Earth-Class, ou seja, basicamente é um robô cuja tarefa é empilhar lixo.

Wall-E não é necessariamente um filme para crianças muito pequenas, visto que é de difícil compreensão ou pelo menos de compreensão linear, a mensagem ecológica que aborda. Ao explorar a temática consumista da sociedade humana e o sedentarismo/comodismo dos humanos de uma forma bastante subliminar em algumas ocasiões, assenta em trâmites políticos cuja compreensão é dificultada para alguns. Por outro lado, a dimensão humana narrada no argumento de Wall-E está longe de ser a (quase) perfeita que é descrita em filmes da Disney ou os mais recentes da Pixar. A ganância humana e as suas consequências são quase profetizadas, com imagens que todos nós conseguiremos vislumbrar daqui a uns anos.

É aí que a Pixar merece elogios, pois não teve medo em explorar vertentes menos utilizadas em filmes de animação, roçando até o cinema experimental, com pouquíssimos diálogos entre as personagens e muitos detalhes sociais e pormenores a piscar o olho a um público mais velho, que incluem (além da dimensão política ambientalista, já referida) semelhanças com 2001: Odisseia no Espaço, memórias antigas como cenas de Hello Dolly ou toda a tendência sonora e visualmente futurista semelhante aos filmes de ficção científica e até o típico sinal sonoro quando se inicia o sistema operativo Macintosh.

Wall-E e EVE (Extra-terrestrial Vegetation Evaluator) são personagens brilhantes no sentido em que, apesar das limitações naturais de um robô conseguir transmitir sinais de afecto para com o público, tornam-se das mais emotivas e bonitas da história do cinema de animação. O seu propósito não sai gorado, deixando muitos enternecidos devido à sua história de persistência e amor.

A nível técnico, Wall-E é praticamente perfeito, mas ainda está algo longe da perfeição de uma obra-prima, se bem que tal designação é subjectiva. Wall-E não me transmitiu a empatia a que alguns filmes de animação me habituaram, sendo que dentro destes parâmetros e excluindo a temática e a vertente técnica, o mais recente Bolt agradou-me bastante mais em termos de emotividade e espírito Disney.

De qualquer forma e tirando os gostos pessoais, não se deve, de forma alguma, desconsiderar Wall-E como o futuro dos filmes de animação e como um grande passo a nível cinematográfico, assente numa excelente campanha de marketing (que diga-se,acabou por ser o desencadear desta febre). Nunca é demais, mais uma vez, atentarmos na mensagem descrita no argumento e com ela, todos nós, aprendermos algo.

Bolt

2008-12-13T18:00:00.000Z

Uma aposta de Natal da Walt Disney, não tão icónica quanto outras, mas igualmente brilhante.

Não é fácil para um estúdio combater a supremacia da Pixar ou da Dreamworks a nível de filmes de animação. Principalmente para os Walt Disney Studios, que foram arrasados por estas duas produtoras que ingressaram nesta área com super produções tecnicamente perfeitas, nos últimos anos. Bolt é um cão-actor, que participa numa das séries televisivas de acção mais conhecidas do país, na verdade, sem saber disso e acreditando que realmente é dotado de super-poderes. Quando Bolt é enviado acidentalmente para Nova Iorque, o cão terá de enfrentar uma aventura real atravessando o país até reencontrar a sua dona Penny. Pelo caminho, encontra dois dos mais improváveis companheiros: Mittens, uma gata vadia e muito inteligente e Rhino, um hamster viciado em televisão e que vive dentro de uma bola de plástico.
A Walt Disney conseguiu, com Bolt, criar um filme tecnicamente bem desenvolvido, com excelente utilização de cores vivas e brilhantes, com personagens diversas e bem elaboradas. Logo de início, o filme apresenta uma série de sequências de acção incomuns neste género de filmes, mas que facilmente convencem crianças e adultos.

Por outro lado e apesar de Bolt não ser tão icónico quanto outras personagens de cinema como Nemo ou Wall-E, a verdade é que a personagem usa e abusa do carácter emocional. Afinal, poucos resistem a um cachorrinho (tal como é evidenciado em várias cenas do filme). No entanto e a meu ver, a personagem que mais brilha neste argumento e talvez, mais para os adultos do que para as crianças, é a gata Mittens. A personagem criada pela Walt Disney é sarcástica, mordaz e inteligente, algo que é raro nos filmes de animação; conseguindo até, em alguns momentos, ofuscar o vedetismo de Bolt. E ainda, Rhino é das personagens mais improváveis e tolas de sempre, como um hamster obcecado por televisão e séries.
O argumento de Bolt é muito inteligente, sendo por vezes mais difícil para as crianças compreenderem, mas tornando-se mais apelativo para adolescentes e adultos. O filme não se coibe de utilizar sarcasmo em muitas cenas, tal como de utilizar determinadas sátiras, para criticar diversos aspectos da sociedade. É o caso da crítica a Hollywood e aos produtores e agentes de cinema e televisão, que são apresentados por vezes, como sendo extremamente obcecados pelo lucro e pelas audiências, sem contar com o lado pessoal dos actores. A crítica também surge direccionada para os próprios espectadores e fãs de séries, obcecados por televisão.

A nível vocal e tendo eu visto a versão portuguesa, ao invés da original, devemos elogiar mais uma vez o brilhante trabalho da equipa de dobragem portuguesa. Praticamente irrepreensível, a versão portuguesa é fantástica na tradução dos diálogos, com especial destaque para Sofia de Portugal (voz da gata Mittens) que consegue encarnar a personagem e até cantar em algumas cenas. Destaque ainda para o uso (já comum em outras produções) de sotaques e pronúncias de província e de outros sectores da sociedade, como foi o caso dos pombos "chungas".

Sendo esta, uma versão em 3D, o feedback que vos posso dar é positivo. Confesso que foi a primeira vez que experienciei algo deste género e apesar de acabar por ser mais cansativo para a vista (pelo menos para alguém que, como eu, não está habituada a usar óculos), mas que proporciona uma experiência divertida e em alguns momentos bastante mais realista.

Bolt não é uma obra-prima, mas apresenta-se como um dos melhores filmes de animação da Walt Disney e dos últimos anos.

Lost in Translation

2008-12-10T16:41:00.000Z

O eterno "boy meets girl" nunca passa de moda.

Sofia Coppola é mais uma daquelas pessoas que nos levam a pensar que, talvez o talento nasça nos genes. Filha de Francis Ford Coppola, a realizadora já teve a seu cargo pelo menos três grandes filmes e que se tornaram grandes sucessos de crítica. Falamos obviamente além do galardoado Lost in Translation, de As Virgens Suicidas e Marie Antoinette.

Lost in Translation transpira simplicidade em todas as cenas. O que nos revela que nem sempre as produções mais dispendiosas e rebuscados são as melhores. Afinal, Lost in Translation revela-se dos filmes mais emotivos e simples da história do cinema e mesmo assim gera no espectador uma sensação de algo completo e mais profunda, do que se poderia imaginar à partida.

Os cenários do filme não são extravagantes, mas conduzem o espectador ao pretendido, uma noção de solidão e de carência, inerente às personagens principais do filme. A nível fotográfico, Sofia Coppola lida muito com as sombras e penumbras, com as luzes da noite, com a escuridão e com os tons baços, contrastados esporadicamente, com cores fortes e eléctricas. E tudo isso funciona muito bem para cumprir objectivo final. Lost in Translation atenta no fenómeno da deslocação cultural, do choque de culturas, numa cidade de Tóquio frenética e eléctrica.

A nível de interpretação, os actores surgem de forma aparentemente monótona, mas com uma mestria fantástica. É o caso de Scarlett Johansson, que desempenha um papel docemente inocente e Bill Murray que representa num tom extremamente melancólico e saudosista, numa procura da juventude perdida.Lost in Translation mais que um filme de amor, é um filme solitário e de amizade. É um filme em que as diferenças se tornam semelhanças quando longe de casa. Com um final que não desilude o espectador e que repete a condição melancólica e constante de todo o filme, Lost in Translation torna-se das melhores surpresas dos últimos anos.

O Motel

2008-12-08T18:46:00.001Z

Um filme de série B, em que o suspense e o terror psicológico brilham.

Se esperam de O Motel uma surpresa, vão ficar desiludidos. Afinal o realizador Nimród Antal revela ainda a sua inexperiência por trás das câmaras, apesar de ser conhecido pelo filme Kontroll, que foi um sucesso de crítica. Contudo, se virmos Vacancy (O Motel) sem grandes expectativas e como apenas mais um filme de série B, acredito que ficarão surpresos.

A narrativa é semelhante a tantas outras, mas a nível argumentativo percebe-se que Nimród Antal tentou piscar o olho a um remake de Psycho, de Alfred Hitchcock. Ao contrário de Saw e Hostel, O Motel não se reduz ao cliché do cinema gore tão em voga nos últimos tempos e consegue criar algum temor no espectador. Com tantos filmes e sequelas extremamente violentas, com uma abundância exagerada de cenas em que há derramamento de sangue de forma gratuita, é natural que o espectador vá ficando insensível a isso; no entanto, se há coisa que sempre gerou fãs e algum medo foi o suspense, o chamado terror psicológico. O próprio cenário, um quarto de motel, ajuda a criar esse mesmo suspense, a paranóia e o sentido claustrofóbico

O Motel não é uma obra-prima e nem de perto consegue chegar-se ao patamar de Psycho, tal como o realizador não consegue fugir ao comum copy-paste de filmes do género; contudo, não é necessariamente um filme previsível e podemos contar com alguns rasgos de criatividade.

Se há algo que Nimród Antal consegue neste filme é criar personagens realmente interessantes, utilizando actores que, normalmente, são subestimados. É o caso de Kate Beckinsale, que consegue aqui um registo mais credível que o habitual, no papel de uma esposa deprimida e de Luke Wilson, num registo mais moderado e humilde do que normalmente o seu irmão Owen Wilson surge.

O Motel não sobrevive de um twist final, como é o caso de Saw ou Hostel, nem pretende competir nessa área, como é comum comparar-se. O Motel é um filme de suspense à antiga, sem grande novidade, mas que consegue cumprir o seu objectivo. E nisso está de parabéns.

Hostel

2008-12-08T15:59:00.000Z

Sadismo com uma estrutura débil.

À partida quando vemos Hostel como fruto de um "apadrinhamento" de Quentin Tarantino, imediatamente nos surgem na mente nomes como Pulp Fiction e Kill Bill, mas não ficamos iludidos durante muito tempo. Hostel, que se apresenta como um filme de terror, raras vezes é merecedor de tal categoria.

Hostel tem uma componente gore bastante activa, à semelhança das sequelas mais recentes de Saw, mas apresenta uma diferença crassa: o argumento. O filme de Eli Roth (Grindhouse) não cai no exagero gore de Saw, é verdade e consegue, mesmo assim, apresentar algumas cenas mais ou menos chocantes. Mas a verdade é que os primeiros longos minutos do filme são extremamente aborrecidos e incoerentes com o resto da narrativa: a dada altura não sabemos bem se estamos a ver uma comédia para adolescentes, algo semelhante com American Pie.

O realizador não consegue conciliar o argumento de forma coerente, criando cenas díspares e que, em nada, têm a ver umas com as outras. O uso abusivo de cenas com componentes sexuais (e não, não estou a ceder a moralismos) acaba por proporcionar o tal sentimento de comédia adolescente, quebrando assim o propósito inicial do filme.

A narrativa de Hostel é extremamente lenta e arrastada, podendo provocar ocasiões de bocejo entre os espectadores, facto para o qual as interpretações dos actores também contribuem. À excepção de Jay Hernandez, que não conseguiu um óptimo desempenho, mas no mínimo esforçou-se, todos os outros estão aquém das expectativas pretendidas.

Hostel não consegue ter uma narrativa sólida e a inexperiência de Eli Roth nota-se a léguas. A estrutura do filme é débil e ou não fosse as cenas finais do argumento, todo o propósito do mesmo acabaria por se diluir. Em Hostel faz falta algo mais complexo ou um sentido mais profundo do mesmo, que só no final é que o realizador consegue captar. Infelizmente.

Destaque para os ambientes cénicos que devido à sua ruralidade se tornam macabros e contribuem para transmitir alguma insegurança e tensão aos espectadores. Pena que essas sejam, por vezes, quebrados com algumas cenas patéticas, que prejudicam todo o desempenho do argumento.

Destruir Depois de Ler

2008-12-08T01:18:00.001Z

A inteligência é relativa... é uma das taglines de Destruir Depois de Ler, dos irmãos Ethan e Joel Coen. E é sobretudo disso que nos lembramos ao ver o filme. Depois de No Country For Old Men, que conseguiu arrecadar quatro Óscares, a dupla dos irmãos volta a arriscar, desta vez naquilo que foi anunciado como a comédia negra do ano.

O filme tem como base diferentes personagens, todas elas com perspectivas distintas do mesmo assunto: um CD que foi descoberto no balneário de um ginásio, com as memórias de um ex-analista da CIA. À partida teríamos logo aqui uma possível nomeação para um Melhor Argumento Original, nem que seja apenas pela temática. Num jogo que envolve traições, conspirações e chantagens, os irmãos Coen conduzem-nos a um ciclo de idiotices, numa narrativa que por vezes se torna demasiadamente rebuscada.

O ponto alto de Destruir Depois de Ler será com certeza, o elenco e as personagens-tipo, criadas pelos realizadores. George Clooney, por exemplo, que estamos habituados a ver no papel de galã, surge aqui como um maníaco da perseguição e com ocupações algo peculiares, num papel a que não estávamos habituados a ver associado a ele. Frances McDormand (vencedora de um Óscar de Melhor Actriz por Fargo) é aquela que me gera mais desconfiança ao longo do filme, ora se apresenta como uma personagem complexa, ora deixa revelar demasiadas fragilidades e incoerências, com um sentido vazio. Brad Pitt é, acima de tudo, aquele que detém a melhor personagem e melhor interpretação. A personagem de Chad, que tinha tudo para não resultar, é conduzida com invulgar mestria, naquela que se apresenta como a personagem mais divertida e patética dos últimos tempos. Não estamos habituados a ver Brad Pitt a envergar tamanhos estereótipos, mas este assenta-lhe como uma luva. Destaque também para a presença de John Malkovich e Tilda Swinton.

O argumento de Destruir Depois de Ler é cheio de tiques de expressão, de maneirismos de patetice, numa longa cadeia confusa de equívocos. Por vezes isso causa cansaço no espectador, que nem sempre se consegue rir devido ao arrastar da acção, que se torna demasiado lenta em determinados momentos.

Infelizmente, os irmãos Coen acabaram por cair no facilitismo da repetição exaustiva dos mesmos assuntos e piadas, com personagens reduzidas a um sentido oco. Destruir Depois de Ler acaba por gerar perplexidão, pois ao fim de contas, acaba por ser menos do que aquilo que prometia, deixando o espectador na eterna questão "E agora?".

Bem, Destruir Depois de Ler não é nenhuma obra-prima, nem a melhor comédia negra de sempre, mas pelo menos assenta num argumento peculiar e burlesco.

Hard Candy

2008-12-05T23:47:00.000Z

Provocador, perverso e psicótico.

Hard Candy é um filme tecnicamente simples. Os cenários são simplistas, a fotografia é "limpa" e sem grandes artifícios e o elenco é reduzido. Contudo e se olharmos numa perspectiva menos técnica, Hard Candy é mais complexo do que se julga à partida. Aquilo que se poderia ter tornado um mero filme que aborda a temática sensível que dá pelo nome de pedofilia, torna-se num thriller psicótico e provocador.

Comecemos pelo conteúdo. O tema é actual e nunca antes se falou tanto em pedofilia e nos problemas da Internet como agora, mas este prima pela originalidade com que trata do assunto. Longe do cliché "homem perturbado que persegue menina ingénua" (comum nos filmes de Hollywood), Hard Candy aborda a história de um predador sexual pedófilo de 32 anos e a sua “presa”, uma rapariga aparentemente inocente de 14 anos. Contudo, neste filme nada é o que parece e facilmente ocorre uma inversão de papéis fascinante.

Curioso em Hard Candy é a forma como usa pormenores para, de uma forma simples, captar a atenção do espectador. E a forma como a jovem Hayley se veste é digna de nota. Afinal a personagem é, aparentemente, um Capuchinho Vermelho contemporâneo e isso pode iludir o espectador. A meio do filme é-nos passada a ideia: e se o Capuchinho Vermelho comesse o Lobo Mau?

Uma das principais virtudes do filme são as interpretações. Em 2005, Ellen Page e Patrick Wilson eram praticamente desconhecidos do grande público, mas já aqui se notaram as qualidades em ambos os actores. Ellen Page surge como uma das jovem mais promissoras da actualidade, sem grandes tiques de vedeta, uma actriz segura e praticamente irrepreensível, comparável a Natalie Portman. Por sua vez, Patrick Wilson interpreta um papel difícil, mas acaba por conseguir dar-lhe a volta com grande mestria, sem grandes dificuldades. E Hard Candy revelou essas facetas dos actores precisamente antes da constatação dos factos em Juno e Little Children, respectivamente.

Hard Candy apresenta um jogo psicológico perverso, de inversão de papéis, onde nem tudo é o que parece. O filme vive dessa mesma ilusão e somos constantemente assaltados por dúvidas. A questão que se impõe é que David Slade não consegue manter a genialidade do início ao fim do filme. Se bem que inicialmente, a escolha da posição das câmaras conduz o espectador para o jogo psicótico, a meio do filme acaba por conduzir a alguma desilusão. Outro erro em que caiu o realizador foi o de, relegar a ideia de uma jovem inteligente e perversa, para a ideia de uma justiceira ou vingadora, que acaba por se revelar doentia.

O thriller apresenta um grande argumento original, mas é prejudicado por um final mais precipitado e em suspenso, que acaba por deixar o espectador algo desiludido. Contudo, é dos melhores dos últimos anos, tendo diálogos soberbos e acima de tudo, inteligentes. Hard Candy é um filme perturbador e a genialidade com que o faz é perfeita.

Digno de nota, Hard Candy poderia tornar-se um clássico contemporâneo, se bem que a enorme produção de longas-metragens hoje em dia, pode adiar esse "rótulo". A memorizar também o fantástico poster do filme, que longe dos actuais posters de filmes americanos, sugestiona de uma forma inteligente o próprio espectador.

Ensaio sobre a Cegueira - Blindness

2008-11-22T01:54:00.001Z

E se de repente todas as pessoas começassem a cegar?

De José Saramago pouco há a dizer, conheço alguns dos seus romances e a obra em questão, Ensaio sobre a Cegueira foi, curiosamente, das últimas que li. Em relação à adaptação da obra para o cinema, tenho a dizer que perante uma tarefa que se supunha impossível, Fernando Meirelles acabou por fazer jus ao romance, pelo menos até àquilo que é humanamente possível.

De facto, o que imediatamente salta à vista quando começamos a ver o filme é a realização. Não consigo imaginar outro nome senão o de Fernando Meirelles para este trabalho. Do seu currículo imediatamente saltam à vista dois trabalhos: Cidade de Deus e O Fiel Jardineiro; mas é sobretudo com este Blindness que revelou mais a fundo o seu estilo de filmagem. Durante todo o filme, acabamos por nos sentir cegos e sufocados, tal e qual, como Saramago conseguiu que o seu espectador se sentisse durante a leitura do romance. Fernando Meirelles usa e abusa do experimentalismo, das cenas desfocadas e descoloradas, sempre com uma aura esbranquiçada, sempre com ligeiras ondulações e cenas tremidas. Afinal que melhor maneira de levar o espectador a sentir um filme em que todos os personagens são cegos? Não havia outra forma de transmitir o sentimento de uma obra que, por si só, já é megalómana e o possível temor de Fernando Meirelles não o deixou cair no facilitismo, para que o filme se tornasse mais comercial.

E é aqui que não compreendo as críticas que se levantaram em todo o mundo contra este filme. Serão os portugueses suspeitos, por ser a adaptação cinematográfica de uma obra de um dos nossos melhores escritores e o único, até agora, que nos trouxe o Nobel da Literatura? Ou isto tem a ver com a sensibilidade? É verdade que Ensaio sobre a Cegueira não é um filme fácil e precisa de contar com a disposição do espectador ou, caso contrário, não vale a pena, mas acima de tudo é um filme inteligente. E aí é que entra a crítica geral. Com o aparecimento massivo de blockbusters comerciais, o espectador geral acaba por se acomodar à leitura básica e superficial dos argumentos e isso não é o que Saramago, Meirelles e Don McKellar pretendiam.

Tal como o romance, o filme aborda a temática de uma cegueira colectiva, de uma forma metafórica, conseguindo ao mesmo tempo traduzir os sentimentos das personagens de uma forma muito nua e cruel. As cenas e os cenários conseguem ser tão cruéis e reais que chegam até a ser agonizantes. A meu ver, o trabalho de fotografia do filme é merecedor de um Óscar. Os cenários são estrondosamente reais e, conseguem contrabalançar o facto de serem abrangentes, mas ao mesmo tempo específicos de uma grande catástrofe. Os ambientes são antagónicos à cegueira: soturnos, negros, decadentes e tristes, enquanto que a cegueira descrita é branca, como se flutuassem em leite, como O Primeiro Cego descreveu.

Fernando Meirelles conseguiu chegar ao âmago do livro. É verdade que existem muitas cenas potencialmente interessantes e comprometedoras que não surgem no argumento do livro e existem talvez algumas emoções por explicar, mas Meirelles conseguiu transmitir o essencial. Tal como pediu Saramago, no filme não existe alusão a um país ou local específico e todo o elenco é de uma grande diversidade de raças, o que acaba por gerar no espectador um temor maior, uma real noção que a epidemia de mal-branco podia ocorrer a qualquer momento e em qualquer lugar. Também as personagens não têm nome tal como no romance: mais uma vez Meirelles não caiu na ideia de tentar tornar o filme comercial. E faz todo o sentido: num mundo de cegos para que servem os nomes?

Mesmo sem nomes, o elenco do filme parece ter sido escolhido a dedo e acaba por dar nas vistas. Sobretudo a interpretação fantástica de Julianne Moore, como a Mulher do Médico, digna de um Óscar, não fosse este filme visto como experimental, pela crítica mundial. Julianne Moore demonstra mais uma vez que o seu talento não é uma mera obra do acaso e que, mesmo com uma personagem tão difícil, ela não se amedronta. Afinal, a Mulher do Médico, por uma razão absolutamente inexplicável e da qual também não se quer explicação, não cegou e acaba por se tornar uma guia de todo o grupo: física e moral. Julianne Moore vê aquilo que os outros não vêem e encontra-se num dilema: estará abençoada ou amaldiçoada pela visão?

Mark Ruffalo, o Médico, mantém o nível de interpretação a que já nos habituou, mas obviamente que não consegue atingir a grandiosidade de Julianne Moore; ao contrário de Gael García Bernal que consegue, como O Rei da Camarata Três, transmitir todo o sentimento ganancioso da humanidade, tão bem descrito por Saramago no romance. Uma das grandes surpresas a nível de interpretação é a da jovem Alice Braga, tão bonita e espontânea como tinha imaginado a Rapariga dos Óculos Escuros, quando li o livro. A actriz revela neste filme a sua evolução, acabando por tornar a sua personagem mais periférica, como uma das mais interessante do filme. Danny Glover, o Velho da Venda Preta, é, a par de Julianne Moore, aquele que detém uma das mais importantes personagens e por conseguinte, de maior importância. Naquele que parece ser um alter-ego de Saramago, o velho acaba por se tornar num elo entre a clausura e o mundo lá fora, durante o filme (facto que é ainda mais explanado no romance original). Curiosamente, a sua personagem é aquela que antes de ser cego já o era parcialmente; no entanto, é ele que abre os olhos do leitor para a realidade da sociedade humana, levando-nos a questionar tudo o que conhecemos como aceitável; assumindo no filme também o papel de narração nos momentos finais.

Das cenas mais marcantes do filme e que me emocionou foi sobretudo aquela em que as mulheres percorrem o corredor do manicómio, prestes a serem violadas, reveladores de uma enorme coragem. Também pela subtileza das emoções, é extremamente bonita a cena em que as mulheres carregam a que morreu durante as violações e num bonito gesto de altruísmo a limpam, antes de a enterrarem. Também, a cena do cão das lágrimas (apesar de não tão profunda e emotiva como no livro), acaba por nos conduzir à emoção imediata.

É incrível, como a fotografia do filme e a realização de Meirelles levam o espectador a aperceber-se como , em caso de cegueira colectiva, todas as estruturas sociais que conhecemos actualmente, deixariam de existir e/ou de fazer sentido, como o pânico e o temor se instalariam e como os instintos mais escondidos dos humanos seriam revelados, levando-os a agir quase como animais. Ao mesmo tempo acaba por revelar uma bonita história familiar e de como, sete pessoas, anteriormente desconhecidas, se tornam uma família. Uma nota: o final do filme é tão ou mais bonito do que imaginei quando li o livro.

Todo o filme é repleto de pormenores deliciosos, alguns deles apenas perceptíveis a quem leu o livro e isso acaba por se tornar um bónus para o leitor/espectador, que permite também que o filme não se torne uma desilusão para o mesmo. A banda sonora, a cargo dos brasileiros Uakti, é também digna de um Óscar. Meirelles conseguiu conjugar sons aparentemente desconcertantes e antagónicos do argumento, num belo complemento às cenas mais dramáticas e chocantes e mesmo às mais emotivas. Um rol de sons orgânicos e até primitivos, que se tornam numa das melhores bandas sonoras dos últimos anos, dignas de grandes compositores contemporâneos.

Repito, Ensaio sobre a Cegueira é sobretudo um filme inteligente e alegórico e, parafraseando Saramago, lamentavelmente a estupidez não escolhe entre cegos e não cegos. É claramente um filme chocante e violento, mas uma violência claramente justificada e diferente daquela gratuita que abunda por Hollywood, logo custa-me perceber as críticas que daquele lado surgem. Blindness é um grande filme, que faz jus ao romance e possuidor de um excelente trabalho de realização de Fernando Meirelles, num argumento que acima de tudo tenta consciencializar. Ensaio sobre a Cegueira trata sobre o egoísmo humano e sobre aqueles que mesmo vendo, não vêem.

Mamma Mia!

2008-11-22T01:48:00.000Z

Um dos filmes mais sobrevalorizados deste ano.

Mamma Mia! tinha muitos motivos para ser um bom filme: é baseado num dos musicais de mais sucesso do mundo com os sucessos dos ABBA como pano de fundo e possui um pequeno núcleo de grandes actores. Mas isso não chegou.

Mamma Mia! além de ser título de uma música dos ABBA , é também o título de um musical de teatro de Phyllida Lloyd. E à partida, pela constatação da realização deste filme, Phyllida Lloyd agarrou-se, mais do que era esperado, à teatralidade do argumento e isso, nem sempre resulta no cinema, tal como aconteceu neste caso. É um filme divertido, confesso, mas chega a roçar o ridículo, mais vezes do que o aceitável.

O que efectivamente chama à atenção e o que leva o musical a ser um dos maiores sucessos do ano e talvez o futuro maior sucesso de sempre em Portugal é o culto dos ABBA. Sendo um dos maiores fenónemos de sempre, os ABBA tiveram o seu boom nos finais da década de 70, início da década de 80, logo é perfeitamente compreensível que em Portugal, com uma população activa a rondar os trinta e os quarenta anos, tenha tido uma grande aceitação. E sendo o blockbuster que é, acabamos por ter de nos limitar ao entretenimento. Afinal, os eternos sucessos da banda são facilmente contagiantes e se não gostarmos de Mamma Mia! pelo conteúdo, pelo menos que gostemos pela banda sonora.

Mamma Mia! possui um bom elenco. Meryl Streep é de todos eles, a que mais se destaca, não só devido à importância da sua personagem, mas sobretudo devido à sua interpretação. Foi extremamente surpreendente a sua capacidade vocal, que não se fica atrás de algumas profissionais e a forma como interpretou as canções dos ABBA. Contudo, a interpretação de Donna Sheridan não foi das mais fantásticas da carreira da actriz, precisamente pelo histerimo associado à personagem e à caricata situação em si.

Do elenco masculino, sobressai-se Colin Firth, num papel extremamente cómico; a desilusão reside na interpretação de Pierce Brosnan cujos dotes vocais não andam nos seus melhores dias (mas isso não podemos exigir mais), mas sobretudo porque não se consegue distanciar da atitude típica de galã dos filmes de James Bond. Dos mais novos, destaca-se a interpretação de Amanda Seyfried, que apesar de ter um papel bastante infantilizado a meu ver, surpreendeu também pelo à vontade e pela qualidade vocal; contudo, Dominic Cooper deu-nos a pior prestação de todo o filme, com uma personagem monótona e uma interpretação patética.

Acima de tudo, a impressão que fica é que a narrativa cansativa de Mamma Mia! foi sobrevalorizada por saudosismos.

Pulp Fiction

2008-11-12T22:10:00.001Z

Um ícone dos anos 90 que deu a conhecer Quentin Tarantino como um dos realizadores mais rebuscados e experimentais de sempre.

Quando falamos em Pulp Fiction, falamos não só de um filme que arrebatou inúmeros prémios, mas falamos também de um ícone da cultura pop dos anos 90, que surge hoje seguramente entre o top 10 de grande parte dos cinéfilos. Pulp Fiction venceu o Grande Prémio de Veneza e foi nomeado a sete Óscares de Academia, vencendo o de Melhor Argumento Original.

Pulp Fiction será certamente das obras mais influentes do cinema e à partida a que teria dos argumentos mais simples. O filme retrata três histórias interligadas que seguem as desventuras de dois assassinos baratos (John Travolta e Samuel L. Jackson), da insinuante mulher do seu patrão (Uma Thurman) e de um desesperado boxeur em fuga (Bruce Willis). Contudo, o segredo reside na originalidade com que Quentin Tarantino o fez.

Não é das obras mais perfeitas da história do cinema, mas acabam por ser esse "ruído" do argumento que gera um dos melhores clássicos de sempre. Pulp Fiction não é fiel a regras, nem assenta em categorias ou géneros e isso transmite liberdade visual ao espectador. O filme é desafiante, transgride as regras do bom senso e do politicamente correcto, despertando o grito de rebeldia existente em todos nós.

Pulp Fiction apresenta diálogos tremendamente bem construídos, onde cada expressão é digna de nota, revelador da fantástica cultura pop do realizador. Cada cena consegue ser puramente desconcertante, com brilhantes interpretações por parte do elenco e sobretudo através da fotografia do filme. Cada cena, cada parte do guião, cada interpretação é recheada de referências à cultura violenta dos anos 90, com armas e drogas. E tudo isso despertou aquilo que hoje em dia nós chamamos de "cultura tarantinesca".

As personagens que mais se destacam em todo o filme acabam por ser Vincent Vega (John Travolta), Mia Wallace (Uma Thurman) e Jules Winnfield (Samuel L. Jackson). Não são personagens voláteis em conteúdo, muito pelo contrário. Destaque sobretudo para Uma Thurman, no papel de um mulher engenhosamente inteligente e sensual, que forma uma das melhor duplas do cinema, juntamente com John Travolta.

Uma nota em relação ao poster do filme: nunca um outro poster resumiu tão bem o cinema americano e a sua cultura pop como o de Pulp Fiction.

Pulp Fiction é claramente um filme à la Tarantino.

As Horas

2008-11-12T22:09:00.000Z

Um argumento potencialmente interessante, com um elenco de luxo, onde alguns são sobrevalorizados.

Estreado entre nós há cinco anos atrás, The Hours (As Horas) mereceu novo visionamento. Afinal, é por vezes, fora dos focos ou das polémicas que alguns filmes atingem o seu esplendor, quer seja por nos ser permitida uma reflexão maior ou por, simplesmente, nós próprios espectadores termos evoluído em personalidade e gostos.

As Horas é baseado num romance de Michael Cunningham com título homónimo e conta a história da escritora Virginia Woolf quando se encontra numa luta constante com o seu interior, ao escrever o seu primeiro grande romance. Esse romance vai inflenciar de alguma forma a vida de outras duas mulheres, uma dos anos 50, Laura Brown, que estando a passar por uma fase depressiva, lê o romance "Mrs. Dalloway" e considera-o tão revelador, que acaba por ponderar efectuar uma mudança devastadora na sua vida. Na actualidade, surge Clarissa Vaughan, a versão contemporânea da Mrs. Dalloway romanceada.

O filme acaba por nos iludir enquanto espectadores, afinal ele foi escrito, realizado e produzido cuidadosamente, de forma a agradecer uma audiência exigente de cinéfilos e de júris sedentos de argumentos sérios e respeitáveis. E se considerarmos isso dessa forma, o filme acaba por corresponder às expectativas. Contudo, se distanciarmos essa visão "oscarizada", se assim me permitem, o caso muda de figura.

O filme é, ao mesmo tempo, um filme de época e um filme moderno. É o passado que acaba por dominar a narrativa, com o tempo presente a funcionar como um epílogo de todo o argumento. E isso, por vezes, resulta numa série de cenas absolutamente dispensáveis e até enfadonhas. As Horas apresenta-se mais complexo, do que talvez o seja na realidade, surgindo em produto cinematográfico criado para ser intelectualmente estimulante, mas que não o consegue.

Afinal o filme acaba por ser uma mini-biografia de Virginia Woolf, especulando os motivos que a levaram a escrever "Mrs. Dalloway" e o que a conduziu ao suicídio? Procura, de certa forma, explorar a homossexualidade feminina em diferentes épocas? Aborda o desgaste que se cria durante a escrita de um livro ou procura mostrar que por detrás do indivíduo escritor encontra-se uma pessoa assolada por fantasmas interiores? No final de contas, acaba por se perceber que a narrativa entrecruzada de três histórias não foi feita para mais do que simplesmente surpreender razoavelmente o espectador, tornando-se em três pequenos argumentos em vez de todo um argumento lato?

Não sendo propriamente um filme de grande culto, o seu visionamento deve ser visto nem que seja, pelo menos, pela interpretação de três grandes divas de Hollywood: Nicole Kidman, Julianne Moore e Meryl Streep. Nicole Kidman ganhou o seu único Óscar de Melhor Actriz acima de tudo pela caracterização que foi necessária para a interpretação de Virginia Woolf, ao ponto de a deixar irreconhecível.

Contudo, é Julianne Moore que detém a melhor personagem e a que melhor trabalhou nesse sentido. Moore tem uma interpretação surpreendentemente boa, no papel de uma dona de casa depressiva e que poderia, contudo, ter caído nos clichés comuns. Felizmente, tal não aconteceu; valeu-nos a qualidade de uma actriz que, lamentavelmente, não recebeu o galardão da Academia, que lhe seria tremendamente justo.

Meryl Streep interpreta uma personagem que poderia ser interessante, mas que acaba por morrer demasiado em importância, devido ao argumento.

As Horas é um filme surpreendentemente bom em termos técnicos, mas que ao invés de nos trazer algo de notável, conforme se anunciou, terminou por nos apresentar uma revisitação de filmes do género.

“Dear Leonard, to look life in the face … always to look life in the face, and to know it for what it is. At last, to know it, to love it for what it is, and then … to put it away. Leonard … always the years between us, always the years … always … the love … always … the hours.

Capuchinho Vermelho - A Verdadeira História

2008-11-12T22:07:00.001Z

Deixa a desejar em termos técnicos, mas no seu conteúdo é um filme com uma história do Capuchinho Vermelho totalmente diferente daquela a que estamos habituados e com piadas bem concebidas e e inteligentes.

Capuchinho Vermelho - A Verdadeira História (Hoodwinked!) é um filme de animação de 2005, que revoluciona a tradicional história da menina e e do lobo mau. Desde Shrek, que surgiu no ano de 2001, que se tornou comum o hábito de parodiar os contos infantis e o filme aproveitou esse mote.

O filme de animação conta uma história moderna do Capuchinho Vermelho, ao melhor estilo policial, com um menina respondona, um lobo jornalista infiltrado, uma avozinha radical e um lenhador que... não passa de um actor. Depois das receitas de doces do bosque estarem a ser roubadas e do Lobo Mau ter entrado na casa da avozinha, o filme foca-se nos depoimentos das personagens, com o bónus de todas elas assentarem em perspectivas diferentes.

É verdade que à partida o filme desilude pela qualidade (ou falta dela) da animação. Não é um filme da Pixar e isso nota-se. As animações não são tão bem construídas e notam-se defeitos nos movimentos ou nas expressões das personagens, tal como no cenário. Mas vindo de uns estúdios praticamente desconhecidos na indústria da animação, podemos dizer que até não se saíram mal de todo.

O argumento é bastante divertido e inteligente. Ao início o espectador fica um pouco desconfiado, mas acaba por se deixar levar pela perspicácia e agilidade verbal e mental do Capuchinho Vermelho, longe da atitude inocente e submissa da tradicional. Aliás, esta Capuchinho Vermelho poderia ser qualquer criança moderna: inteligente, mordaz e bastante rebelde.

O Lobo Mau é outra personagem que surpreende. Longe de ser a personagem má da história, o Lobo Mau é afinal um jornalista infiltrado que tenta descobrir quem roubou as receitas dos doces. Afinal, tudo não passou de um mal-entendido e o Lobo não é tão mau como parecia.

A Avozinha também não é aquela a que estamos habituados. Ao invés de ser aquela velhinha indefesa, é uma senhora amante de desportos radicais e que mantém uma vida dupla, perante a sua neta.

Duas personagens suplementares e que marcam também o filme são o Sapo Inspector e o Bode, que nos trazem algumas situações caricatas e hilariantes.

O argumento tem como base a utilização de piadas inteligentes e nada ingénuas, ao contrário daquilo a que normalmente estamos habituados nos filmes de animação. Por vezes, o humor chega a ser mordaz e irónico, facto que actua como vantagem para o filme.

O ponto negativo é acima de tudo e além da qualidade da animação, a banda sonora. Pelo menos na versão portuguesa, as canções (algumas delas escritas pelo Gomo) têm músicas e letras rídiculas e que pouco se ajustam ao género de filme. É lamentável que um argumento divertido como este, tenha de ser manchado por estas canções.

A salientar, mais uma vez, é a qualidade da dobragem portuguesa (a que já nos tem habituado), que com vozes conhecidas de todos nós, nos divertem. O uso e abuso de interjeições cómicas e de várias pronúncias, incluindo a do Norte, tornam tudo ainda mais propenso a gargalhadas.

Hoodwinked! não é propriamente um filme para todas as crianças, pois apresenta uma série de piadas que não serão de fácil compreensão para os mais novos, mas poderá ser visto com o acompanhamento dos pais, especialmente para uma familiarização maior com as personagens. Um filme de animação série-B, mas que merece um visionamento mais atento, sem dúvida.

Ensaio sobre a Cegueira - José Saramago

2008-10-29T22:39:00.001Z

Influenciado pela recente adaptação do romance Ensaio sobre a Cegueira, de José Saramago, ao cinema e de toda a polémica que surgiu em seu redor, resolvi finalmente ler o mesmo. E se um dia as pessoas começassem a cegar? É a pergunta que o Nobel da Literatura nos coloca e o romance gira em torno desse mote.

Ensaio sobre a Cegueira será, a par de Intermitências da Morte, dos melhores livros de Saramago que já li. Saramago aborda o tema da cegueira de uma forma metafórica, conseguindo traduzir os sentimentos das personagens de uma forma muito verdadeira e real. O livro chega a ser agonizante, cruel, chocante e sufocantes, de tão intensos que são os relatos. Os ambientes são antagónicos à cegueira que é descrita no livro: soturnos, negros, decadentes e tristes, enquanto que esta cegueira não é comum, física ou literal. O mal-branco, como lhe chama o autor é, acima de tudo, o mal da alma, a cegueira do espírito e daqueles que vêem.

A escrita de Saramago isenta de grandes regras ortográficas e de pontos, mas com uma grande afluência de vírgulas, ajuda a respirar e viver as personagens, fazendo com que através de uma linguagem e discurso correntes, os acontecimentos sejam descritos de uma forma rápida e vertiginosa, levando-nos como que a cegar com eles. O autor não deu nome à cidade, ao país, não datou os acontecimentos, nem sequer deu nome às personagens, deixando-nos cegos, tão confusos quanto eles. Afinal, num mundo de cegos, para que servem os nomes? As personagens são dadas a conhecer pelas suas características ou situações; pois temos "o primeiro cego", "a mulher do médico", "a rapariga dos óculos escuros", "o velho da venda preta", "o médico" ou o "rapazinho estrábico".

O relato de Saramago acaba por incendiar a nossa mente, revoltando o nosso pensamento com quadros mentais de tudo o que se passa naquele país imaginário. É incrível apercebermo-nos como todas as estruturas sociais que conhecemos actualmente, deixam de existir e/ou de fazer sentido, como o pânico e o temor se instalam, como revela os instintos mais escondidos dos humanos, levando-os a agir quase como animais. Contudo, por uma razão absolutamente inexplicável e da qual também não se quer explicação, "a mulher do médico" não cegou e acaba por se tornar uma guia de todo o grupo: física e moral. Podemos comparar esta a outra personagem também imaginada por Saramago, desta vez O Memorial do Convento: Blimunda Sete-Luas. Ambas vêem aquilo que os outros não vêem, ambas são capazes de discernir o âmago humano e acima de tudo, ambas encontram-se num dilema: estarão abençoadas ou amaldiçoadas pela visão?

Por outro lado, também a personagem do "velho da venda preta" acaba por se tornar um elo importante no livro, pois apesar de antes de ser afligido pela cegueira, conseguir ver apenas através de um olho, é ele que numa fase inicial se torna o mensageiro entre o que se passa no manicómio onde estão de quarentena e o mundo real, lá fora. É ele que abre os olhos do leitor para a realidade da sociedade humana, levando-nos a questionar tudo o que conhecemos como aceitável.

O livro é de tal forma envolvente que passamos as linhas a evitar pestanejar, não vamos nós ficar cegos ou simplesmente perder a noção do que vemos. Ensaio sobre a Cegueira é, acima de tudo, um livro sobre o egoísmo humano e sobre aqueles que mesmo vendo, não vêem.

Nneka - Casa da Música, Porto

2008-10-29T01:27:00.001Z

Sendo a segunda vez que a jovem cantora nigeriana, Nneka, vinha a Portugal (a primeira foi no festival Sudoeste), era com alguma curiosidade que no dia 27 de Outubro me dirigi para o seu concerto na Casa da Música, Porto.

Nneka é mais que uma cantora. Nneka é uma voz política e de intervenção, que faz mais do que mostrar a sua música e foi dessa forma interventiva que a cantora se mostrou durante todo o concerto. De aspecto aparentemente singelo, com ar de menina rebelde, Nneka surgiu no palco da Sala 2, da Casa da Música, pequeno auditório, dado a este género de espectáculos. Sendo mais do que possuidora de uns dotes vocais invejáveis, Nneka canta as suas músicas, quase que seguindo um ritual de explicação das mesmas. E é nisso que Nneka difere de outras cantoras soul: a jovem nigeriana conseguiu criar um ambiente de convívio entre o público, mantendo uma conversa divertida e por vezes emotiva.

Nneka apelou diversas vezes para temas como a tolerância e o amor, sendo digna de nota, a altura em que, descrevendo o amor de forma bastante completa, a cantora sugeriu que todos "comessem amor, digerissem amor e... cagassem amor" (segundo palavras da própria). E o curioso é que nada disto foi dito com tom de malícia, como que sabendo de antemão que iria dizer algo chocante para alguns. Nneka fala como uma criança, de coração e mente abertos, mas com uma consciência social e política madura e acima da média. A cantora não se coibiu falar sobre os problemas de corrupção existentes na Nigéria, especialmente devido à exploração abusiva de petróleo no delta do rio Níger, local onde nasceu e cresceu.

A nigeriana não é dada a grande exposição pública, sendo que raras vezes se expunha a grandes planos ou focos, como que estando constantemente no seu pequeno mundo, tentando sentir e sofrer a sua própria música. Nneka deu primazia, sobretudo aos membros da sua banda, aos quais se notava que possuía uma grande intimidade.

Detentora de uma voz inconfundível, Nneka surgiu maioritariamente com temas do álbum No Longer At Ease, mas também nos brindou com muitos bons temas do seu disco de estreia Victim of Truth. À banda, composta por um baixista, um teclista, um baterista e um guitarrista, nota-se que lhe é permitido explorar a sua criatividade momentânea, havendo espaço para frequente improviso. Durante aquilo que se pode considerar um intervalo, momento este em que Nneka abandonou o palco, houve lugar para um tema cantado pelo próprio teclista. O improviso notou-se também pelo alinhamento, que não era rígido, mas que ia surgindo e sendo escolhido pela cantora, à medida da ocasião. Temas como Gipsy, The Uncomfortable Truth (que em bom português popular basicamente significa "faz aquilo que digo, mas não faças aquilo que faço"), Confession, o acústico Come With Me fizeram parte desse mesmo alinhamento.

Uma das surpresas da noite aconteceu quando Nneka e a sua banda nos brindaram com novo tema, ainda não editado e composto há cerca de um mês durante a sua digressão. Este tema, de carácter forte, assenta nas raízes do reggae, do soul, com uma grande noção de ritmo latino, quem sabe até flamenco. Suffri, Heartbeat, Beatiful e Níger Delta foram, seguramente, dos temas que trouxeram momentos mais marcantes, durante este espectáculo. Por fim, o concerto esteve para fechar com Lord of Mercy, um tema mais virado para a reflexão e meditação, uma oração de agradecimento a Deus, facto que Nneka não deixou de frisar. No entanto, Nneka ainda regressou ao palco para um encore onde cantou o tema Focus. E foi com esse mote, de mantermos a nossa mente e coração focados continuamente no nosso objectivo, que a cantora deixou o público portuense, com a certeza, sobretudo, que nos brindou com uma grande noite de música soul, hip-hop e reggae.

A Casa Quieta, de Rodrigo Guedes de Carvalho

2008-10-28T20:51:00.001Z

A Casa Quieta é um romance do jornalista e escritor Rodrigo Guedes de Carvalho. O livro apresenta uma história de silêncio e de solidão. Do modo como a solidão pode ser vivida no vazio de uma casa, num relacionamento ou na morte de alguém.

A Casa Quieta não é um romance de fácil leitura, faltam por vezes encadeamentos lógicos na maneira de expor aquilo que pensa, somos forçado a entrar na mente do escritor, pensar como ele pensa, ver como ele vê. Acima de tudo, Rodrigo Guedes de Carvalho, tem neste livro, uma escrita cerebral. O livro toca a temática da inevitabilidade da morte, assunto tantas vezes focado na literatura, de uma forma agonizante e por vezes cruel. Estando a casa quieta durante toda a história, as personagens num processo contínuo de analepses e prolepses entram em dor, com recurso aos temas do cancro, morte, adultério.

A Casa Quieta é um livro desassossegado, que nos recorda que as memórias não trazem consolo, nem sempre a recordação significa quietude e calma. É uma escrita que consome a mente e dificulta o pensamento, como que sendo inebriante pela (pouca) fluidez das palavras.

Não sendo um mau livro, depende do estado de espírito.

Loving Annabelle

2008-10-27T21:50:00.001Z

Um argumento que podia ir mais longe, mas que teve medo de arriscar.

Loving Annabelle é um filme de 2007, que não estreou nem deve estrear em Portugal, mas que já se encontra no circuito de alguns clubes de vídeo. O filme aclamado no circuito LGBT europeu, conta uma história de amor entre uma professora de um colégio católico muito rígido (sendo isto uma redundância), Simone Bradley (Diane Gaidry) e uma nova aluna rebelde, Annabelle (Erin Kelly).

A história é claramente previsível em todos os momentos do argumento. E é nessa parte que o espectador acaba por lamentar que se perca algo que poderia ser intenso e explorar as profundezas dos sentimentos humanos. Katherine Brooks (Finding Kate) tenta pôr em causa e colocar para julgamento os sentimentos indomáveis de uma mulher madura e de uma adolescente. Até que ponto é isso reprovável? Deverão os meios justificar os fins? Poderá uma mulher renegar os dogmas que lhe foram impostos e aceitar um amor mais complexo do que aquele que lhe é apresentado? Conseguirá uma mulher vencer as suas batalhas interiores ou deixar-se-á levar por elas? Tudo isso é posto em causa no filme, mas poderia ter ido mais fundo, ao real âmago da questão.

Loving Annabelle poderia ter sido mais polémico se as interpretações assim o permitissem. O filme não mostra, com medo de chocar, o filme sugere de uma forma simpática e acessível, renegando assim o seu conceito primitivo. A isto não ajuda a interpretação de Diane Gaidry, que não consegue demonstrar emoções e muito menos transmiti-las ou transpô-las para a personagem de Simone. Cenas que poderiam ter sido marcantes, acabam por ser um rebuliço de factos banais, que não chegam sequer a ser concretizados.

O melhor em Loving Annabelle acaba por ser a prestação de Erin Kelly, uma jovem actriz, que sendo possuidora de uma beleza simples, acaba por transmitir algo enigmático para a sua personagem, permitindo assim expor melhor a polémica questão do homossexualismo, da diferença de idades ou da ética num relacionamento professor/aluno.

O final do filme é a única parte que realmente transmitir algum vigor e energia ao argumento, mas que não é explorado, perdendo-se assim abruptamente. Loving Annabelle apesar de não ser um filme de qualidade, acaba por ser um guilty pleasure, devido à história que assim transporta.

Juno

2008-10-19T21:39:00.001+01:00

Uma comédia dramática amadurecida e surpreendentemente inteligente.

Juno foi aclamado como uma das grandes revelações do cinema, em 2007. Provavelmente agora percebo o porquê. Juno fez a mesma coisa com o cinema de comédia, que Miss Little Sunshine fez um ano antes. Juno é uma retrato sobre figuras típicas americanas, contudo sem ser comercial e imbecil. O filme é despretensioso na forma como aborda o tema da adolescência e da gravidez precoce, sem cair nos típicos clichés dos filmes americanos.

Juno mereceu garantidamente o Óscar de Melhor Argumento Original e isso é devido à escrita de Diablo Cody. Diablo Cody teve uma estreia de ouro, com uma apresentação irreverente e, ao mesmo tempo, consistente. Juno é sofisticado e independente, algo que é difícil actualmente. De uma forma subtil e inteligente, facilmente largamos os conceitos estereotipados da gravidez na adolescência e comovemo-nos, sem recorrer à "lamechiche" banal de outros argumentos. Este argumento original não cai nas tendência moralistas actuais, nem tenta abordar a ética das barrigas de aluguer, do aborto ou da adopção. Não, nem sequer tenta e nisso está de parabéns.

Jason Reitman deve ser parabenizado também pelo seu trabalho na realização do filme. Juno é um filme de adolescentes, extremamente genuíno, onde Reitman revela maturidade no desempenho atrás das câmaras.

Não podemos, contudo, excluir a prestação da jovem Ellen Page. A actriz releva grande carisma, no desempenho de uma personagem difícil, como o de uma adolescente grávida, escapando aos modelos redutores da sociedade. Ellen Page apresenta uma singela interpretação, conseguindo ser, ao mesmo tempo, irreverente e doce. Outra surpresa do elenco é Michael Cera, na interpretação de um jovem, que aparenta ser um qualquer conhecido jovem na adolescência. Uma mente complexa e tímida: Michael Cera consegue-o ser parecer estúpido.

Contudo, a história é centrada em Ellenn Page e a sua interpretação consegue ofuscar a presença de grandes figuras, como Jennifer Garner, que mesmo assim, consegue fugir ao padrão que estávamos acostumados a ver em A Vingadora.

Juno é arrebatadoramente inteligente e ganha pontos pelo facto de ser experimental, num género cómico-dramático ainda pouco explorado.

O Acontecimento

2008-10-12T19:46:00.001+01:00

Tendo estreado em Portugal há precisamente quatro meses, é no seu rescaldo que O Acontecimento acaba por ganhar o seu mérito; algo típico nos filmes de M. Night Shyamalan, que melhoram a cada visionamento.

As vozes levantaram-se contra, como já habitual desde O Sexto Sentido e Sinais. Aliás, os filme de Shyamalan geram tudo, menos opiniões consensuais e The Happening (O Acontecimento, em Portugal) é um exemplo disso. O Acontecimento é um filme que assenta em boas premissas. O filme propriamente dito relata um estranho fenómeno que retira às pessoas a capacidade de auto preservação, resultando em suicídios em massa. Se inicialmente as suspeitas recaem sobre o terrorismo, cedo todos se apercebem que o "inimigo" tem afinal origens bem diferentes.

M. Night Shyamalan apresentou um conceito divergente e ao mesmo tempo inteligente. A ideia apocalíptica de confronto entre o Homem e a Natureza e de carácter imprevisível surge precisamente num momento em que a população mundial encontra-se preocupada com os danos ambientais causados pela Humanidade e em que todos falam em grandiosos e graves acontecimentos para o Planeta Terra. Outra ideia que acaba por jogar com o espectador é o típico medo terrorista, no rescaldo do 11 de Setembro e que acaba por levar à consciência social.

Além disso, O Acontecimento apresenta um início bastante bom, levando a cena da "chuva" de operários no prédio em construção a poder ser considerada como uma das melhores deste ano. A primeira meia hora de filme é realmente uma mostra de um bom argumento e de uma boa realização. Para muitos, a partir daí, começa a tornar-se entediante, apesar disso. O porquê é simples. Os filmes de Shyamalan concentram-se numa narração lenta que, no entanto e a meu ver, é isso que os tornam especiais.

Contudo, devo concordar que a dada altura, o filme revela as suas deficiências, não a nível de argumento, mas de realização. Existem cenas que eram absolutamente dispensáveis e que, por vezes, se tornam absolutamente ridículas. E isso é curioso, pois num argumento e numa história diferente seriam ideias tremendamente boas. Exemplo disso é a cena da casa-modelo, onde tudo é de plástico e falso ou as cenas que incluem as reacções esquizofrénicas da velha senhora que lhes oferece abrigo por uma noite. Cenas que incluídas na história de O Acontecimento se tornam inconvenientes e ridículas, mas que a título independemente formariam um bom novo argumento. Penso que isso revela o carácter imaginativo e o turbilhão de ideias que se formam constantemente na mente de M. Night Shyamalan, levando àquilo que a actual crítica tanto questiona no argumentista e realizador.

O ponto mais negativo no filme são as interpretações e isso torna-se lamentável. À partida o cabeça de cartaz Mark Wahlberg (nomeado para o Óscar de Melhor Actor Secundário pela sua interpretação em The Departed) soaria a qualidade, mas não é isso que acaba por acontecer. Não sentimos a presença de Wahlberg praticamente ao longo de todo a história, nem um fio condutor em toda a sua interpretação e, no entanto, o papel de um cientista, parecia assentar perfeitamente no actor. Outro bom actor mas que acabou por não ter tempo de revelar o seu desempenho foi John Leguizamo, pelo seu desaparecimento precoce da tela. No limite surge Zooey Deschanel que se torna numa interpretação absolutamente irritante, devido à sua expressão desproporcional e fraco dramatismo.

O Acontecimento é uma boa história, assente em boas premissas, mas que contudo lhe faltou uma série de coisas, que acabaram por se tornar em pontas soltas. No entanto, não é isso que tira a genialidade ao argumento.

Pecados Íntimos

2008-10-07T01:03:00.000+01:00

Baseado no livro homónimo de Tom Perrota, Pecados Íntimos revela os segredos ocultos dos subúrbios americanos e de pessoas que, devido às suas atitudes, mais se assemelham a pequenas crianças.

Pecados Íntimos foi uma das grandes revelações cinematográficas de 2007. Nomeado para 3 Óscares (Melhor Actor Secundário, Melhor Actriz Principal e Melhor Argumento Adaptado), o filme é absolutamente sublime na forma como expõe temas como a perversão e pornografia, o adultério, a raiva incontrolada, a pedofilia e a hipocrisia numa sociedade aparentemente perfeita. Acima de tudo, brilha por conseguir abordar estes assuntos, sem cair em moralismos ou sem recriminar as personagens, enquanto estereótipos de defeitos.

Little Children não recorre a artifícios como a fantasia para revelar todo o seu conteúdo, faz uso absoluto, acima de tudo, dos personagens e do narrador enquanto veículo de sensações, pensamentos e sentimentos. E talvez seja esse o único ponto em que o filme pode fraquejar: na narração, que pode condicionar o espectador ou facilitar a escuta activa do mesmo, dando-lhe a conhecer de imediato o pensamento, antes de o conseguirmos vislumbrar na interpretação do actor.

Falando em actores, temos aqui duas grandes interpretações: Kate Winslet que consegue, notavelmente, transmitir a tristeza no olhar de uma dona de casa que vivem sem paixão, mas ao mesmo tempo numa mulher ardente de paixão e Jackie Earle Haley, que afinal talvez detenha a maior e melhor interpretação do enredo. O pedófilo que afinal é tão dependente da mãe, acaba por ser tão assustador por vezes, como patético e deprimente e nisso Haley está de parabéns. O ponto negativo das interpretações reside na de Jennifer Connely: além da sua grande beleza, a sua personagem tem pouco enfoque, naquilo que podia ser mais uma grande actuação no filme. Vemos assim o talento de um Óscar de 2001, desperdiçado numa pequena participação.

Little Children é interessante na medida em que mostra como Brad (Patrick Wilson) e Sarah (Kate Winslet) são tão pouco conformistas no que diz respeito aos seus papéis dentro de cada uma da sua família, mas ao mesmo tempo tão comodistas no papel que desempenham: sem o saberem, nunca ganharam a maturidade que se quer num relacionamento, não passando aquilo de uma paixão de adolescentes.

Contudo, o filme acaba por não ser tão genial quanto a obra original, nem sei se, realmente, era isso que se pretendia. O livro acaba por explorar outras vertentes secundárias, como a profissão de Kathy, o divórcio de Larry, a solidão de Jean, os dilemas morais e um possível homicídio cometido por Ronnie e a perversão sexual de Richard. Existem ainda outros pormenores deliciosos no filme, que apenas se percebem na sua plenitude através da leitura do livro. No original, o fato de banho vermelho, por exemplo, é o principal motor da auto-confiança de Sarah: escolhido dentre uma série de fatos de banho escolhidos por catálogo, aquele foi o que, após muitas provas, o que melhor lhe ficou. Além disso, o vermelho é associado a risco, fogo, paixão, pecado; factos estes que são muito melhor explorados no livro. Outra curiosidade é a cena em que no jantar entre os dois casais (Brad e Kathy, Richard e Sarah), Kathy deixa cair o garfo, na súbita esperança de ver os pés dos amantes tocarem-se e vê-se subitamente surpreendida pelo verniz azul das unhas dos pés de Sarah. Esse verniz é o culminar da mudança em Sarah: depois de uma vida inteira sem se sentir amada pelo seu marido, Sarah desleixou-se na aparência e é esse verniz uma das poucas coisas que encontrou para se arranjar, para se sentir feminina de novo.

Talvez, a grande melhoria em relação à história do livro seja o final dado à personagem de Jackie Earle Haley, que no filme assume um impressionismo maior, numa tentativa de ser "um bom menino".

Pecados Íntimos é um filme pesado (talvez mais que o livro, que explora um pouco mais o humor negro) e que, ao mesmo tempo, conduz o espectador à reflexão, num argumento bastante marcado pelo cunho de Todd Field.

Crítica relacionada: Pecados Íntimos - O Livro

Cashback - Bem-vindo ao Turno da Noite

2008-10-03T21:37:00.000+01:00

Cashback é poesia surrealista elevada a argumento para cinema.

Cashback tem todos os trunfos para ser um filme de culto. O filme britânico assenta numa narrativa tremendamente profunda, num longo monólogo do protagonista, que não chega nunca a ser cansativo.

Grande parte do argumento debruça-se sobre o tempo; aliás, toda a teoria da relatividade encontra-se descrita no filme, de uma forma muito mais surrealista e menos pragmática, claro está. Quando Ben (Sean Biggerstaff) acaba o seu namoro, percebe que o dia é muito maior do que julgava e, sem conseguir dormir, resolve aproveitar essas horas para trabalhar num supermercado: exactamente no turno da noite. "You give 8 hours...They give you money", é essa a mentalidade geral.

A partir daí, tudo se desenvolve numa bela história de amor, algo dramática, algo cómica, a pender para o surrealismo. Através de frequentes paragens do tempo, focamo-nos na mentalidade de um artista (consegue ver a beleza nas coisas mais naturais e banais da vida) que colmata as horas de tédio, a pintar corpos desnudos no supermercado.

Cashback - Bem-vindo ao Turno da Noite é certamente dos argumentos complexos, mais instruídos e ricos do cinema, nos últimos tempos e pena que não tenha tido grande visibilidade no nosso país, tendo estreado dois anos depois da estreia oficial. O argumento abarca toda uma intensa psico-fisiologia feminina e um quociente emocional riquíssimo de um jovem, que compreende que o amor surge entre uma fracção de dois segundos.

Sean Ellis actua aqui, enquanto realizadora, como uma artista recheada de comportamentos artísticos e criativos, em amplas metáforas filosóficas. As interpretações são surpreendentemente boas: Sean Biggerstaff supera talvez a amplitude de todas as outras. Mas também, a jovem Emilia Fox acaba por revelar-se uma co-protagonista à altura, numa duvidosa mistura de beleza/simplicidade, que enriquece ainda mais o argumento.

O tempo é o rei nesta longa metragem, onde o amor se conjuga perfeitamente. Citações como "Uma vez quis saber o que o amor era. Amor é aquilo que queres que seja. Apenas tens de ver que ele está embrulhado em beleza e escondido algures entre os segundos da tua vida. Se não parares por um minuto, talvez o percas" , "A má notícia é que o tempo voa... A boa notícia é que tu és o piloto" ou "Ela apanhou o segundo errado, numa história de dois segundos" são algumas boas expressões do enredo do filme.

Cashback apresenta uma história mais assente no argumento escrito, do que propriamente nas imagens, tornando tudo num enorme colírio para os olhos e música para os ouvidos, num guião que podia facilmente tornar-se num livro. Conclui com um final dedicado ao amor...

Nome de Código: Cloverfield

2008-09-29T16:30:00.005+01:00

Cloverfield foi dos primeiros filmes a empenhar-se num sub-género específico: a perspectiva de uma câmara amadora. Talvez esse seja o seu único grande interesse.

Nome de Código: Cloverfield já estreou em Janeiro 2008 no nosso país e foi um sucesso de crítica e bilheteira.

J. J. Abrams, criador de séries de sucesso, apresentou-se como um excelente produtor deste filme envolto em secretismo e engrandecido com fantásticas campanhas de marketing. Aliás, muito do argumento reflecte conceitos e potenciais já revelados pelo produtor, em séries como Alias, Lost e a recentíssima série Fringe.

Pode-se considerar que Cloverfield ressuscitou o género "filmes de monstros", acabando por copiar o conceito Godzilla. Argumento à parte, o conceito (inovador ou não) é a parte mais interessante do mesmo e nisso Matt Reeves tem um papel preponderante. Reeves incentiva o género filme amador, trazendo-nos perpsectivas exteriores às comuns, essencialmente a do cameraman, que nunca acaba por focar o monstro em pleno, ao contrário do muitas vezes desejado. E é nisso que assenta a curiosidade do filme.

Os primeiros vinte minutos, meia-hora de filme são o grande ponto fraco do mesmo. Apesar de se compreender que era necessário um enquadramento a nível humano e social, acaba por se tornar num filme que não exige grande reflexão além do componente visceral e apocalíptico que nos é apresentado. As memórias captadas pela handycam acabam por se tornar, no início, uma espécie de revivalismo ao cenário do 11 de Setembro e nesse sentido, sensibilizam o espectador.

Contudo, o filme acaba por não nos trazer nada de novo. Além de um punhado de sequências de suspense interessantes e do facto de nos pôr no lado dos protagonistas, sem saberem mais do que é revelado (ao contrário da maioria dos filmes, não tem uma narração omnisciente), assenta na banalidade.

Um dos pontos a favor serão mesmo, após os créditos finais, da fantástica peça musical da autoria de Michael Giachinno e da perspectiva de uma sequela, assente no ruído que se ouve "It’s still alive" . O que nos mostra isto? A sequela assentará na perspectiva de outrem, num dos muitos personagens que corria com câmaras e telemóveis? Trará pontos de vista mais informados? Resta-nos esperar.

The L Word - Primeira Temporada

2008-09-29T14:41:00.000+01:00

The L Word é das séries dramáticas mais despudoradas dos últimos anos. Estreada em 2004, a história gira em torno de um grupo de amigas lésbicas e tudo o que isso implica.
A Letra L (como é conhecida em Portugal) apresenta um argumento absolutamente genial no que toca a relações humanas. Sem preconceitos e pudores, é-nos colocado o dilema da bissexualidade, das relações lésbicas entre amigas, do preconceito e das relações a três ou mais, entre outros.
Interpretações excelentes a de Karina Lombard (que interpreta Marina, uma mulher tremendamente sensual, culta e austera que faz outra personagem “sair do armário” e acabar com o seu noivado) e Mia Kirshner (que faz de Jenny, uma escritora, com cenas absolutamente fantásticas e que tem as suas primeiras relações lésbicas).
Katherine Moening (Shane) é das personagens mais interessantes de toda a série, mas que nesta temporada não um papel assim tão relevante. O seu principal forte enquanto personagem é a constatação das relações promíscuas e sem compromissos, entre algumas lésbicas.
De todos os episódios desta primeira temporada, o melhor é o último (1×13), que nos apresenta tão bem a dualidade de reacções/atitudes entre Tina (Laurel Holloman) e Bette (Jennifer Beals) [dominadora/dominada] e a enorme tensão sexual existente entre Bette e Candance (Ion Overman), que transfigura a relação entre o casal anterior.
Definitivamente uma série genial nas metáforas e nos conceitos que apresenta.

Não te Metas com o Zohan

2008-09-25T01:17:00.002+01:00

Uma sátira à Mossad, que cai no exagero de tão disparatada.

Adam Sandler (Mr. Deeds e A Minha Namorada Tem Amnésia) prometia juntar mais uma boa comédia à sua lista. Não é que o filme You Don’t Mess with the Zohan tenha sido uma má ideia para um filme (pelo contrário), mas talvez não tenha sido de todo bem concretizada.

Não te Metas com o Zohan conta a história de um contra-terrorista israelita (com poderes ridiculamente sobre-humanos), que cansado da guerra, finge a sua morte e foge para os Estados Unidos da América para seguir o seu sonho de ser cabeleireiro. Sob o nome falso de Scrappy Coco, consegue emprego num cabeleireiro palestiniano, onde aprende a viver o chamado Sonho Americano.

O filme assenta na premissa do politicamente incorrecto e nisso fá-lo bem, contudo acaba por satirizar o conflito israelo-palestiniano, com tantas piadas estereotipadas (e por vezes privadas) que acaba por prejudicar o seu próprio impacto junto do público. Dennis Dugan consegue, ao mesmo tempo, amenizar todo o impacto negativo que essa sátira poderia trazer no interior da comunidade referenciada, pela lição moral que no fundo transporta: a paz e o convívio harmonioso entre todos.

Em jeito de conclusão, You Don’t Mess with the Zohan é o típico filme “mais olhos que barriga”: proclama mais do que realmente mostra. O filme acaba por cair na repetição e privilegia o humor banal, com demasiadas piadas de cariz sexual, que chegam a cansar o espectador. Um argumento descontraído, mas claramente vulgar.

Futurama: The Beast with a Billion Backs

2008-09-18T23:43:00.000+01:00

Mais uma vez, neste segundo filme da série Futurama, tudo não passa de um grande episódio. Infelizmente, o argumento cai na repetição.

Futurama: The Beast with a Billion Backs é o segundo filme produzido após o cancelamento da série em 2003. O argumento gira em torno da tripulação da Planet Express que, desta vez, precisa reconstruir a paz entre o seu universo e outro, habitado por um extra-terrestre com tentáculos do tamanho de um planeta. Usando os seus poderes, o alienígena controla Fry, a ponto de ele se tornar o líder de uma religião que convence as pessoas a abandonar a Terra e a mudarem-se para um pseudo-paraíso celestial, deixando o planeta Terra para os robôs.

A parte positiva deste segundo filme é que faz ligação com o primeiro (Futurama: Bender’s Big Score), a ponto de explicar o que aconteceu depois de se ter criado uma enorme fissura no Universo, depois das longas viagens de Bender através do tempo.

A parte negativa é a repetição. Futurama: The Beast with a Billion Backs torna-se menos interessante que o primeiro filme, acabando por se tornar um episódio gigantesco da série. Pontuado por algumas (poucas) piadas geniais, o humor demora a interiorizar-se no espectador, com demasiadas piadas internas, referente aos criadores da série. Estas contínuas auto-referências acabam por sufocar o argumento e todas as outras piadas inteligente, levando o espectador à exaustão ao fim de meia-hora de filme.

Estará Matt Groening a cair nos mesmos erros que levaram ao cancelamento da série?

Micro Audio Waves - Cinema Batalha, Porto

2008-09-06T12:50:00.000+01:00

Os Micro Audio Waves são já um caso de sucesso no panorama da música nacional e internacional. um ano de agenda bastante completa, a banda composta pela vocalista Cláudia Efe, o guitarrista Flak (Rádio Macau) e Carlos Morgado (mais dado à componente digital) deu um concerto@optimus no dia 5 de Setembro , no Cinema Batalha, Porto.
Conhecia muito pouco da banda, limitando-me apenas ao conhecimento de uma ou duas músicas mais célebres. O auditório acolhedor recebeu a banda pouco mais tarde que a hora marcada, com Cláudia vestida de uma forma retro, apresentado a sua imagem de marca: vestuário vermelho, contrastante com a sua farta cabeleira loura. O impacto foi forte pois a postura que apresenta em cima do palco é bastante ousada, energética e ao mesmo tempo melancólica, invadindo todos numa onda muito alternativa e electrónica.
Tirando algumas músicas que não me renderam ao som, por vezes alucinado, da banda, os Micro Audio Waves deram um bom concerto dentro do género. Foi difícil, a início, convencer o público. Contudo e muito devido a músicas como Down by Flow (vencedora do prémio Qwartz, para melhor música de dança) e Shadow of Things, o público rapidamente se animou.
Micro Audio Waves apresenta um som direccionado para várias vertentes e, apesar de lhes podermos atríbuir o “rótulo” de rock alternativo, experimental e electrónico, será limitado devido à diversidade de géneros e temas que se cruzam no seu trabalho. O som da banda é rico e diverso, dentro do género electrónico, permitindo aos fãs, uma grande aceitação do mesmo.
O concerto primou pela diferença e além do trio inicialmente referido, a banda também contou com Francisco Rebelo no baixo e Fred na bateria. Os Micro Audio Waves convidaram para abrilhantar a noite, nomes de prestígio a nível nacional como DJ Ride, The Legendary Tiger Man e Rui Reininho.
Um dos pontos altos da noite foi quando a banda tocou uma cover dos velhinhos Suicide, juntamente com The Legendary Tiger Man e a ritmada Fully Connected (a minha preferida) com o sempre bem disposto e homem de espectáculo, Rui Reininho.
Uma noite alucinante e algo curiosa, mas um som que não é de todo de se descartar, tanto que os temas do albúm gravado em estúdio, não soam nada mal. Certamente, um projecto que crescerá dentro do género.

http://www.myspace.com/microaudiowaves
http://www.microaudiowaves.com/

WALL-E

2008-09-03T16:45:00.006+01:00

WALL-E é o mais recente filme da Pixar, à qual pertence o sucesso de outros filmes de animação como Toy Story (1995), Uma Vida de Insecto (1998), À Procura de Nemo (2003), The Incredibles (2004), Carros (2006) e Ratatui (2007).
A história é completamente diferente de todas as histórias dos filmes de animação: WALL-E pretende transmitir uma mensagem urgente de salvação do nosso planeta.
Há 700 anos, os humanos abandonaram a Terra porque esta perdeu os requisitos para conter matéria viva. Para trás, ficou apenas WALL-E, um pequeno robô muito curioso cuja função é fazer cubos de lixo. WALL-E sente-se sozinho até ao dia em que chega a bela Eve, uma robô muito sofisticada que tem uma missão muito especial: averiguar se as condições na Terra já voltaram, entretanto, a ser propícias ao seu "re-povoamento". WALL-E fica encantado com Eve - no fundo, vê nela uma luzinha forte de amizade -, mas a missão da robô ainda não tinha terminado e, por isso, esta teve de voltar ao Espaço para contar aos humanos que a hora pela qual há tanto esperam pode estar perto. WALL-E, no entanto, não desiste e persegue Eve pela galáxia, numa divertida aventura.

Este é mais um filme de sucesso da Pixar que, pessoalmente, nunca me desiludiu - a Pixar tem muito para dar e fez, até agora, um trabalho formidável, preocupando-se não só com os aspectos gráficos mas também com as mensagens a transmitir. A história de WALL-E é bastante forte: afinal, hoje em dia, as mensagens ambientais nunca são demais.

Tiago Bettencourt & Mantha - Noites Ritual Rock, Porto

2008-08-30T11:53:00.003+01:00

No dia 29 de Agosto foi o primeiro dia da edição de 2008 das Noites Ritual Rock, já típicas na cidade do Porto. Apesar de outras bandas que integraram o cartaz do primeiro dia, o único concerto a que assisti foi o de Tiago Bettencourt & Mantha.

O público era bastante ecléctico e pouco participativo ou não fosse este um festival gratuito no Porto. Contudo, este facto não impediu Tiago Bettencourt de dar um concerto energético, dando grande uso à sua guitarra eléctrica. Quase todos os temas tocados foram do seu álbum a solo, O Jardim, com especial referência para O Labirinto ou Os Dois. Pontuado com alguns problemas técnicos, o concerto correu sem grande participação do público a não ser algumas palmas “espontâneas” quando Tiago tocou O Labirinto, um tema mais ritmado. Um dos pontos altos do concerto foi quando tocou a bonita música O Campo, ao piano, com direito a um solo de guitarra de Tiago Maia.

Surpresas foram poucas neste concerto, que acabou por ser bastante curto em termos de alinhamento, mas os fãs de Tiago Bettencourt e dos Toranja tiveram ainda direito ao tema Laços (que levou a alguma euforia por parte do público) e o tema Fome (Nesse Sempre), com a participação especial de Sam The Kid e do seu já comumente conhecido improviso.

Um concerto fraco, especialmente devido ao público em questão e não à prestação de Tiago Bettencourt e dos Mantha.

Get Smart - Olho Vivo

2008-08-27T14:17:00.003+01:00

Dificilmente superará a originalidade da série Olho Vivo e, mesmo estando longe de ser uma obra-prima, o filme consegue cumprir o fim a que se propôs: entreter o público.

Get Smart - Olho Vivo é baseada na série de sucesso dos anos 60, com título homónimo e conta a história da eterna batalha entre a CONTROL (sede da agência de espiões americanos, aparentemente extinta) e a KAOS (sindicato do crime organizado).

Steve Carell (The Office, Little Miss Sunshine) surge agora no panorama do cinema de comédia como o homem do momento, satirizando a si próprio e, neste caso, os filmes de espionagem. Carell encontra neste remake a oportunidade de se igualar a Don Adams, já falecido, que interpretava o agente Maxwell na série original.
Anne Hathaway (O Diário da Princesa, O Diabo Veste Prada), mais uma vez dá provas da sua versatilidade e apesar de se manter no típico registo de cinema de comédia, consegue trazer algo de novo, numa mulher aparentemente implacável, mas que, por debaixo dessa aparência, revela uma mulher doce.

Peter Segal, que já traz no seu currículo filmes como A Minha Namorada Tem Amnésia, mostra porque é especialista em comédias. É verdade que Get Smart - Olho Vivo não nos traz nada de novo, mas esse também não era o seu objectivo. Assente nos clichés de sempre, nas piadas comuns, fáceis e básicas, Get Smart consegue, contudo, arrancar gargalhadas do público e entretê-lo. E isso, nos tempos que correm, já não é fácil.

Fazes-me Falta - Inês Pedrosa

2008-08-23T13:47:00.000+01:00

Fazes-me Falta é o segundo livro que leio da autora Inês Pedrosa. Sendo que o primeiro foi o Fica Comigo Esta Noite, não posso negar que este segundo livro é muito mais profundo e inteligente que o anterior.

Fazes-me Falta não possui uma escrita fácil. A cada palavra escrita ponderamos no seu significado, na profundidade com que cada palavra é proferida. Inês Pedrosa conta uma história a duas vozes, uma espécie de diário íntimo, escrito na primeira pessoa, num bonito romance sobre o conflito morte/vida e também sobre o Amor (seja ele de que género: amor-amizade, amor-fraterno, amor-erótico).

Fazes-me Falta chega a roçar o limiar da poesia. É uma escrita que vagueia, que limita e condiciona, mas ao mesmo tempo leva-nos a pensar se amamos realmente as pessoas quando ainda estão vivas.

Fazes-me Falta relançou Inês Pedrosa novamente para o panorama da literatura portuguesa. A ler.

Não importa o que se ama. Importa a matéria desse amor.As palavras são só um princípio.....Porque no amor os princípios, os meios e os fins são apenas fragmentos de uma história que continua para lá dela, antes e depois do sangue breve de uma vida. Tudo serve a essa obsessão de verdade a que chamamos amor.

As Crónicas de Nárnia - O Príncipe Caspian

2008-08-13T19:35:00.011+01:00

The Chronicles of Narnia: Prince Caspian é o segundo filme adaptado da famosa e eterna obra de fantasia de C. S. Lewis. O elenco principal é composto por Ben Barnes (Príncipe Caspian), Georgie Henley (Lucy Pevensie), Skandar Keynes (Edmund Pevensie), William Moseley (Peter Pevensie) e Anna Popplewell (Susan Pevensie).

Neste filme, precedido pelo O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa (2005), os quatro irmãos Pevensie regressam a Nárnia um ano depois da sua primeira estadia, onde mergulham numa grande e perigosa aventura: passaram já 1300 anos narnianos. Durante a sua ausência, a Era de Ouro de Nárnia foi extinta, Nárnia foi conquistada pelos Telmarines e agora está sob o domínio do terrível rei Miraz.
As quatro crianças encontram imediatamente uma intrigante personagem: o herdeiro legítimo do trono de Nárnia, o jovem Príncipe Caspian, que fugiu e foi forçado a esconder-se, pois o seu tio, o rei Miraz, planeava matá-lo para dar o trono ao seu filho recém-nascido. Com a ajuda de um gentil duende, de um corajoso rato falante, de um texugo e do Duende Negro, os narnianos, liderados por Peter e Caspian, embarcam numa fantástica jornada para retirar Nárnia do domínio de Miraz e restaurar a magia e a glória da terra.

Para quem acompanha a obra de C. S. Lewis, para quem ficou encantado com a magia do primeiro filme ou mesmo para quem ainda não desfrutou desta maravilhosa saga, não ficará indiferente a este filme: aventura, magia e emoção estão garantidas! Uma adaptação fabulosa de mais um livro deste lendário escritor.

The Gift - Maia Act Youth Festival, Maia

2008-08-10T21:10:00.001+01:00

Foi com muito gosto que, já sem ver os The Gift há três meses, depois de um grande espectáculo com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, fui à cidade da Maia, ao Maia Act Youth Festival, assistir ao seu grande concerto, no dia 25 de Julho de 2008.

Já o complexo de ténis da Maia se encontrava lotado, quando os The Gift subiram ao palco, com um dos públicos mais jovens que já vi em concertos deles. Depois de um concerto mais fraco por parte da banda que os antecedeu, o pavilhão ficou ao rubro quando as luzes se apagaram e se ouviram os primeiros acordes de La Folie.

Sónia Tavares entra em palco, vestida de forma informal, mas bonita, à semelhança de tantos outros espectáculos e deslumbra todos com a sua potente voz, em Actress. Uma das grandes surpresas da noite foi a inclusão de My Lovely Mirror no alinhamento, facto que já não acontecia há algum tempo. Nesta fase já todo o pavilhão estava rendido à sua energia extrema, mas tudo isto aumentou quando Sónia começou a tocar a célebre Fácil de Entender, que deu nome a esta tour. A partir daqui, todo o concerto foi constituído por grandes singles dos The Gift: uma decisão tremendamente inteligente, com um público que vai assistir a um concerto grátis e que, muitos deles, não conhecem a fundo a banda. Curiosamente, durante o refrão de Fácil de Entender, a Sónia pediu a todo o público que levantasse os telemóveis, apenas porque “as luzes são bonitas”.

Outra grande surpresa deste alinhamento, senão a maior de todas, foi a Pure, que sofreu uma alteração, com Tiago Dias (da banda The Room 74) a mostra o que vale no tambor. De seguida, outro single: Music. Dos temas mais conhecidos de todos, esta canção levou o público a cantar em uníssono e a ficarem rendidos, especialmente quando a conclusão da música tem um toque de reggae.

Driving You Slow, 11.33, Question of Love e Ok! Do You Want Something Simple são outros singles que a banda tocou e pelos quais agarrou o público; especialmente porque esta última tinha um pouco do refrão de uma música de 50Cent, pelo que levou os mais novos a vibrarem com Sónia.

645, o novo single da banda, ainda não é conhecido do público em geral, mas todos concordamos que fornece um tremendo orgasmo musical e visual a todos. Também a mais electrónica, In Repeat (do álbum Lisboa) põe todo o pavilhão a dançar, especialmente com o final ao melhor estilo de Arcade Fire.

Uma das músicas que mais deixa morrer o público no seu geral é Nice and Sweet (uma das músicas novas, incluída no álbum Fácil de Entender), mas que, nesta ocasião, deixou Nuno Gonçalves brilhar com o seu solo de guitarra eléctrica.

Por fim, outro grande momento da banda foi quando tocou a So Free (3 Acts), que acabou por deixar a grande maioria dos adolescentes absolutamente surpreendidos ao verem o instrumento de Nuno Gonçalves… o seu famoso theremin.

Além disso, os The Gift não nos podiam deixar com um toque diferente, ao divulgar uma outra preferência musical da banda. Sónia Tavares ficou com a sua voz plenamente enquadrada ao cantar o refrão de Enjoy the Silence, dos Depeche Mode.

Este foi um concerto muito divertido e tremendamente surpreendente a nível de alinhamento, especialmente neste tipo, conhecido como “concerto de terrinha”. Uma mostra do seu valor e energia.

Alinhamento:

- La Folie
- Actress
- My Lovely Mirror
- Fácil de Entender
- Pure
- Music
- Driving You Slow
- 11.33
- 645
- Ok! Do You Want Something Simple?
- Question of Love
- In repeat

1.º Encore:
- In Repeat
- Nice and Sweet
- So Free

2.º Encore:
- Music

Ficheiros Secretos: Quero Acreditar

2008-08-10T19:48:00.001+01:00

Dez anos depois, o aguardado filme de Ficheiros Secretos perdeu a genialidade da série de Chris Carter e lida mais com o pragmatismo do que com o oculto.

Ficheiros Secretos: Quero Acreditar leva-nos leva novamente para a relação complicada entre Fox Mulder (David Duchovny) e Dana Scully (Gillian Anderson), mas conduz-nos a direcções inesperadas. Mulder continua a sua inabalável missão pela procura da verdade e Scully, a cientista feroz e arrebatadoramente inteligente, mantém-se inexplicavelmente presa às procuras de Mulder.

A cena inicial do filme, torna-se visualmente interessante, devido à presença de dezenas de agentes do FBI num enorme campo gelado e a uma personagem estranha (crucial para o desenvolvimento do argumento): o Padre Joseph Crissman (Billy Connolly), com um passado obscuro, mas que afirma ter visões concedidas por Deus. O filme cai no erro de se debruçar sobre temas que fogem um pouco à série, para desilusão dos fãs. Apesar de ser interessante o drama entre Fox Mulder e Dana Scully, que responde a algumas lacunas encontradas ao longo da série (entre os quais a sua relação amorosa e um eventual fruto dessa relação), o filme acaba por fugir ao previsto e torna-se mais num drama/thriller policial.

O enredo torna-se menos envolvente e assustador, pois aparenta ser uma eterna fuga à escuridão e obsessão em que Dana e Fox sempre viveram. Em vez de se focar na eterna dúvida da existência ou não de acontecimentos paranormais, o argumento foi escrito de forma a roçar o pragmatismo científico e a lógica policial.

Das poucas cenas realmente interessantes (mas que são poucas para a fasquia a que Ficheiros Secretos nos habituais) encontra-se a descoberta de uma série de experiências bizarras realizadas por russos, que lidam com células estaminais e órgãos humanos. Nessa fase, Dana Scully, enquanto cientista e médica reconhecida, tem um papel essencial, mas ao mesmo tempo lida com a dúvida em relação à eventual capacidade do padre em ter visões, da parte de Deus. É aí que o filme acarreta um dilema moral, com nuances éticas e religiosas: pode um padre acusado de pedofilia ser um servo de Deus?

A personagem do padre Joseph, interpretada por Billy Connolly (Último Samurai e Garfield 2) é das mais intrigantes e controversas do filme. Uma interpretação, a meu ver, excelente. Outra interpretação boa, mas que não revelou todo o seu potencial foi a de Amanda Peet (Jack & Jill), que apesar do seu aspecto visual não soube lidar com a pressão de interpretar uma agente do FBI.

Ficheiros Secretos: Quero Acreditar, não deixa de ser um bom filme, mas seria melhor se não aparentasse tanto ser um filme independente. Talvez se o mesmo não tivesse a chancela FIcheiros Secretos, todos nós o consideraríamos um filme bom, contudo e desta forma, acabou por desiludir-nos um pouco a todos.

Sim, quero acreditar que Chris Carter consegue fazer melhor.

Hancock

2008-08-10T19:46:00.001+01:00

O filme do anti-herói Hancock torna-se um dos mais despropositados dos últimos tempos.

Hancock, protagonizado por Will Smith é um dos heróis mais conflituosos e sarcásticos dos últimos tempos. Embora os seus actos possam salvar a vida de milhares, os estragos parecem ser sempre também em grandes proporções. Por isso, a opinião pública está cansada de Hancock, a quem pouco interessa a opinião dos outros.

Hancock aparenta ser uma sátira à figura mítica do super herói dos comic books, tornando-se extremamente irreal e obviamente exagerada. Constituído por duas partes francamente diferentes, o filme de Peter Berg parece assentar numa esquizofrenia de ideias constantes, às quais não soube dar uma construção minimamente plausível.

Na segunda parte do argumento, caímos numa história disparatada, mas ao mesmo tempo mais dramática e moralista, que aborda os valores morais. De repente e praticamente sem aviso, o ambiente do filme e a composição das personagens mudam. E é aí que Charlize Theron obtém o seu protagonismo, pela sua presença obviamente vistosa, mas que se torna demasiado oca para este género cinematográfico.

Um ponto a favor deste filme são os efeitos especiais e uma banda sonora bem composta, mas que por vezes são prejudicadas por um estranho controlo da câmara.

Hancock apresenta-se um filme desequilibrado, pois acaba por se tornar uma sessão dupla totalmente contraditória entre si.

O Cavaleiro das Trevas

2008-08-10T19:44:00.001+01:00

Christopher Nolan revoluciona as adaptações do comic book de Batman. Um filme onde a anarquia e os dilemas morais imperam.

Antes de mais, devo ressalvar que nunca fui fã de banda desenhada, nem das suas adaptações ao grande ecrã e que não assisti aos outros títulos da série. Contudo e devido às excelentes críticas que surgem por todo o Mundo decidi assistir ao filme O Cavaleiro das Trevas.

Em O Cavaleiro das Trevas, Batman continua a sua luta contra o crime. Com a ajuda do Tenente Jim Gordon, Batman vê na figura de Harvey Dent (Aaron Eckhart), o herói real que Gotham necessita. A parceria parece revelar-se eficaz, até se encontrarem inseridos num reinado de terror, desencadeado por uma mente genial, mas criminosa, mais conhecido pelos assustados cidadãos de Gotham como Joker.

The Dark Knight não é, efectivamente, um filme de super-heróis e isso agrada-me. Christopher Nolan aborda a história no sentido da humanização de Batman e Joker. Não existem super-poderes (e os que existem, estão tecnologicamente bem catalogados), apenas existem as virtudes e os defeitos das pessoas em geral. É um provavelmente dos filmes mais sombrios dos últimos tempos e valoriza o dilema do herói vingador, o vigilante que actua sempre no limite das leis de Gotham.

Neste filme, Batman e Joker são dependentes um do outro. É um filme de personagens fortes onde a presença do herói é claramente ofuscada. Joker (Heath Ledger) torna-se um dos vilões mais hipnóticos da história do cinema, longe dos tiques de palhaço e do sadismo elegante ou afectado de versões anteriores. Joker assume-se como um “agente do caos”, que se baseia no medo e surge como um manipulador que torna cada golpe num profundo dilema moral. Apesar de Joker inventar várias histórias acerca da maneira como adquiriu as suas cicatrizes faciais e psíquicas, o mesmo não pretende assumir-se como a soma das injustiças cometidas contra ele e apresenta-se como um ser alienado, mas um juiz perspicaz de personalidades.

Apesar de a acção do filme (efeitos especiais, sobretudo) não me dizer nada, a trama é absolutamente de mestre, capaz de abalar os alicerces que sustentam o comportamento heróico de Batman. O enredo mergulha a fundo na ideia de identidade e na noção de que, talvez, Bruce se tenha perdido no mito do herói e que isso se tornou mais uma aflição, do que uma missão. Por sua vez, também Harvey Dent consegue fazer jus à sua alcunha (Duas Faces) mergulhando no lado sombrio da sua personalidade. Aqui, a violência gratuita, mutilação e tortura vigoram, numa Gotham totalmente consumida pelo medo e anarquia.

É no sentido de Joker assumir uma pose psicótica, que este se torna o filme de Heath Ledger, embora considere de muito mau gosto falar-se de um Óscar póstumo, embora esta atribuição soasse como um sorriso brutalmente artificial, igual ao que Joker pretende infligir a todos.

Contudo, considero que seja dos argumentos mais bem conseguídos dos últimos anos, dificilmente se livrando de uma nomeação para o Óscar de Melhor Filme, que nos ensina que “às vezes, a verdade não chega. Às vezes, as pessoas merecem mais.“

Vigilância

2008-08-10T19:42:00.001+01:00

Será que o talento nasce nos genes? É a dúvida com que ficamos ao assistir a Vigilância (Surveillance), o filme de Jennifer Lynch, filha do grande David Lynch.

À partida, Vigilância parece revelar-se um thriller comum, com um tipo de investigação sobejamente conhecida nos parâmetros do cinema de Hollywood, contudo, o segredo do filme é esse mesmo: fazer parecer aquilo que não é, sem levantar suspeitas. Vigilância relata a história de dois agentes especiais do FBI, Anderson (Julia Ormond) e Hallaway (Bill Pullman), que são enviados para Santa Fé, onde assassínios arrepiantes no deserto estão a colocar a polícia local em tumulto. Durante a investigação, são inquiridas três testemunhas visivelmente abaladas, especialmente Stephanie (Ryan Simpkins), uma criança de oito anos, cuja família está entre as vítimas. No entanto, quando cada testemunha relata a sua versão da história, torna-se evidente que elas são diferentes e que todos sabem mais do que conta.

Jennifer Lynch ficou conhecida do público quando produziu o drama erótico Boxing Helena, no ano de 1993. Desde aí, os seus trabalhos têm sido poucos. Neste novo trabalho, Jennifer contou com a ajuda do seu pai, o já famoso David Lynch, criador de Twin Peaks, Mulholland Drive ou o mais recente Inland Empire, cada um com uma mestria genial.

A grande curiosidade residia em saber como se portaria Julia Ormond (Inland Empire) e Bill Pullman (Lost Highway) no papel de dois investigadores do FBI, num caso com falsos testemunhos, mas sobretudo se Jennifer Lynch havia herdado o talento do pai. Ficamos então felizes por dizer que sim.

Vigilância é um thriller psicótico, que revela originalidade na forma como conta a história e na forma como as acções de cada personagem se entrecruzam entre si. Podemos elogiar o trabalho da pequena actriz Ryan Simpkins, enquanto a perspicaz menina que tem um final extremamente interessante. Serão os psicopatas pessoas justas? É a pergunta que se impõe em relação ao destino final da personagem da menina Stephanie.

Apesar de o filme, no início parecer monótono, a verdade é que o argumento é revelado com uma mestria digna de Lynch, com uma estrondosa reviravolta e revelação no final do mesmo. Pell James, enquanto a toxicodepente Bobbi Prescott, tem uma interpretação, a meu ver, extremamente excelente, dada a forma como conjuga o seu papel extremamente ambíguo.

Contudo, num Verão pleno de blockbusters é triste que este filme passe despercebido dos portugueses, ainda mais que a Lusomundo não adquiriu direitos para a sua exibição e tive acabar por vê-los num cinema mais independente, neste caso o Medeia, no Porto.

Um filme que não se devia perder assim…

O Labirinto do Fauno

2008-07-21T11:43:00.002+01:00

O Labirinto do Fauno foi imediatamente para a minha lista de filmes favoritos. Guillermo del Toro fez um excelente trabalho.

A história é fascinante: decorre em Espanha, em 1944. Oficialmente, a Guerra Civil já terminou há cinco anos, mas um pequeno grupo de rebeldes continua a lutar, incansável, nas montanhas de Navarra.
Ofélia, uma criança de 10 anos, muda-se para Navarra com a mãe, grávida e frágil, onde conhece o seu novo padrasto, Capitão Vidal, um oficial fascista com ordens para eliminar os rebeldes que ainda permanecem no território.
Fascinada por contos de fadas, Ofélia descobre um grandioso labirinto, onde conhece Pan, um fauno que diz saber a verdadeira identidade e o destino secreto de Ofélia - ela é uma princesa, a filha desaparecida do Rei das Fadas. Pan oferece-lhe a oportunidade de voltar ao Mundo subterrâneo e viver no reino mágico do pai. Mas, primeiro, ela tem de executar três tarefas antes da lua cheia. Esta é uma oportunidade que Ofélia não quer perder, pois consegue descortinar uma realidade mais colorida por trás da realidade da guerra e do autoritarismo do padrasto. No entanto, uma criada, Mercedes, confidente de Ofélia, diz-lhe que sempre lhe disseram para não confiar nos faunos... Afinal, qual será a verdade?

Foi nomeado para 6 Óscares: melhor direcção artística, melhor fotografia, melhor filme estrangeiro, melhor maquilhagem, melhor banda sonora e melhor argumento original.
Foi considerado a verdadeira obra-prima do ano pelo The New York Post.
E é, de facto, um dos melhores filmes de sempre.

O Panda do Kung Fu

2008-07-19T18:38:00.006+01:00

Kung Fu Panda é o mais recente filme de animação da Dreamworks.

Po, um enorme panda, trabalha como aprendiz numa loja de massas de arroz. O seu maior sonho é lutar ao lado dos cinco maiores mestres do kung fu, mas sabe que tal é quase impossível... No entanto, Po é inesperadamente nomeado para salvar a população do malvado Tai Lung, que fugiu da prisão onde esteve durante vinte anos. Assim, Po começa a sua formação com o Mestre Shifu, mas depressa percebe que os seus 130 quilos não se adequam aos estilos tradicionais do kung fu; Shifu apercebe-se, a dada altura, que para transformar Po num guerreiro terá de incorporar a sua natureza - treiná-lo com recurso a comida. Po acabará por descobrir que o que pareciam ser as suas fraquezas são, afinal, as suas maiores forças.

É um filme divertido e com uma mensagem interessante, mas não me prendeu ao écrã como outros filmes de animação.

Cubo Zero

2008-07-15T09:21:00.001+01:00

Cubo Zero é o último filme da trilogia do Cubo, no entanto trata-se de uma prequela que explica os motivos por detrás da construção do enigmático cubo. Cubo Zero tem tanto de bom, como de mau.

Partindo do princípio básico dos dois filmes anteriores, oito pessoas acordam sem se conhecer umas às outras, sem saber porque estão presas e nem como prosseguir. Aos poucos, vão enfrentando a morte, ao mesmo tempo em que tentam sair do lugar. Porém, desta vez a história aprofunda os criadores do cubo. Aqui, o homem que vigia as salas do cubo acaba se envolvendo de forma perigosa na trama quando uma mulher inocente é presa no jogo. Os acontecimentos desta trama, na verdade, acontecem antes dos mostrados no filme de 1997 que deu origem à série.

Cubo Zero não explica exactamente por detalhes os motivos da construção do cubo ou o funcionamento dos engenhos, mas é aí que brilha: por manter o interesse e o enigma no ar, deixando ainda muita coisa no ar. E a ideia original por detrás do argumento do primeiro filme pretendia isso mesmo: deixar o espectador confuso e claustrofóbico.

Desta vez, a prequela acaba por dar oportunidade ao espectador, de aliviar este sentimento de claustrofobia, recorrendo à invasão dos sonhos/mente dos personagens, mas também (e essencialmente) à sala de controlo, onde dois homens vigiam o cubo. Estes dois personagens, entre os quais o actor Zachary Bennet que tem aqui uma excelente interpretação, revelam aquilo que o espectador já suspeitava: o cubo é uma espécie de instalação militar, um centro de experiências, concebido pela empresa Izon, onde à partida se encontram prisioneiros políticos ou de guerra ou pessoas que, de alguma forma, poderiam prejudicar os seus interesses.

O exagero nesta prequela encontra-se sobretudo no abuso da ficção científica (sim, ainda mais que em Hipercubo), que chega a roçar o ridículo, com a existência de personagens e cenas, que mais parecem saídas de uma adaptação de uma banda desenhada da Marvel. Contudo e tirando os aspectos negativos do filme (que ainda são muitos), o mesmo acaba por ser demasiadamente interessante, com uma componente gore maior, mas ao mesmo tempo com um lado mais sentimentalista e emocional, até então desconhecido.

Cubo Zero explica-nos o que acontece quando alguém consegue fugir do cubo e encontra a tão famosa luz branca: sofre mais um e derradeiro teste, dependente de uma resposta de sim ou não. Acreditas em Deus?, é a pergunta.

Não há nada de novo em relação aos outros filmes: há pessoas presas dentro do cubo, sem saber como e a tentar sair. A novidade reside no entrar e sair, que a acção divide, sendo que as acções dentro do cubo são bem menores que as exteriores. Cubo Zero assenta assim na mesma premissa apresentada por George Orwel, em 1984: uma sociedade autoritária e que vigia os cidadãos.

Ernie Barbarash consegue neste filme um belo trabalho com as câmaras e com o enredo, mantendo a atenção do espectador de uma forma inteligente, não se esquecendo também dos fãs do horror e do gore. Cubo Zero segue os conceitos básicos do filme original, mas cria também inovação, acabando por ter mais qualidade que Cubo 2 - Hipercubo.

Beirut - The Flying Club Cup

2008-07-11T12:12:00.004+01:00

Beirut é uma banda difícil de definir. O seu estilo encontra-se algures entre Indie e Folk. É música alternativa e absolutamente extraordinária.

A banda é constituída por dez elementos: o vocalista é o jovem Zach Condon, de 22 anos, que tem uma voz que se adequa muitíssimo bem ao estilo que a banda adoptou. Os instrumentos utilizados são também uma explosão surpreendente de melodias.
The Flying Club Cup é o seu último álbum, de 2007. O single mais conhecido é, provavelmente, Nantes. Foi através desta música que fiquei a conhecer a banda no blogue do Tiago O Avesso dos Ponteiros. Um obrigada grande ao Tiago por me ter dado a conhecer (mais uma vez) uma banda diferente, única, fabulosa.
Deixo-vos, pois, Nantes:

O álbum é composto por:

"A Call to Arms"
"Nantes"
"A Sunday Smile"
"Guyamas Sonora"
"La Banlieue"
"Cliquot"
"The Penalty"
"Forks and Knives (La Fête)"
"In the Mausoleum"
"Un Dernier Verre (Pour la Route)"
"Cherbourg"
"St. Apollonia"
"The Flying Club Cup"

Para conhecê-lo ainda melhor:

http://www.beirutband.com/

http://www.myspace.com/beruit

Pecados Íntimos - Tom Perrotta

2008-07-06T13:31:00.000+01:00

A editora Bico de Pena proporciona-nos uma leitura tipicamente americana, uma história dos subúrbios, que usa e abusa do humor crítico e mordaz de Tom Perrotta.

Pecados Íntimos (Little Children) é o nome do romance original de Tom Perrotta, adaptado ao grande ecrã por Todd Field. Relata a história de dois casais, recentemente casados, que vivem na mesma comunidade e cujas vidas se vão interligar de maneiras muito perigosas. Uma área suburbana vive momentos de alguma tensão porque um pedófilo é libertado e volta para casa. Num parque infantil um grupo de mulheres que toma conta dos seus filhos comenta o reaparecimento de um jovem pai por aquelas bandas. Com estes cenários a servirem de fundo assistimos ao desenvolver de uma relação entre Sarah e Todd.

Tom Perrotta não suaviza a sua escrita ao narrar-nos a sua história. Ao longo de todo o livro, notamos que é intenção do autor ser nu e cru naquilo que descreve, levando-nos a crer que, por vezes, quer chocar o leitor. O livro fala sobre temas complexos, como a perversão sexual, a emancipação da mulher, o adultério ou a pedofilia. Pecados Íntimos mostra-nos a falha de uma sociedade aparentemente perfeita, sem contudo cair em falsos moralismos.

Pecados Íntimos é uma leitura aconselhada.

Cubo 2: Hipercubo

2008-07-06T12:46:00.001+01:00

A sequela do filme Cubo que, obviamente, perde muita da sua qualidade inicial, ao abordar temáticas mais complexas e hipotéticas teorias de física quântica.

Cubo 2: Hipercubo aborda uma história em muito semelhante à do primeiro cubo. Oito estranhos acordam numa divisão em forma de cubo. Quase de imediato percebem que este é um lugar diferente - em Matemática é um cubo de 4 dimensões, um hipercubo. Enquanto os prisioneiros exploram as divisões intermináveis são defrontados com obstáculos mortais. Mas nada é o que parece: a esquerda é a direita, subir é descer, sair é entrar. Mas alguém guarda um segredo que ameaça destruir a existência como eles a conhecem. Apenas um pode sobreviver ao hipercubo.

Hipercubo não se pode chamar uma sequela do Cubo, porque apenas assenta na mesma temática, sem nenhum dos personagens ter alguma relação com o primeiro filme. O filme acaba por ser mais um remake do original, porque mantendo a mesma lógica de ideias, apenas moderniza o cenário. Desta vez, nota-se um aumento no financiamento da produção: portas de alta tecnologia, com sensores de tacto, salas brancas e luminosas, num estilo mais clínico e menos industrial. Enquanto que em Cubo, as personagens foram aprisionadas no espaço com roupas militares e sem qualquer um dos seus objectos pessoais, em Hipercubo, todas as personagens vestem as mesmas roupas de quando foram aprisionadas e trazem os seus objectos pessoais, como canetas, facas, óculos e relógios (acabando por ser essenciais ao desenrolar da história).

Enquanto que no primeiro Cubo, nenhum dos personagens sabe porque se encontra ali, nem apresenta nenhuma relação entre si, em Cubo 2: Hipercubo todos os personagens têm um elo de ligação: a empresa Izon, financiadora do projecto do Cubo. Aliás, enquanto que no primeiro filme não interessava perceber o objectivo do Cubo, na sequela Andrzej Sekula não parece querer esconder que o cubo tem fins militares e corporativos. Logo na sequência inicial do filme vê-se o Coronel Thomas Maguire a perguntar onde estão os números e a pedir uma oportunidade, permitindo perceber logo a ligação com o Departamento de Defesa e com o primeiro cubo.

No primeiro Cubo a Matemática permitia a salvação, através dos números primos ou da factorização de enormes dígitos; contudo no Hipercubo a ficção científica é altamente explorada, através do uso da Física Quântica, teletransporte, universos paralelos, distorção do tempo e do espaço ou da gravidade. No Hipercubo perde-se a noção do primeiro filme de que o maior inimigo ali são as emoções humanas, pois perde-se a noção de espaço claustrofóbico. Aqui todas as interpretações parecem demasiado forçadas, perdendo assim todo a confusão e medo existente entre as personagens do primeiro elenco.

Sekula perdeu ao tentar ser arrojado. Perdeu-se a noção de sobrevivência, a fuga das armadilhas, pelo deambular constante de sala em sala, até encontrar uma nova dimensão dentro do hipercubo. No hipercubo chega-se a um ponto que se percebe que todos vão morrer até à desintegração do cubo, descoberta pelos cálculos do professor candidato ao Prémio Nobel.

Hipercubo tem qualidade e entretenimento, no entanto, perde grande parte da qualidade inicial, ao tentar “dar um passo maior que a perna”.

Cubo

2008-07-05T18:20:00.001+01:00

Cubo é dos thrillers mais intrigantes de sempre, acabando por revelar uma grande componente humana e psicológica, em detrimento do cenário.

Vencedor do prémio Fantasporto em 1999, Cube foi dos filmes mais comentados na altura, devido ao seu intrigante enredo e simplicidade/complexidade do cenário. Cubo conta a história de seis pessoas comuns, totalmente estranhas entre si, que acordam presas num labirinto. Nele, existem salas interligadas em forma de cubos e preparadas com armadilhas mortais. Sem comida ou água, suas vidas estão com os minutos contados. Nenhum deles sabe como ou porque estão presos, mas logo descobrem que cada um possui uma habilidade especial que poderá contribuir para a fuga. Um matemático, um engenheiro, um polícia, um ladrão e um autista devem juntar esforços na ânsia de encontrar a saída de um enigma praticamente insolúvel.

Cubo centra-se sobretudo nas emoções humanas, na sua natureza e no seu instinto de sobrevivência. Todo o enredo centra-se nas diferenças entre as pessoas e na forma como agem na resolução dessas diferenças. O problema mais grave, no interior do Cubo, não são as armadilhas. O que poderá impedir alguém de sair vivo do Cubo será mesmo ele próprio, expondo assim o nível a quem um ser humano chega quando assolado pelo desespero.

Um dos grandes pontos a favor do filme é o elenco que, apesar de não ser muito conhecido, consegue fazer interpretações excelentes, num cenário sempre igual, com textos completos e longos. O filme ajuda-nos a compreender a gestão de um grupo, a capacidade de decisão e valorizar quem nos rodeia de modo a compreender as suas especialidades.

A interpretação de Andrew Miller, o autista, é das mais importantes de todo o filme, pois é ele que possui a solução para o enigma e consequente salvação de todos. As cenas finais do filme demonstram como o ser humano ainda está muito propenso a julgamentos pela aparência e não pelas capacidade. A saída do Cubo, envolta em luz branca, revela o enigmático espaço como uma espécie de catarse humana, onde só os puros são salvos

Nunca se percebe muito bem o porquê da construção do Cubo ou o motivo de serem aqueles seis os escolhidos, contudo todos eles têm um papel preponderante lá dentro. O cenário do filme acaba por brincar com o espectador, levando-o a ter uma atitude activa e por vezes claustrofóbica, em relação ao desenrolar do argumento.

Sem dúvida alguma, Cubo apresenta como uma inovação para a época em que surgiu, sendo um filme cheio de pontas soltas e enigmas por resolver.

O Enigma de Fermat

2008-07-05T16:47:00.002+01:00

O Enigma de Fermat é mais um exercício mental, que propriamente um filme banal, acabando por ser mais uma demonstração do cada vez mais influente cinema espanhol.
O enredo fala sobre quatro matemáticos que não se conhecem e que são convidados por um misterioso anfitrião denominado Fermat, para comparecer a um encontro num lugar isolado, sobre o pretexto de decifrar um grande enigma. Uma vez ali, os quatro descobrirão que suas vidas estão em risco e que o enigma a desvendar será como sobreviver a uma engenhosa armadilha.

Através d’O Enigma de Fermat e tendo como exemplos, filmes como O Labirinto de Fauno e o recente [REC], apercebemo-nos que o cinema europeu, nomeadamente o espanhol, tem feito uma aproximação às fórmulas americanas de sucesso, sem contudo trazer detrimento para os argumentos.
O filme obtém interpretações excelente dos actores que são os quatro principais intervenientes do mesmo. Todo o elenco apresenta excelentes traços psicológicos nas personagens, transmitindo todo esse realismo aos espectadores. O facto de o filme ser compacto, ajuda a manter a tensão assente na resolução dos enigmas matemáticos e lógicos, que lhes garantem a sobrevivência.

O cenário é simples e claustrofóbico, o que permite o constante suspense do argumento. Contudo não nos podemos distanciar da semelhança de O Enigma de Fermat aos sucessos mundialmente conhecidos, como Saw e Cube. Esta é uma prova do fervilhar de ideias do cinema espanhol e destes dois realizadores: Luis Piedrahita e Rodrigo Sopeña.
Um outro ponto alto e de grande interesse é o sítio oficial do filme, onde os amantes da matemática terão uma agradável surpresa.
O Enigma de Fermat é um excelente filme, altamente aconselhável.

A Casa da Lagoa

2008-07-05T16:45:00.001+01:00

A Casa da Lagoa é um remake do filme coreano Siworae, que não passa de um romance facilmente consumível, sem nada de importante a acrescentar ao cinema.A precisar de uma mudança na sua vida, Kate Forster (Sandra Bullock) decide deixar os subúrbios do Illinois e mudar-se para Chicago. A única coisa que lamenta é ter de deixar a bela casa da lagoa que tinha alugado. Ao partir, deixa uma nota para o novo inquilino, para que lhe reenvie o correio. Começa a receber correspondência de Alex (Keanu Reeves), um arquitecto frustrado que se mudou para a casa, e entre os dois nasce uma forte relação. Mas algo está errado. Kate percebe que, na realidade, Alex viveu na casa e está a escrever-lhe dois anos antes.
Logo nos primeiros segundos do enredo, The Lake House adianta logo muito daquilo que será até ao fim: mais um romance americano. Uma banda sonora demasiado comum e demasiado nostálgica conduz-nos a uma cidade melancólica e a uma Sandra Bullock menos impetuosa que o costume. Ao longo do filme surge sempre a dúvida se a culpa será da interpretação da actriz ou do fraco argumento.

Keanu Reeves será talvez o único chamariz do filme, devido à sua enorme popularidade e ao seu carisma natural. Mesmo interpretando o papel de um arquitecto frustrado, Keanu Reeves consegue trazer alguma alegria ao grande ecrã.
A Casa da Lagoa é um filme banal, um romance comum, que apenas apresenta uma variante paranormal, que acabou por ser demasiadamente mal concebida.

A Máquina do Tempo

2008-06-18T22:38:00.000+01:00

A Máquina do Tempo é o filme ideal para passar um serão, contudo não será muito mais que isso, mesmo tendo pretensões a grande produção cinematográfica.

A temática é já comum dos amantes de ficção científica: viagens no tempo. Baseado no romance de H. G. Wells, foi produzido pela DreamWorks e pela WarnerBros, acabando por ganhar uma nomeação para o Óscar de Melhor Caracterização.

The Time Machine ocorre, inicialmente, em Nova Iorque, no ano de 1889, onde o cientista Alexander Hartdegen (Guy Pearce) tem duas fixações. Tão apaixonado por sua jovem e bela noiva Emma quanto pela ciência, ele passa a grande parte de seu tempo empenhado em demonstrar que é possível viajar através do tempo. Mas o que era apenas determinação torna-se rápida e literalmente um caso de vida ou morte quando uma tragédia o impulsiona a desejar alterar o passado. Colocando à prova suas teorias com a máquina do tempo que ele mesmo inventou, Hartdegen viaja 800 mil anos para o futuro. E lá descobrirá que a raça humana não é mais formada de semelhantes, estando agora dividida em caçadores e presas.

O filme tem um grande lado estético e visual que tem o intuito de ganhar o espectador por essa via. Ideal para quem liga muito aos efeitos dos filmes. No entanto, a meu ver, sendo um filme com a chancela da DreamWorks e WarnerBros (logo, com uma fasquia elevada) não é totalmente perfeito na fluidez das imagens, especialmente na passagem do tempo.

O argumento consegue ser uma mistura de ficção científica com fantasia (que acaba por se assemelhar, em alguns aspectos, à trilogia de O Senhor dos Anéis), que acaba por se tornar divertimento puro. Contudo, e curiosamente, o argumento está bem pensado. A ida de Alexander ao futuro, exactamente na altura em que o mesmo se encontra em ruptura, devido à ruptura da Lua, é um dos alertas visuais maiores para a população humana no seu geral. Efectivamente, o filme acaba por ter uma moral ambientalista e de protecção do mundo, talvez sem sequer ter pensado grandemente no assunto.

Outra parte do enredo extremamente interessante e bem conseguida é a passagem das eras, aquando do descontrolo da máquina do tempo, divididas por estações do ano, eras glaciares, períodos de seca e por fim uma renovação da Terra. Ou seja, depois de destruída, a Terra recomeça o seu ciclo, tal como no início, levando-nos a um “futuro passado”, com uma nova civilização primitiva humana. A partir daí é onde nasce a fantasia, e na minha opinião, é onde o filme perde a sua qualidade. Uma nova raça predadora que vive na parte subterrânea da Terra e que se alimenta dos humanos é algo demasiadamente fantasioso, que no entanto fica desculpado pela interpretação de Jeremy Irons, enquanto líder dos Morlock.

Um ponto a favor do filme é o elenco, de onde se destaca Guy Pearce, Samantha Mumba e Jeremy Irons.

Um filme de entretenimento puro e que merece ser visto.

Dot.com

2008-06-16T22:19:00.001+01:00

Numa altura em que se fala tanto de patriotismo, Dot.com é um comédia portuguesa, com certeza. Luís Galvão Teles recupera as crónicas de costumes, de uma forma que alia o tradicional e o moderno.

Dot.com é a comédia improvável. É comum os portugueses dizerem que o cinema português não presta. A realidade, no entanto, é outra. Cada vez mais o cinema português é sinónimo de qualidade e Dot.com é a prova disso.

O filme conta a história de Águas Altas, uma pequena aldeia no interior de Portugal que subitamente se torna num caso nacional quando uma multinacional espanhola pressiona os aldeões para fechar o site da aldeia, precisamente o mesmo nome de uma marca de águas que os espanhóis querem lançar no mercado. A partir daí gera-se uma grande divisão na aldeia: há quem queira manter o site para garantir a soberania nacional, mas há também quem queira tirar partido de uma possível compensação financeira. Num abrir e fechar de olhos, a imprensa instala-se em Águas Altas para cobrir este caso que apaixonará Portugal, onde até o primeiro-ministro se envolve.

Dot.com não é perfeito, mas nem sequer o tenta ser. O filme conta com uma fotografia excelente, com cenários exuberantes (filmados na aldeia de Dornes, em Ferreira de Zêzere), que quase nos fazem acreditar num Portugal perdido e encantado. Luís Galvão Teles conta com uma comédia comum em termos técnicos, sem uma carga dramática que a suporte, mas ao mesmo tempo conta com um enredo muito divertido.

O ponto alto de Dot.com é, essencialmente, o elenco de luxo. Grandes actores portugueses criam personagens muito divertidas, com diálogos interessantes e cómicos.

Dot.com foi escrito para as massas, de forma a chegar a todo o tipo de pessoas e efectivamente, consegue-o. O argumento é, por vezes, patético. No entanto, combina a modernidade da Internet com o Portugal rural tão conhecido, com as suas gentes, expressões e hábitos. A aldeia da discórdia – que apenas queria uma estrada que a ligasse ao mundo – torna-se ela própria o centro do mundo. No fim de todas as peripécias, sobra e resiste a portugalidade. Nas palavras do realizador, Dot.Com é uma «comédia cibernética rural».

Futurama: Bender’s Big Score

2008-06-16T22:15:00.000+01:00

Futurama: Bender’s Big Score não passa de um episódio da série, de longa duração. Contudo, faz as delícias dos fãs, num regresso após o seu cancelamento em 2003.

Futurama: Bender’s Big Score é o primeiro de quatro filmes criados para serem exibidos em 16 partes na televisão. A ideia surgiu, após o término da série em 2003, dadas as vendas expressivas das temporadas regulares em DVD e a boa audiência das repetições da série no canal Cartoon Network.

O filme conta a história de como alienígenas nudistas conseguem controlar os tripulantes da Planet Express, forçando (mais ou menos) o Bender a viajar no tempo (através de um código secreto recolhido do traseiro de Fry), recolhendo artifícios valiosos de todo o mundo e de todas as eras.

Matt Groening (The Simpsons) encontra-se ainda mais crítico ao longo deste filme, muito ao contrário do que acontecia em antigos episódios de Futurama. Temas como o spam (e como a sua proliferação pode mudar o mundo), o elevado preço do petróleo e dos combustíveis, Al Gore, o governo americano e o Iraque são abordados genialmente em algumas cenas. Nem a FOX escapou às suas críticas: uma introdução de génio permite abordar o cancelamento da série e como (talvez) esta tenha sido uma má decisão.

Futurama: Bender’s Big Score talvez seja demais para uma longa metragem (uma hora e meia), não passando de um grande episódio da série. No entanto, acaba por ser um grande episódio para fãs, especialmente porque há coisas que só quem acompanhava regularmente a série, acabará por compreender. A tatuagem de Bender no traseiro de Fry, o cão fossilizado de Fry, os pais de Leela, o porquê daquele corte de cabelo de Amy, a preservação por criogenia de Fry… tudo isso foi abordado em episódios da série e ganha novos contornos e explicações ao longo do filme. Fantástica também é a forma como os autores explicam o amor entre Leela e Fry, numa série de viagens e memórias ao longo do tempo.

Não passa de um grande episódio, mas é ideal para matar saudades das personagens de Futurama. E nisso a Comedy Central (South Park) está de parabéns, pois ressuscitar uma série cancelada é algo muito raro no competitivo mercado americano.

A Tela De Uma História Que Não Se Acende - Fotografias de Ana Pereira

2008-06-11T00:44:00.001+01:00

O Silo é um espaço cultural existente no centro comercial NorteShopping, em Matosinhos e que é conhecido por nos apresentar, mensalmente, uma nova exposição nas suas instalações e por conseguinte uma nova temática e um novo artista.

A exposição do mês de Junho tem o tema: A Tela De Uma História Que Não Se Acende. São fotografias de Ana Pereira, centradas sobretudo na melancolia das salas de cinema do Porto, a grande maioria desactivadas ou em muito mau estado.

As fotografias são, sobretudo, retratos nus e crus de espaços anteriormente devotados à sétima arte. Sem grandes definições, nem sequer preocupações com a qualidade das imagens, a fotógrafa preocupou-se principalmente em deixar passar uma temática de saudade e melancolia, apelando talvez à recuperação desses espaços antigos.

O Porto foi determinante na introdução do cinema no país e as fotografias são particularidades disso mesmo, memórias passivas de serem recolhidas pelo espectador. Espaços como o cinema Trindade, Batalha, Stop, Nun'Álvares, Passos Manel, Pedro Cem Charlot, Sá da Bandeira e Júlio Dinis são os espaços recordados.

A meu ver, é uma exposição bastante fraca que vale, no entanto, pela temática e pela qualidade do espaço em que está inserida.

Os Condenados de Shawshank

2008-06-10T23:02:00.003+01:00

Os Condenados de Shawshank (The Shawshank Redemption) é uma grande produção de 1994, que conta com a participação de Tim Robbins (Andy Dufresne) e Morgan Freeman (Red). É uma adaptação de um romance de Stephen King, que conta a história destas duas personagens numa prisão de alta segurança que reúne os maiores delinquentes dos Estados Unidos. Dufresne, um banqueiro bem sucedido, é acusado de homicídio da própria esposa. Ao entrar em Shawshank, é um dos alvos de gozo preferidos dos grupos de presos. No entanto, com algumas técnicas e com muita preseverança, consegue um lugar importante na escala hierárquica da própria prisão. Red, que já se encontra na prisão há várias décadas, sendo-lhe sempre negada a liberdade condicional, torna-se grande amigo de Andy.

Este é, sem dúvida, um dos melhores filmes que alguma vez vi, se não o melhor. Tem uma mensagem extraordinária sobre o valor da amizade, da esperança e da justiça, com uns toques de humor e de lógica inigualáveis.

Foi nomeado para sete Óscares, entre eles o de melhor filme e de melhor actor (Morgan Freeman).

A não perder.

P.S. I Love You

2008-06-10T00:12:00.000+01:00

P.S. I Love You é um filme que mexe connosco ou pelo menos com quem ama. Podia cair no exagero, contudo não é repetitivo e consegue ser original dentro do género.

O filme conta a historia de Holly (Hilary Swank) uma jovem bonita e feliz que casa com o homem da sua vida, Gerry (Gerard Butler). Ele fica doente e morre, deixando Holly em estado de choque. Antes de falecer, Gerry deixa para a esposa uma série de cartas. Mensagens que surgem de forma surpreendente, sempre assinadas da mesma forma: “P. S. I Love You”. Os familiares e amigos receiam que as cartas não deixem Holly esquecer o passado mas, para ela, as palavras de Gerry servem de guia para uma tocante viagem de redescoberta do seu casamento.

P.S. I Love You é um filme extremamente emotivo, que brinca com as emoções humanas. Podia ter seguido o caminho mais fácil do romance dramático, mas consegue ser surpreendentemente refrescante. Em P.S. I Love You conseguimos colocar-nos do lado dos protagonistas e sentir o medo da solidão e da morte, de forma a arrancar-nos um suspiro ou uma lágrima. Falando nestes termos, poderíamos ser tentados a dizer que o filme é demasiado lamechas (e talvez, em parte, até o seja), contudo é ideal para um serão chuvoso.

Do filme podemos destacar a mensagem. Amor é também a solidão, é saber libertar o outro, entregá-lo ao mundo e dar espaço, mesmo após a morte. Hilary Swank tem neste filme, um papel a que ainda não nos habituámos: uma menina gentil e dócil. Contudo, e ao mesmo tempo, parece que este papel se enquadra nela como uma luva, revelando o seu talento para todos os géneros.

Gerard Butler tem aqui um papel quase omnisciente, contudo consegue gerir as aparições da sua personagem de uma forma inteligente e que leva o espectador a ter um papel activo na construção da mesma.

A grande Kathy Bates tem o cargo de, neste filme, ser a matriarca, a mulher dos sentimentos ocultos e reprimidos, mas que no fim é das personagens que mais moral transporta e que transmite mais carga dramática. “Thing to remember is if we’re all alone, then we’re all together in that too“, relembra-nos Kathy Bates, como se o amor fosse a solidão das multidões.

P.S. I Love You exagera e dramatiza, mas ao mesmo tempo transmite a verdade crua das coisas. E isso torna-o um filme melhor.

Vestida para Casar

2008-06-10T00:07:00.001+01:00

27 Dresses tinha tudo para ser uma típica comédia romântica. E conseguiu sê-lo, sem nunca maçar.

Vestida para Casar é a história da eterna dama de honor, que sempre se preocupou demasiado com os outros, sem nunca olhar para si. Contudo, tudo muda quando conhece um novo homem e a sua irmã se encontra prestes a casar com o seu patrão - pelo qual está apaixonada.

Katherine Heigl encontrou neste papel uma forma de se distanciar da sua personagem em Anatomia de Grey e conseguiu. Katherine interpreta o seu papel de uma forma espontânea, de forma a levar o espectador a crer que ela é mesmo aquela dama de honor, simples e divertida.

James Marsden também tem o seu papel assegurado, devido à sua pose de galã ou de príncipe encantado. Quase se nota uma química natural entre os dois actores, reforçando a ligação com o espectador, o que acaba por tornar o filme mais afectivo para todos.

Escrito pela mesma guionista de O Diabo Veste Prada, Vestida para Casar é o cliché das comédias românticas, que desta vez resulta muito bem.

Outro ponto a destacar é a banda sonora, que contém temas de Amy Winehouse, Corinne Bailey Rae, James Morrison e Feist.

Sem dúvida, um filme que merece ser visto, nem que seja pelo puro divertimento.

The Moss - FNAC Norteshopping, Matosinhos

2008-05-28T01:08:00.003+01:00

Mais um showcase na Fnac Norteshopping em Matosinhos, no passado dia 23 de Maio de 2008, desta vez com a actuação de The Moss.

Hugo Moss aparenta um ar tímido e um jeito humilde, mas quando canta as coisas são um bocadinho diferentes. Não é que este tenha dado um espectáculo extremamente vibrante, no entanto, nota-se que quando canta ganha um ar apaixonado pelo que faz, deixando-se levar por completo ao som da música.

O seu som oscila entre o folk, o country americano e o blues. Uma voz simples, mas agradável de se ouvir, com letras bem escritas e interessantes e uma composição suave. The Moss toca guitarra acústica e, quando o momento o exige, toca também harmónica, de forma a conjugar-se bem com o espírito folk. O showcase limitou-se a cerca de quatro músicas apenas, contidas no seu EP de estreia, com título homónimo, no entanto foi uma meia hora de boa música e uma grande descoberta

www.myspace.com/hugomoss

www.themosspage.blogspot.com

Joe Cocker - Pavilhão Municipal, Vila Nova de Gaia

2008-05-28T00:18:00.001+01:00

Mais uma vez o Pavilhão Municipal de Vila Nova de Gaia (que já recebeu nomes como Waterboys e Peter Murphy), foi palco de um grandioso espectáculo no dia 21 de Maio de 2008.

Joe Cocker subiu ao palco passavam pouco das 22 horas, pronto para dar uma excelente noite a milhares de pessoas. Maioritariamente entre os 40 e os 50 anos, as mulheres dançavam as sedutoras coreografias das músicas e os homens, de cabelos brancos, vibravam ao som do rock de Cocker.

Notou-se que Joe Cocker sente necessidade de mostrar que está vivo. De pose mais contida que antigamente, com um ar mais envelhecido, barba e cabelos brancos e uma voz mais fraca (mas mesmo assim charmosa e potente), Joe Cocker deu um grande espectáculo.

Cocker cantou o clássico “You are so beautiful“, com algumas falhas na voz, que prontamente o público ajudou a abafar. As bancadas levantaram-se em peso aos primeiros acordes de “You can leave your hat on“, que ficará sempre associada à chama sedutora do artista. “Up where we belong“, “Summer in the city“, “Come together” e “Unchain my heart” foram outros temas que foram recebidos em êxtase.

Um ponto de elogio neste espectáculo foi, acima de tudo, a excelente banda com a qual Cocker se fez acompanhar. Um guitarrista, um saxofonista e uma baixista fizeram a grande parte do trabalho principal para este ter sido um grande espectáculo.

Sem dúvida, uma noite divertida e bem passada.

Sicko

2008-05-22T01:25:00.000+01:00

Sicko levanta questões pertinentes sobre o sistema nacional de saúde americano, com o cunho pessoal do realizador galardoado pela Academia, Michael Moore. Acima de tudo, podemos dizer que Michael Moore sabe jogar com os factos para atingir os seus fins.

Sicko é mais que um filme, é um panfleto sobre como a saúde se tornou um negócio. Michael Moore alerta sobre o sistema nacional de saúde americano, cujas seguradoras assumem o controlo total. Milhões de americanos estão sem seguro de saúde, porque as seguradoras arranjam cláusulas que impedem aos doentes crónicos de aderir ao seguro ou se o fizerem, têm de pagar taxas ou coimas excessivamente abusivas. Sicko é uma crítica a George W. Bush e aos lobbies da indústria seguradora e também da indústria farmacêutica.

Michael Moore procura respostas no Canadá, Inglaterra e França, onde todos os cidadãos têm cuidados médicos gratuitos. Michael Moore mostra que o sistema de saúde americano está em último lugar entre os países mais desenvolvidos, apesar de ter um custo por pessoa mais elevado que qualquer outro sistema de saúde no mundo. Finalmente, Moore reúne um grupo de heróis de salvamento do “11 de Setembro” que sofrem de doenças debilitantes, incapazes de receber ajuda no seu país e leva-os para o mais inesperado lugar (apontado como a nação “terrífica”: Cuba) onde recebem o tratamento adequado, indisponível na sua e mais rica nação da terra.

Mais uma vez este não é um “documentário” que pretenda ser isento de crítica ou responsabilidade. Pelo contrário, Michael Moore assume a sua veia anti-Bush, criticando todo o seu sistema e responsabilizando pela crise vivida pelos doentes e idosos do país. O conhecido realizador é bom na sua propaganda, conseguindo manipular os factos e eventos, sem, contudo, deturpar a realidade.

O jogo de Moore é induzir a discussão, tudo de forma subjectiva, usando da sua ironia típica. Contudo, é um filme que leva à reflexão e à análise do nosso próprio país, que tem um um sistema nacional de saúde, indústrias seguradora e farmacêutica bastante semelhantes ao americano.